• Domino’s Pizza lanzó máquinas de vending con pizzas listas en menos de tres minutos.
• El formato busca ampliar la disponibilidad de la marca sin abrir nuevos restaurantes.
• Casos como Costa Express y Starbucks muestran que las estaciones de servicio ganan protagonismo como puntos de venta para las marcas.

Domino’s Pizza encontró una nueva forma de acercarse al consumidor. La cadena presentó “Horno 24/7”, un formato de vending que ofrece pizzas recién horneadas en menos de tres minutos durante las 24 horas del día, los siete días de la semana.

Con esta iniciativa, apuesta por ampliar su cobertura sin depender exclusivamente de la apertura de nuevos restaurantes.

El proyecto arrancó con dos máquinas ubicadas en estaciones de servicio de la Comunidad de Madrid, en España: una en una gasolinera de Moeve, en Carabanchel, y otra en una estación de Ballenoil, en Pozuelo.

Ambas funcionan como una extensión de las tiendas Domino’s, ya que las pizzas se preparan previamente en un obrador cercano siguiendo las mismas recetas y estándares de calidad, mientras que el horneado se realiza dentro de la máquina al momento de la compra.

Además, las máquinas estarán integradas con Uber Eats, lo que permitirá ampliar el radio de cobertura del servicio de entrega y atender franjas horarias en las que muchos restaurantes permanecen cerrados.

Con ello, Domino’s, de la mano de Alsea en España, busca aprovechar momentos de consumo vinculados a la madrugada, los desplazamientos o las compras de conveniencia.

Las gasolineras dejan de vender sólo combustible

La elección de estaciones de servicio no es casual. Estos espacios evolucionaron durante los últimos años hasta convertirse en puntos de conveniencia donde el consumidor puede resolver distintas necesidades en una sola parada.

Café, alimentos preparados, paquetería y servicios digitales forman parte de esa transformación.

Un ejemplo consolidado es Costa Express. La marca de café desarrolló una red internacional de máquinas automáticas capaces de preparar bebidas con granos recién molidos y leche fresca en estaciones de servicio, supermercados, hospitales y aeropuertos.

Actualmente opera alrededor de 13,500 equipos en 17 mercados y convirtió ese formato en uno de sus principales motores de expansión.

La lógica detrás del proyecto consiste en llevar la experiencia de la cafetería a lugares donde abrir una sucursal completa no resulta rentable, capturando compras por impulso y consumo en movimiento.

Otro caso es Starbucks On the Go. En Europa, la marca impulsó junto con Selecta un concepto de autoservicio instalado en estaciones de servicio y espacios de alto tránsito. La propuesta permite preparar bebidas con los estándares de Starbucks sin requerir una cafetería tradicional.

La estrategia responde al mismo principio: aprovechar ubicaciones donde millones de personas realizan una parada breve y convertir ese momento en una oportunidad de compra adicional.

Estos antecedentes muestran que las estaciones de servicio dejaron de competir únicamente por el combustible. Hoy también disputan el gasto destinado a alimentos y bebidas de consumo inmediato, convirtiéndose en un canal atractivo para las marcas de foodservice.

La competencia ya no consiste únicamente en abrir restaurantes

La apuesta de Domino’s representa un cambio en la forma en que las cadenas de comida rápida entienden su crecimiento.

El valor del proyecto no radica únicamente en incorporar máquinas de vending, sino en extender el ecosistema comercial de la marca hacia espacios donde antes no tenía presencia.

En este caso, la compañía no comunica sólo una idea de disponibilidad permanente. Diseña un nuevo comportamiento de compra.

El consumidor puede adquirir una pizza recién horneada a cualquier hora mientras carga combustible, espera un viaje o realiza una parada rápida, sin necesidad de desplazarse hasta un restaurante.

Ese patrón estratégico comienza a repetirse en distintas categorías. En lugar de aumentar exclusivamente el número de sucursales, las empresas exploran formatos de menor inversión como kioscos inteligentes, vending, lockers o puntos automatizados para incrementar su capilaridad y capturar ocasiones de consumo que antes quedaban fuera de su alcance.

Para los mercados latinoamericanos, el aprendizaje también resulta relevante. Las estaciones de servicio, tiendas de conveniencia y centros de movilidad concentran un flujo constante de consumidores y ofrecen oportunidades para extender la presencia de una marca sin asumir el costo operativo de una unidad tradicional.

Una estrategia para ampliar el ecosistema de venta

Domino’s asegura que el despliegue forma parte de un plan de diversificación con el que busca fortalecer su ecosistema comercial.

Las primeras dos máquinas funcionan como una prueba del potencial del formato en España, aunque el concepto ya había sido ensayado por la compañía en Lyon, Francia, durante 2023.

La incorporación del vending también permite aumentar la disponibilidad de la marca en horarios donde normalmente disminuye la oferta gastronómica.

Esto abre oportunidades para captar nuevos momentos de consumo y elevar la frecuencia de compra sin modificar la infraestructura existente.

Más allá del desempeño que registren estas primeras instalaciones, el movimiento confirma una tendencia cada vez más visible en el retail alimentario: el punto de venta ya no se limita al restaurante.

Las marcas buscan acercar sus productos al consumidor allí donde surge la necesidad de compra, incluso en espacios que hasta hace pocos años estaban reservados para actividades completamente distintas.

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• Target presentó Picolette, una colección exclusiva de 60 productos para bebé desarrollada con Olivia Culpo.
• La iniciativa busca fortalecer la categoría Baby mediante diseño, storytelling y precios accesibles.
• La colaboración refleja cómo el retail utiliza celebridades para diferenciar sus marcas propias y generar mayor fidelidad.

Target amplía su estrategia en una de las categorías más competitivas del retail estadounidense con el lanzamiento de la colección para bebé llamada Picolette, desarrollada en colaboración con Olivia Culpo.

La línea reúne 60 productos entre ropa, accesorios, artículos para la alimentación, juguetes, regalos y recuerdos para los primeros años de vida, con un enfoque que combina diseño, funcionalidad y precios accesibles.

La colección llegará el 26 de julio a cerca de 1,400 tiendas de la cadena en Estados Unidos y también estará disponible a través de Target.com. Además, la empresa anunció que incorporará nuevos lanzamientos durante el próximo año para acompañar diferentes momentos familiares y temporadas comerciales.

Aunque Olivia Culpo no tiene el mismo nivel de reconocimiento en América Latina que otras celebridades estadounidenses, cuenta con una sólida presencia en redes sociales y en la industria de la moda.

La empresaria y modelo ganó el certamen Miss Universo en 2012 y posteriormente construyó una carrera como creadora de contenido, inversionista y colaboradora de diversas marcas de moda y belleza.

En 2025 anunció el nacimiento de su primera hija, una experiencia que ahora sirve como punto de partida para esta colaboración comercial con Target.

Las marcas propias ganan terreno en el negocio del retail

Más que incorporar el nombre de una celebridad, la colección para bebé Target forma parte de una estrategia con la que el retailer fortalece su oferta de marcas exclusivas.

En un mercado donde los consumidores pueden encontrar productos similares en múltiples plataformas, las colecciones desarrolladas junto con figuras públicas ayudan a diferenciar el surtido y generan razones adicionales para visitar las tiendas físicas o comprar directamente en los canales digitales de la empresa.

 

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Picolette apuesta por prendas con diseños clásicos, estampados como toile y gingham, además de accesorios, peluches, libros y artículos pensados para conservar recuerdos de los primeros años de vida.

Entre los productos también figura una colección dedicada al primer cumpleaños, con ropa temática, coronas reutilizables y álbumes conmemorativos.

La estrategia también responde a un cambio en el comportamiento de compra de las familias. Los padres buscan productos funcionales, pero también piezas que puedan asociarse con momentos personales y convertirse en recuerdos de largo plazo.

Ese componente emocional incrementa el valor percibido sin alejarse de un rango de precios accesible.

La colaboración de marca convierte la experiencia personal en una estrategia comercial

El caso también muestra cómo evolucionan las colaboraciones de marca dentro del retail. En lugar de utilizar a una celebridad únicamente como imagen publicitaria, Target incorporó la experiencia reciente de Olivia Culpo como madre para construir una propuesta de productos alineada con una historia personal.

La diferencia es relevante desde una perspectiva de marketing. El mensaje no gira exclusivamente alrededor de la fama de la modelo, sino de una narrativa vinculada con la maternidad, los recuerdos familiares y las primeras etapas de la crianza.

Este tipo de colaboraciones busca reducir la distancia entre la personalidad pública y el consumidor.

Cuando existe una conexión entre la experiencia del colaborador y la categoría de producto, la percepción de autenticidad suele fortalecerse y puede traducirse en mayor interés por parte de los compradores.

Para Target, además, la alianza aporta contenido para redes sociales, comunicación en tienda y futuras colecciones temáticas, lo que permite extender la conversación más allá del lanzamiento inicial.

Lo que enseña esta estrategia a las marcas de América Latina

Más allá del caso de Target, la iniciativa refleja una tendencia que también puede aplicarse en los mercados latinoamericanos.

Las colaboraciones ya no dependen únicamente del prestigio de una celebridad; cada vez tienen mayor peso las historias personales capaces de conectar con momentos específicos de la vida del consumidor.

En este caso, la colaboración de marca comunica una idea, pero también diseña un comportamiento. La colección invita a las familias a conservar prendas y accesorios como recuerdos de etapas importantes, lo que amplía el valor del producto más allá de su uso cotidiano.

Para retailers y fabricantes de América Latina, el aprendizaje consiste en desarrollar colecciones que combinen diseño, utilidad y storytelling dentro de categorías de consumo frecuente.

La estrategia demuestra que incluso segmentos maduros, como los productos para bebé, pueden generar diferenciación cuando incorporan una identidad clara y una narrativa consistente.

El lanzamiento también confirma que Target continúa utilizando colaboraciones exclusivas para fortalecer sus marcas propias, aumentar la fidelidad de los consumidores y competir en un mercado donde la diferenciación resulta cada vez más importante frente a otros grandes jugadores del comercio minorista.

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• Olympia Le-Tan presentó dos clutches bordados inspirados en Friends en colaboración con Warner Bros. Discovery.
• La colección convierte elementos emblemáticos de la serie en piezas numeradas de edición limitada.
• El caso refleja cómo las licencias evolucionan hacia estrategias de posicionamiento para marcas de lujo.

En un mercado donde las colaboraciones entre marcas y franquicias del entretenimiento se multiplican, diferenciarse depende cada vez menos del personaje elegido y más de la forma en que se interpreta su universo.

Esa lógica guía la nueva colección de Olympia Le-Tan x Friends, una edición limitada que transforma algunos de los símbolos más reconocibles de la comedia en accesorios de lujo dirigidos a coleccionistas y fanáticos.

La firma francesa, conocida por sus bolsos con forma de libro y elaborados mediante técnicas tradicionales de bordado, presentó la colección en alianza con Warner Bros. Discovery Global Consumer Products.

La cápsula incluye dos diseños: uno inspirado en el icónico marco amarillo que rodea la mirilla de la puerta del departamento de Mónica Geller y otro dedicado al logotipo de Friends, una de las series más populares de la televisión.

Cada clutch se fabrica de manera artesanal y forma parte de una edición numerada del 01/77 al 77/77, reforzando el carácter exclusivo de una propuesta que estará disponible a partir del 9 de noviembre en la tienda en línea de Olympia Le-Tan, su boutique de París y distribuidores seleccionados.

La nostalgia se convierte en un producto de lujo

El atractivo de la colección no radica únicamente en el reconocimiento inmediato de Friends. Olympia Le-Tan apuesta por detalles que los seguidores identifican casi de forma automática, como el marco amarillo o la estética gráfica de la serie, para construir piezas que funcionan tanto como accesorios de moda como objetos de colección.

La estrategia responde a una tendencia cada vez más visible en la industria del lujo: tomar referencias de la cultura pop y reinterpretarlas mediante procesos artesanales, materiales premium y producciones limitadas.

El resultado es un producto que trasciende el merchandising tradicional y adquiere un valor asociado al diseño, la exclusividad y el trabajo manual.

En palabras de Aude Sergent, directora ejecutiva de Olympia Le-Tan, la intención consistió en recuperar aquellos pequeños elementos que transportan inmediatamente a los seguidores al universo de *Friends*, transformándolos en piezas capaces de conservarse durante años.

Las licencias evolucionan hacia experiencias de marca

El caso también muestra cómo cambió el papel de las licencias de entretenimiento. Durante años, gran parte de las colaboraciones se limitó a colocar personajes o logotipos sobre distintos productos.

Hoy, muchas marcas buscan construir propuestas con una narrativa propia que justifique la alianza.

Olympia Le-Tan encontró esa oportunidad al trabajar sobre objetos con una fuerte carga emocional para quienes crecieron viendo la serie.

En lugar de reproducir escenas o fotografías de los protagonistas, la colección recupera símbolos cotidianos que forman parte de la memoria colectiva de los fanáticos.

La diferencia es relevante porque la colaboración comunica una idea, pero también impulsa un comportamiento: invita a coleccionar una pieza exclusiva cuya producción limitada incrementa su percepción de valor.

En ese sentido, el producto deja de ser un simple accesorio para convertirse en una extensión del vínculo emocional entre la audiencia y la franquicia.

Un aprendizaje para las marcas en Latinoamérica

La colaboración entre Olympia Le-Tan y Warner Bros. Discovery ofrece una enseñanza que trasciende la moda.

Las alianzas con propiedades intelectuales generan mejores resultados cuando identifican qué elementos despiertan una conexión emocional en el consumidor y los reinterpretan de manera coherente con el posicionamiento de la marca.

Ese enfoque puede aplicarse también en Latinoamérica. Las empresas no necesitan depender únicamente de personajes populares para construir colaboraciones exitosas. Objetos, colores, escenarios o pequeños detalles reconocibles pueden convertirse en activos con un enorme potencial comercial cuando forman parte de una estrategia consistente.

En el caso de Olympia Le-Tan, la elección del marco amarillo de la puerta de Mónica ilustra esa lógica.

Se trata de un elemento secundario dentro de la serie, pero suficientemente icónico para activar el recuerdo de millones de personas sin recurrir directamente a los protagonistas.

Más de tres décadas después del estreno de Friends en 1994, la franquicia continúa encontrando nuevas formas de mantenerse vigente.

Esta colaboración demuestra que el valor de una licencia ya no depende únicamente de su popularidad, sino de la capacidad de las marcas para reinterpretar su universo, conectar con la memoria emocional de distintas generaciones y traducir esa conexión en productos que refuercen su identidad y exclusividad.

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Los refills ya no son exclusivos de las marcas de lujo ni de las tiendas especializadas. En México, empresas como Coca-Cola, Nescafé, L’Oréal Paris, Natura, CeraVe, Kérastase y L’Occitane están apostando por envases retornables o recargables como parte de una nueva estrategia comercial que busca aumentar la recompra y fortalecer la lealtad de los consumidores.

Lo que comenzó como una iniciativa de sustentabilidad se está convirtiendo en una herramienta de marketing. Hoy, el objetivo ya no es vender un envase nuevo en cada compra, sino conservar el original y mantener una relación constante con el cliente mediante recargas.

Esta transformación responde a un cambio en los hábitos de consumo. De acuerdo con estudios de mercado, 39% de los consumidores mexicanos ya prefiere formatos refill, impulsados tanto por el ahorro económico como por la reducción del impacto ambiental.

Coca-Cola, Nescafé y otras marcas impulsan el consumo circular

El modelo de recarga ya está presente en distintas categorías dentro de los supermercados mexicanos.

En bebidas, Coca-Cola impulsa la denominada Botella Única, un envase retornable que puede reutilizarse para distintas presentaciones de la marca tras ser lavado y reacondicionado. PepsiCo mantiene una estrategia similar con botellas retornables de vidrio y PET en el canal tradicional.

En café, Nescafé ha ampliado la presencia de sobres de recarga para varias de sus líneas de café soluble, permitiendo reutilizar el frasco original y reducir el uso de nuevos envases.

La industria cervecera también mantiene una de las infraestructuras de reutilización más consolidadas del país. Corona promueve su campaña “Volvamos a lo Retornable”, mientras que Victoria, Dos Equis, Tecate e Indio continúan apostando por botellas de vidrio retornables que pueden reutilizarse decenas de veces antes de reciclarse.

En belleza y cuidado personal, marcas como L’Oréal Paris, CeraVe, Natura, La Roche-Posay, Kérastase y Lancôme han comenzado a incorporar empaques tipo doypack, cápsulas de recarga y envases reutilizables para algunos de sus productos más vendidos.

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El marketing cambia: vender menos envases para vender más veces

El crecimiento del refill está modificando una de las métricas más importantes para las marcas: la fidelización.

Fernando Aárcon, vicepresidente de Sustentabilidad para L’Oréal Latinoamérica, explica que el reto consiste en hacer que el refill deje de ser una alternativa para unos cuantos y se convierta en el formato habitual de compra.

La estrategia parece estar funcionando. Datos de la campaña Únete al Movimiento Refill muestran que un consumidor que compra un producto recargable tiene 3.5 veces más probabilidades de volver a adquirir un refill que un cliente que compra un envase convencional.

Para las áreas de marketing, esto representa un cambio profundo. En lugar de centrar la comunicación en lanzar un nuevo empaque, las campañas buscan que el consumidor conserve el envase original y únicamente renueve el contenido.

El consumidor mexicano impulsa la tendencia

El crecimiento del refill también responde a una mayor conciencia del consumidor.

Investigaciones de IPSOS indican que 75% de los consumidores latinoamericanos ya adopta prácticas más sostenibles por preocupación hacia el plástico, mientras que 48% utiliza algún producto en formato refill.

A nivel global, estudios de GlobeScan revelan que 44% de las personas evita activamente productos con empaques excesivos, una señal de que la sostenibilidad comienza a influir directamente en las decisiones de compra.

Para las marcas, el desafío ahora consiste en comunicar con mayor claridad los beneficios económicos, ambientales y de calidad que ofrecen estos formatos.

Con un mercado donde cada vez más consumidores buscan reducir residuos sin renunciar a sus marcas favoritas, los refills dejaron de ser una simple innovación en empaques para convertirse en una de las estrategias de marketing con mayor potencial de crecimiento dentro del retail mexicano.

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Los fanáticos de Dragon Ball Z y los sneakers tendrán un nuevo lanzamiento que sumar a su colección. Converse confirmó su esperada colaboración con el legendario anime creado por Akira Toriyama, una línea que reúne algunos de los personajes más emblemáticos de la serie en sus siluetas clásicas.

La colección Converse x Dragon Ball Z llegará a nivel mundial durante agosto y promete convertirse en uno de los lanzamientos más buscados del año, especialmente en mercados como México, considerado uno de los países con mayor número de seguidores de la franquicia.

¿Cuándo sale Converse x Dragon Ball Z en México?

El lanzamiento tendrá dos etapas.

La colección debutará el 23 de julio de 2026 en Norteamérica y Gran China, mientras que el 11 de agosto de 2026 comenzará su distribución en el resto de los mercados internacionales, incluido México, a través de la tienda oficial de Converse y distribuidores autorizados.

Aunque la marca todavía no confirma los puntos de venta para el mercado mexicano, se espera que los modelos lleguen mediante los canales habituales de la compañía.

Estos son todos los tenis de Converse x Dragon Ball Z

La colaboración está integrada por siete diseños inspirados en algunos de los personajes más populares del anime.

Entre ellos destaca el Chuck 70 “Shenron”, considerado el modelo premium de la colección. El tenis incorpora ilustraciones del dragón sagrado, acabados especiales y un llavero metálico inspirado en la esfera del dragón de cuatro estrellas.

También habrá  nueve versiones de los clásicos Chuck Taylor All-Star dedicadas a:

• Goku
• Vegeta
• Gohan
• Freezer
• Cell
• Majin Buu
• Krilin

Además, Converse lanzará una edición especial inspirada en Goten y Kid Trunks, recreando la famosa danza de la fusión.

La colección también incluirá Converse By You, una modalidad que permitirá personalizar los tenis con gráficos, parches y detalles oficiales de Dragon Ball Z.

¿Cuánto costarán los tenis?

Los modelos de la colección tendrán un precio oficial de 105 dólares, equivalente a aproximadamente 1,950 pesos mexicanos, aunque el costo final en México podría variar dependiendo de impuestos, tipo de cambio y distribuidor.

Al tratarse de una colaboración limitada, no se descarta que algunos modelos se agoten durante las primeras horas de venta o incrementen su precio en el mercado de reventa.

México, uno de los mercados más importantes para Dragon Ball

La llegada de esta colaboración tiene un significado especial para el mercado mexicano.

Diversos análisis de la industria colocan a México dentro del Top 3 de países con más fanáticos de Dragon Ball en el mundo, junto con Japón y Brasil, lo que ha convertido al país en uno de los mercados prioritarios para las licencias oficiales de la franquicia.

Ese fenómeno cultural explica por qué cada nuevo lanzamiento relacionado con Dragon Ball suele generar una alta demanda entre los consumidores mexicanos.

La franquicia creada por Akira Toriyama también continúa siendo una de las propiedades intelectuales más rentables del entretenimiento. Con más de 260 millones de mangas vendidos en todo el mundo y más de 5,000 millones de dólares generados por mercancía y licencias, Dragon Ball mantiene un enorme atractivo comercial más de tres décadas después del estreno del anime.

Por su parte, Converse sigue apostando por colaboraciones con franquicias de gran impacto cultural para fortalecer su presencia en el mercado del calzado urbano, donde la exclusividad y las ediciones limitadas continúan siendo uno de los principales motores de compra entre coleccionistas y aficionados.

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• Hunter expande su portafolio con su primera línea de botas de seguridad.
• Dunlop aporta su experiencia en tecnología para calzado de protección industrial.
• La alianza refleja cómo las marcas de lifestyle buscan crecer mediante nuevas categorías.

La colaboración de marcas entre Hunter y Dunlop Protective Footwear marca un nuevo paso para una de las firmas más reconocidas del calzado británico.

Con el lanzamiento de la primera Hunter Safety Boot, la empresa lleva su identidad de diseño y tradición a un segmento completamente distinto: el del equipo de protección personal.

La iniciativa representa una estrategia de diversificación que aprovecha el reconocimiento de Hunter en el mercado global mientras incorpora la experiencia técnica de Dunlop Protective Footwear, fabricante con más de un siglo de trayectoria en calzado de seguridad.

El resultado es un producto que combina la imagen de una marca asociada al estilo de vida al aire libre con especificaciones propias del trabajo industrial.

La nueva colección ya está disponible en Amazon y Grainger, mientras su distribución continuará durante 2026 mediante canales de retail, comercio electrónico y distribuidores especializados en Estados Unidos y Canadá.

Cuando una marca consolida su identidad para entrar a otra categoría

Durante décadas, Hunter ocupó el lugar de una marca reconocida por sus botas impermeables, prendas para actividades al aire libre y accesorios vinculados con la moda y el lifestyle.

Su presencia entre consumidores, celebridades y aficionados a las actividades outdoor fortaleció una identidad basada en la combinación de funcionalidad y diseño.

Ahora, la compañía busca trasladar ese prestigio hacia una categoría completamente distinta.

En lugar de desarrollar internamente una línea especializada en seguridad industrial, decidió asociarse con un actor que ya domina ese mercado.

Dunlop Protective Footwear aporta tecnologías propias como Purofort, un material desarrollado para ofrecer menor peso, flexibilidad, aislamiento térmico y mayor comodidad durante jornadas prolongadas de trabajo.

La empresa también suma décadas de experiencia en industrias como agricultura, construcción, procesamiento de alimentos y manufactura.

Para Hunter, esta colaboración de marcas representa una forma de acelerar su ingreso a un segmento altamente especializado reduciendo la curva de aprendizaje y apoyándose en un socio con capacidades técnicas ya consolidadas.

La estrategia va más allá del producto

Más que comunicar una idea, esta iniciativa diseña una acción comercial concreta: extender el valor de una marca reconocida hacia una nueva necesidad del consumidor mediante una alianza estratégica.

El lanzamiento también responde al crecimiento de la participación femenina en sectores donde tradicionalmente predominó la fuerza laboral masculina.

La colección fue diseñada específicamente para mujeres trabajadoras, un segmento donde existe una demanda creciente por equipo de protección que considere ajustes, ergonomía y comodidad sin sacrificar los estándares de seguridad.

Esta decisión refleja una tendencia cada vez más visible en distintas industrias: las marcas buscan desarrollar productos dirigidos a grupos de consumidores con necesidades específicas, en lugar de adaptar soluciones originalmente creadas para otros perfiles.

En este caso, Hunter aporta reconocimiento, diseño e identidad visual, mientras Dunlop incorpora la ingeniería y certificaciones necesarias para competir dentro del mercado del equipo de protección personal.

Qué enseña esta colaboración de marcas a otras empresas

Uno de los principales aprendizajes de este caso es que la expansión hacia nuevas categorías no siempre requiere desarrollar capacidades desde cero.

En muchos casos, construir alianzas permite reducir riesgos, aprovechar conocimientos especializados y acelerar el acceso a nuevos mercados.

Para empresas latinoamericanas, este tipo de colaboración de marcas ofrece un ejemplo de cómo una identidad consolidada puede generar oportunidades de crecimiento cuando encuentra un socio que complemente sus fortalezas.

El valor no radica únicamente en colocar un logotipo sobre un nuevo producto, sino en integrar competencias distintas para construir una propuesta con credibilidad frente al consumidor.

Otro aspecto relevante consiste en identificar segmentos donde todavía existen oportunidades de especialización.

La apuesta por botas de seguridad dirigidas específicamente a mujeres refleja cómo la innovación también puede surgir al atender públicos históricamente poco considerados por determinadas industrias.

La alianza entre Hunter y Dunlop muestra que las colaboraciones pueden convertirse en una herramienta para ingresar a mercados altamente técnicos sin abandonar los atributos que hicieron reconocida a una marca.

Mientras una empresa aporta reputación, diseño y conexión con el consumidor, la otra entrega innovación, conocimiento industrial y experiencia en fabricación, una combinación que puede acelerar el crecimiento en categorías con alto potencial.

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Colaboraciones de marcas impulsan el licensing entre entretenimiento y retail

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• Disney y Life360 lanzaron una colección limitada de rastreadores Bluetooth inspirados en Mickey y Minnie Mouse.
• Los dispositivos buscan aprovechar la temporada de viajes y el regreso a clases con un producto orientado a las familias.
• La colaboración ilustra cómo el licensing puede aumentar el valor percibido de una categoría tecnológica cotidiana.

La tecnología de rastreo para objetos personales suma un nuevo aliado en el terreno del entretenimiento. Disney y Life360 presentaron una colección limitada de rastreadores Bluetooth Disney inspirada en Mickey Mouse y Minnie Mouse, una propuesta que combina localización de pertenencias con dos de los personajes más reconocidos del mundo.

La colección llega durante la temporada de vacaciones de verano y a pocas semanas del regreso a clases, dos momentos del año en los que aumenta la necesidad de localizar mochilas, equipaje, carriolas, pasaportes y otros objetos de uso frecuente.

Con ello, ambas compañías buscan conectar una solución tecnológica con situaciones cotidianas para millones de familias.

Life360, empresa especializada en servicios de localización y seguridad familiar, desarrolló la colección utilizando la tecnología Tile, plataforma que adquirió en 2021 para ampliar su ecosistema de dispositivos conectados.

Una colaboración de marca que acerca la tecnología al consumidor

La colección incluye dos paquetes iniciales, uno con diseño de Mickey Mouse y otro de Minnie Mouse. Cada uno incorpora un Tile estándar y un Tile Slim, además de ofrecer versiones individuales del rastreador con Mickey Mouse.

Los dispositivos cuentan con un alcance Bluetooth de hasta 350 pies, batería con duración aproximada de tres años, función para hacer sonar el rastreador cuando se busca un objeto cercano y un botón SOS integrado.

También son compatibles con dispositivos Android y Apple, además de sincronizarse con la aplicación de Life360, donde es posible visualizar personas, mascotas y pertenencias dentro de un mismo mapa.

Más allá de las especificaciones técnicas, la colaboración de marca busca transformar un accesorio funcional en un producto con mayor carga emocional.

Disney aporta personajes con décadas de reconocimiento global, mientras que Life360 incorpora una solución tecnológica enfocada en la tranquilidad de las familias.

Mike Zeman, director de marketing de Life360, señaló que Disney representa experiencias familiares memorables y que la alianza busca combinar esa identidad con herramientas que simplifican la vida cotidiana.

El licensing impulsa nuevas oportunidades para productos tecnológicos

El acuerdo también refleja una tendencia cada vez más frecuente dentro de la industria del consumo: utilizar propiedades intelectuales para diferenciar categorías que suelen competir principalmente por precio o especificaciones técnicas.

En lugar de lanzar una edición convencional, Life360 convierte un rastreador Bluetooth en un artículo coleccionable para seguidores de Disney.

Esa estrategia permite ampliar el atractivo del producto hacia consumidores que quizá no buscaban un dispositivo de este tipo, pero sí tienen afinidad con la marca de entretenimiento.

Para Disney, la colaboración representa otra oportunidad para extender la presencia de Mickey y Minnie fuera de las categorías tradicionales como juguetes, ropa o artículos escolares.

Los personajes aparecen ahora en una categoría tecnológica con fuerte potencial de crecimiento gracias al incremento en los dispositivos conectados y las soluciones para el hogar y la movilidad.

Esta lógica también fortalece el negocio global de licencias de Disney, uno de los más grandes de la industria del entretenimiento, al mantener vigentes a sus personajes mediante asociaciones con empresas de distintos sectores.

La estrategia apunta a momentos de alta demanda familiar

El calendario de lanzamiento tampoco parece casual. La temporada de viajes incrementa el uso de maletas y documentos personales, mientras que el regreso a clases eleva la demanda de productos para estudiantes y padres de familia.

Al vincular el lanzamiento con esos momentos de consumo, Disney y Life360 insertan el producto dentro de necesidades concretas del mercado, en lugar de presentarlo únicamente como un accesorio tecnológico.

Además, la colección limitada genera una sensación de exclusividad que suele impulsar las compras entre coleccionistas y seguidores de la marca.

Este tipo de lanzamientos también fortalece la conversación en redes sociales y plataformas de comercio electrónico, donde el diseño puede convertirse en un factor de decisión tan importante como las funciones del dispositivo.

Los nuevos rastreadores Bluetooth Disney ya están disponibles a través del sitio oficial de Life360 y en Amazon, ampliando su distribución hacia consumidores que buscan soluciones de localización con un componente de entretenimiento y diseño.

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• El Ojo 2026 abrió el proceso de inscripción para agencias, anunciantes, consultoras, productoras y empresas de comunicación de toda Iberoamérica.
• El festival celebrará su edición 29 los días 11, 12 y 13 de noviembre con conferencias, workshops y la entrega de los Ojos de Iberoamérica.
• La edición incorpora nuevos reconocimientos al desempeño y mantiene medidas de integridad relacionadas con el uso de inteligencia artificial.

El Ojo 2026 ya puso en marcha su calendario y abrió oficialmente las inscripciones para la edición número 29 del festival que, desde hace casi tres décadas, reúne a las principales agencias, anunciantes, productoras, consultoras y profesionales de la comunicación de Iberoamérica.

La apertura de inscripciones marca el inicio de uno de los procesos más importantes del calendario regional para la industria del marketing, la publicidad y la creatividad.

Durante los próximos meses, cientos de empresas comenzarán a preparar los casos con los que competirán por los Ojos de Iberoamérica, uno de los reconocimientos con mayor prestigio dentro del mercado latinoamericano.

La edición 2026 se realizará los días 11, 12 y 13 de noviembre y volverá a combinar la premiación de los mejores trabajos del año con un programa de conferencias y workshops protagonizados por referentes internacionales de la creatividad, el marketing, la innovación, la tecnología y el entretenimiento.

Más allá de la competencia, el festival funciona como un punto de encuentro para conocer hacia dónde evoluciona la industria, cuáles son las tendencias creativas que ganan protagonismo y qué capacidades comienzan a demandar las marcas en un entorno donde la inteligencia artificial, los datos y las nuevas plataformas transforman permanentemente la comunicación.

Qué es El Ojo de Iberoamérica y por qué sigue siendo uno de los festivales más importantes de la región

Desde su creación en 1998, El Ojo de Iberoamérica se consolidó como el principal festival de creatividad de la región. Su propuesta reúne en un mismo espacio la competencia entre campañas, piezas e ideas con una agenda de contenidos orientada a la capacitación y el intercambio entre profesionales.

A diferencia de otros certámenes internacionales, El Ojo pone el foco exclusivamente en el mercado iberoamericano, lo que permite reconocer el trabajo desarrollado en contextos culturales, económicos y sociales muy diferentes entre sí, pero unidos por una misma industria.

Cada edición convoca a:

• agencias creativas,
• agencias independientes,
• consultoras,
• anunciantes,
• productoras audiovisuales,
• estudios de diseño,
• empresas de relaciones públicas,
• compañías especializadas en gaming, tecnología, medios, datos y contenidos, entre otros actores que hoy forman parte del ecosistema de la comunicación.

El reconocimiento obtenido en El Ojo suele convertirse en un indicador de desempeño para empresas y profesionales. Además del prestigio que representa ganar un premio, los resultados del festival impactan en los rankings regionales y contribuyen al posicionamiento de agencias y marcas dentro del mercado iberoamericano.

Con el paso del tiempo, el festival también amplió el alcance de sus categorías para acompañar la transformación del negocio publicitario.

Hoy reconoce desde campañas tradicionales hasta experiencias de marca, comercio creativo, innovación, diseño, producción audiovisual, contenido, datos, sustentabilidad y proyectos desarrollados con nuevas tecnologías.

Cuándo se realiza El Ojo 2026 y cómo funciona el proceso de inscripción

La edición 2026 de El Ojo de Iberoamérica se celebrará los días 11, 12 y 13 de noviembre.

El proceso de inscripción ya se encuentra habilitado y permanecerá abierto hasta el 30 de septiembre, fecha establecida como cierre definitivo para la carga de trabajos.

Como ocurre cada año, el festival estableció distintas etapas de inscripción con tarifas diferenciadas.

El primer cierre, que ofrece los descuentos más importantes, está previsto para el 14 de agosto, mientras que posteriormente continuarán las siguientes ventanas de inscripción hasta llegar al cierre final.

Todo el procedimiento se realiza de forma digital mediante la plataforma oficial del festival. Las empresas participantes deben completar la información administrativa, aceptar las condiciones de participación, cargar las fichas técnicas correspondientes y subir los materiales solicitados para cada categoría.

Entre los formatos admitidos se encuentran videos, piezas gráficas, archivos de audio, enlaces y distintos soportes digitales, dependiendo de las características de cada premio.

El festival también mantiene la modalidad Book, un sistema que permite inscribir varias piezas dentro de un mismo paquete con condiciones preferenciales.

Esta modalidad facilita la participación de agencias y compañías que presentan un volumen importante de trabajos y permite, además, competir automáticamente por algunos reconocimientos adicionales, como El Ojo +Mujeres, siempre que se cumplan los requisitos establecidos por la organización.

Qué premios entrega El Ojo 2026

La edición 2026 contempla una amplia oferta de categorías que refleja la diversidad actual del negocio creativo.

Entre los premios se encuentran Film, Gráfica, Radio & Audio, Vía Pública, Digital, Social & Creadores, Media, Directo, Experiencia de Marca & Activación, PR, Design, Sustentable, Sports, Contenido, Innovación, Creative Data, Creative Commerce, Salud & Pharma, Producción Audiovisual, Producción de Audio & Sonido, Producción Gráfica, El Tercer Ojo, El Ojo Ideas Latinas para el Mundo, El Ojo +Mujeres y el reconocimiento a la Mejor Idea País de El Ojo Local.

Además de competir en cada categoría, las piezas finalistas y ganadoras suman puntos para los Premios al Desempeño, que distinguen a las organizaciones y profesionales con mejores resultados durante la edición.

Entre los reconocimientos al desempeño figuran Mejor Agencia, Mejor Agencia Independiente, Mejor Director o Directora Creativa, Mejor Productora, Mejor Realizador o Realizadora, Mejor Anunciante y Mejor Red de Comunicación.

Como novedad para esta edición, el festival incorporó dos nuevos premios regionales:

• Mejor Productora de Audio & Sonido
• y Mejor Red Independiente.

El Ojo Local mantiene su apuesta por fortalecer cada mercado

Uno de los diferenciales históricos del festival es El Ojo Local, un reconocimiento pensado para reflejar las distintas realidades de los mercados iberoamericanos.

El premio distingue tanto el desempeño de empresas como las mejores ideas desarrolladas dentro de cada país o región participante.

En esta edición podrán competir trabajos provenientes de Argentina, Bolivia, Brasil, Centroamérica y Caribe, Chile, Colombia, Ecuador, España, Estados Unidos, México, Paraguay, Perú, Portugal, Puerto Rico y Uruguay.

Para participar en esta instancia es necesario realizar una inscripción específica dentro del sistema del festival, además de competir en alguna de las categorías generales.

Este esquema permite que campañas desarrolladas para mercados locales puedan obtener visibilidad regional sin quedar opacadas por proyectos provenientes de industrias con mayores niveles de inversión.

El Ojo +Mujeres continúa impulsando el liderazgo femenino

Otro de los programas que mantiene continuidad es El Ojo +Mujeres, iniciativa creada para incentivar una mayor participación femenina en puestos de liderazgo creativo y de realización audiovisual.

El reconocimiento distingue aquellos trabajos donde, como mínimo, una mujer haya ocupado un rol relevante dentro del proceso creativo o de dirección de producción.

Según la organización, el objetivo de este premio sigue siendo promover una representación más equilibrada dentro de los equipos creativos y ampliar la presencia de mujeres en posiciones de decisión dentro de la industria publicitaria.

La edición 2026 volverá a contar con el auspicio de Disney para este reconocimiento.

La inteligencia artificial también modifica las reglas del festival

Uno de los aspectos que continúa evolucionando dentro de El Ojo es el relacionado con el uso de inteligencia artificial.

Después de actualizar sus estándares de integridad durante la edición anterior, el festival mantiene para 2026 un conjunto de requisitos destinados a garantizar la transparencia de los trabajos participantes.

Las empresas deberán informar si utilizaron inteligencia artificial durante alguna etapa de creación, producción o desarrollo de las piezas presentadas.

Además, deberán presentar una declaración que certifique la autenticidad de la información suministrada, incluyendo resultados, contexto, métricas y cualquier utilización de herramientas de IA que haya intervenido en el proceso creativo.

La decisión refleja un cambio que también puede observarse en otros festivales internacionales.

A medida que la inteligencia artificial comienza a integrarse en los procesos de ideación, producción y optimización de campañas, los organizadores buscan establecer criterios comunes que permitan distinguir el aporte creativo humano del uso de herramientas tecnológicas y garantizar condiciones de competencia transparentes.

Un festival que evoluciona al ritmo de la industria

Cada edición de El Ojo incorpora ajustes en sus categorías para acompañar la evolución del mercado publicitario.

La aparición de nuevas disciplinas, el crecimiento de la economía de creadores, el desarrollo del comercio creativo, la consolidación del uso de datos y la expansión de la inteligencia artificial modificaron la manera en que las marcas construyen sus estrategias de comunicación.

En lugar de mantener una estructura estática, el festival revisa periódicamente sus categorías para adaptarlas a esas transformaciones y reconocer nuevos formatos de trabajo que hace apenas unos años no formaban parte del negocio.

Ese proceso también explica la incorporación de nuevas distinciones al desempeño y la actualización permanente de los criterios de evaluación.

Más que premiar campañas aisladas, El Ojo busca reflejar cómo evoluciona la creatividad aplicada a los negocios dentro de una industria que combina cada vez más estrategia, tecnología, datos, producción de contenidos y construcción de marca.

Con el calendario ya en marcha, El Ojo 2026 vuelve a instalarse como una de las principales citas de la industria publicitaria iberoamericana.

En los próximos meses se conocerán los presidentes de jurado, los integrantes de cada panel de evaluación y los conferencistas que formarán parte de la programación del festival, mientras agencias y anunciantes comienzan a preparar los trabajos que competirán por los Ojos de Iberoamérica.

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• Amazon enfrenta el desafío de hacer crecer James Bond sin perder el carácter exclusivo que distinguió a la franquicia durante décadas.
• La estrategia de Disney con Star Wars demuestra cómo una expansión acelerada puede modificar la percepción de una marca, incluso cuando sigue siendo rentable.
• El caso ofrece aprendizajes para empresas que administran propiedades intelectuales y buscan equilibrar crecimiento con posicionamiento.

Cuando Amazon tomó el control creativo de James Bond, una parte de los seguidores de la franquicia comenzó a preguntarse si 007 podría recorrer el mismo camino que Star Wars.

La preocupación volvió a tomar fuerza tras la publicación de un artículo de Creative Bloq, donde el periodista Daniel John pidió abiertamente a Amazon evitar que el espía británico termine convertido en una máquina de contenido para streaming.

La reflexión surgió a partir de un rumor que aseguraba que Disney planeaba eliminar de la continuidad oficial la trilogía secuela de Star Wars.

La información resultó falsa, pero la rapidez con la que miles de personas la creyeron dejó al descubierto un fenómeno más profundo: una parte del público considera que la franquicia perdió parte del valor que construyó durante décadas.

Para muchos analistas, el problema nunca fue únicamente la calidad de algunas películas o series. También influyó la estrategia con la que Disney decidió administrar una de las propiedades intelectuales más importantes del entretenimiento.

Ese antecedente explica por qué el futuro de James Bond comienza a observarse desde una perspectiva distinta.

Cuando una franquicia deja de sentirse como un evento

Durante más de 60 años, James Bond construyó una marca basada en la escasez. Cada película llegaba después de varios años de espera, acompañada por una enorme expectativa, una campaña internacional, un nuevo actor o una nueva etapa narrativa, además de alianzas con marcas como Aston Martin, Omega o Heineken.

Cada estreno funcionaba como un acontecimiento global. La espera alimentaba el deseo y reforzaba la percepción de exclusividad alrededor de la franquicia.

Star Wars siguió una lógica diferente después de que Disney compró Lucasfilm en 2012. La compañía aceleró el calendario de estrenos con una nueva trilogía cinematográfica, películas derivadas y, posteriormente, una larga lista de series para Disney+, entre ellas The Mandalorian, Obi-Wan Kenobi, Ahsoka, Andor, The Book of Boba Fett y Skeleton Crew.

La estrategia respondió a una necesidad empresarial evidente. Disney necesitaba fortalecer su plataforma de streaming con contenido capaz de mantener activos a sus suscriptores durante todo el año.

Desde el punto de vista del negocio, la decisión tenía sentido. Desde la óptica del branding, abrió un debate diferente.

Una marca deja de comportarse como un evento cuando cada lanzamiento pierde capacidad para generar expectativa. La abundancia mantiene viva la conversación, pero también puede reducir la sensación de que cada estreno representa un momento irrepetible.

En marketing, esta diferencia separa a las marcas que construyen valor mediante la escasez de aquellas que priorizan una presencia permanente en el mercado.

Amazon enfrenta una tentación similar con James Bond

Amazon heredó mucho más que una franquicia cinematográfica. También obtuvo una propiedad intelectual con potencial para desarrollar series, precuelas, historias paralelas, personajes derivados e incluso experiencias exclusivas para Prime Video.

La lógica empresarial apunta justamente hacia esa dirección. En la economía del streaming, una plataforma necesita ofrecer novedades constantes para mantener el interés de los usuarios y justificar la permanencia de las suscripciones.

Sin embargo, James Bond nunca se diseñó bajo esa dinámica.

Durante décadas, la fortaleza de 007 consistió precisamente en aparecer poco. La espera entre una película y otra aumentaba la expectativa y convertía cada lanzamiento en una experiencia especial para el público.

Disney enfrentó un desafío similar con Star Wars. Tras la compra de Lucasfilm, la empresa encontró una franquicia con un enorme potencial comercial y decidió convertirla en uno de los pilares de Disney+.

El problema no fue expandir el universo narrativo, sino hacerlo con una frecuencia que modificó la relación emocional entre la marca y buena parte de su audiencia.

En ese contexto, el artículo de Creative Bloq refleja un temor compartido por numerosos seguidores: que Amazon aplique el mismo modelo industrial a una franquicia cuyo principal diferencial siempre fue la exclusividad.

La comparación también revela una diferencia importante entre ambas compañías. Disney desarrolló un ecosistema donde Marvel, Pixar y Star Wars alimentan continuamente su plataforma de streaming.

Amazon, por su parte, necesita fortalecer Prime Video frente a competidores que también invierten miles de millones de dólares en contenido original. En ambos casos, la presión por generar nuevas producciones puede entrar en conflicto con la identidad histórica de una marca.

La estrategia de Disney ofrece una lección sobre el valor de las franquicias

El caso de Star Wars demuestra que expandir una propiedad intelectual no siempre significa fortalecer su posicionamiento.

La franquicia continúa siendo una de las más rentables del mundo y mantiene una enorme capacidad para vender mercancía, videojuegos, experiencias y licencias. Sin embargo, parte del debate actual gira alrededor de un activo menos visible: la percepción de exclusividad.

Hace dos décadas, cada estreno cinematográfico de Star Wars representaba un fenómeno cultural. Hoy comparte espacio con una programación mucho más frecuente, donde nuevas series y producciones llegan al catálogo con pocos meses de diferencia.

La discusión no consiste únicamente en si una serie resulta mejor que otra. El verdadero cambio aparece cuando la conversación deja de centrarse en un gran estreno para dispersarse entre múltiples lanzamientos que compiten entre sí por la atención del público.

Ese fenómeno recibe distintos nombres dentro del marketing. Algunos especialistas hablan de dilución de marca; otros prefieren referirse a fatiga de contenido.

Ambos conceptos apuntan hacia la misma idea: producir más no siempre incrementa el valor percibido de una marca.

Para las empresas latinoamericanas, el caso ofrece una enseñanza que trasciende la industria del entretenimiento. Muchas organizaciones asumen que crecer implica lanzar más productos, generar más contenido o mantenerse presentes todos los días en la conversación digital.

Sin embargo, algunas de las marcas más valiosas del mundo construyen justamente el efecto contrario.

Administran cuidadosamente su frecuencia de aparición para conservar la expectativa, reforzar su posicionamiento y mantener la sensación de exclusividad.

James Bond pertenece históricamente a ese grupo. La gran incógnita consiste en saber si Amazon preservará esa estrategia o adaptará la franquicia al ritmo permanente que caracteriza al negocio del streaming.

La respuesta podría definir no sólo el futuro de 007, sino también convertirse en un nuevo caso de estudio sobre cómo administrar una de las marcas más reconocidas del entretenimiento.

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• Pringles lanzó un pan para hot dog con sabor a tres de sus variedades más populares.
• La edición limitada forma parte de la campaña “Once You Pop” y busca generar conversación más allá del producto.
• La iniciativa refleja una tendencia en la que las marcas de consumo masivo llevan sus activos más reconocibles a categorías inesperadas.

Pringles encontró una nueva forma de llamar la atención de los consumidores. La marca presentó un pan para hot dog inspirado en tres de sus sabores más populares: Sour Cream & Onion, BBQ y Honey Mustard, una edición limitada que transforma un alimento cotidiano en una experiencia de marca.

Bautizados como Pringles Pop Dog Buns, los panes están elaborados a base de papa, miden 19 cm y se presentan dentro de las icónicas latas de Pringles.

La iniciativa forma parte de la campaña “Once You Pop”, desarrollada por Mars Snacking North America para celebrar el National Hot Dog Day en Estados Unidos.

Más que un lanzamiento gastronómico, la propuesta responde a una estrategia de marketing experiencial. En lugar de limitarse a posicionar las papas fritas como acompañamiento de una parrillada, Pringles decidió convertir el propio pan para hot dog en una extensión de su identidad de marca.

Mauricio Jenkins, Salty Snacks Brand & Content Lead de Mars Snacking North America, explicó que el objetivo consistió en tomar un alimento conocido por todos y convertirlo en una experiencia, trasladando el sabor característico de Pringles al centro del plato.

Los consumidores pudieron obtener los panes mediante una dinámica especial en el sitio OnceYouPopMarket al adquirir un paquete de tres latas de Pringles, mientras existieran unidades disponibles.

La estrategia ya no consiste sólo en vender un producto

El lanzamiento refleja un cambio que gana fuerza entre las marcas de consumo masivo. Cada vez es más común que la innovación no se concentre únicamente en desarrollar nuevos productos, sino en trasladar los activos más reconocibles de una marca hacia categorías donde nadie espera encontrarlos.

En este caso, el activo principal no es el pan para hot dog.

Lo que realmente vende Pringles es el reconocimiento inmediato de sabores como BBQ o Sour Cream & Onion, además de la familiaridad de su icónico envase cilíndrico.

Al integrar esos elementos en otro alimento, la marca genera sorpresa, conversación y contenido compartido en redes sociales.

El mensaje comunica creatividad, pero la acción diseña un comportamiento. La campaña invita a preparar un hot dog diferente, fotografiarlo, compartirlo y participar en una experiencia que trasciende la compra tradicional de una bolsa de botanas.

Ese tipo de iniciativas permite que una edición limitada consiga una cobertura mediática muy superior a la que obtendría un lanzamiento convencional.

Heinz y Oreo siguieron una lógica similar

Pringles no es la única marca que lleva sus activos más valiosos a territorios inesperados.

Uno de los ejemplos más conocidos corresponde a Heinz. Durante los últimos años, la compañía desarrolló diversas colaboraciones para extender la identidad de su ketchup más allá del supermercado.

Una de las más comentadas fue la alianza con Nails.INC, que dio origen a una colección de esmaltes inspirados en el característico tono rojo del ketchup. Posteriormente colaboró con Absolut para lanzar una salsa de tomate inspirada en la popular vodka pasta.

En ambos casos, Heinz no buscó abrir una nueva categoría de negocio permanente. La estrategia consistió en demostrar que el color, el sabor y la personalidad de la marca podían convertirse en plataformas de comunicación capaces de generar conversación y fortalecer el vínculo con los consumidores.

Otro caso relevante es Oreo. En 2024, la marca y Coca-Cola desarrollaron una colaboración global en la que ambas intercambiaron atributos de sus productos. Oreo lanzó una galleta inspirada en Coca-Cola, mientras la compañía de bebidas presentó un refresco con notas que evocaban el sabor de la famosa galleta.

La iniciativa funcionó porque aprovechó dos marcas ampliamente reconocidas para sorprender al consumidor con una combinación inesperada. Más que vender una edición especial, el objetivo consistió en convertir el lanzamiento en un fenómeno de conversación dentro y fuera de las redes sociales.

El marketing experiencial gana terreno entre las marcas de consumo masivo

El caso de Pringles confirma una tendencia que también empieza a observarse en otras industrias: las marcas buscan apropiarse de momentos de consumo completos y no únicamente de un producto específico.

Desde hace tiempo, las botanas ocupan el lugar del acompañamiento en reuniones, parrilladas o eventos deportivos. Ahora, algunas compañías intentan formar parte del plato principal mediante propuestas que transforman alimentos tradicionales en experiencias de marca.

Para las empresas latinoamericanas, el aprendizaje va más allá del presupuesto destinado a una campaña.

La oportunidad consiste en identificar cuáles son los activos más reconocibles de una marca (como un sabor, un color, un envase o un símbolo visual) y encontrar formas inesperadas de trasladarlos a otros productos o momentos de consumo.

En ese sentido, el pan para hot dog de Pringles representa mucho más que una edición limitada. La iniciativa demuestra cómo una marca puede utilizar elementos que los consumidores ya conocen para crear una experiencia capaz de generar cobertura mediática, conversación digital y recordación sin necesidad de lanzar una nueva línea permanente de productos.

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• El aumento en el precio del café impulsa un cambio hacia el consumo de café en grano.
• Lavazza identifica una preferencia por productos premium y por preparar café de especialidad en casa.
• Marcas como Starbucks y Nespresso adaptan su estrategia para responder a nuevos hábitos de consumo.

El precio internacional del café registra una fuerte volatilidad debido a problemas climáticos, menores cosechas y cambios en la oferta global.

El resultado llegó directamente al consumidor, que enfrenta un producto más caro tanto en supermercados como en cafeterías.

Sin embargo, el aumento en los precios no provocó sólo una reducción en las compras en algunos segmentos. También aceleró un cambio en los hábitos de consumo.

Ese escenario explica por qué el consumo de café en grano registra un crecimiento en distintos mercados.

En lugar de comprar más cantidad, una parte de los consumidores prefiere adquirir un café de mayor calidad y preparar bebidas similares a las de una cafetería desde casa.

La tendencia fue destacada por Lavazza, una empresa italiana fundada en 1895 y considerada una de las mayores tostadoras de café del mundo. La compañía, con presencia en más de 140 países, se especializa en café premium para hogares, oficinas, hoteles y restaurantes, además de competir en el segmento de cápsulas y máquinas de café.

Giuseppe Lavazza, presidente de la empresa familiar, explicó al Financial Times que cada vez más consumidores buscan café en grano para reproducir en casa la experiencia de una cafetería. Según el directivo, muchas personas prefieren consumir un poco menos, pero optar por un producto de mayor calidad.

Los datos respaldan esa percepción. En Reino Unido, las ventas de café en grano crecieron 20.3 por ciento en volumen durante el último año, mientras que las máquinas automáticas capaces de moler café al momento aumentaron 33.5 por ciento.

Nielsen también registró incrementos similares en Francia, Italia y Alemania, donde el café en grano ya supera al café molido tradicional en algunos segmentos.

El precio del café modifica la manera de consumir

El cambio responde a una lógica que también aparece en otras categorías de consumo.

Cuando los precios aumentan de forma sostenida, muchos compradores dejan de buscar únicamente el menor costo y evalúan con mayor atención el valor que reciben por cada compra.

En el caso del café, preparar una bebida premium en casa representa un gasto menor que visitar diariamente una cafetería especializada.

La inversión inicial en una máquina puede parecer elevada, pero muchos consumidores consideran que el ahorro posterior compensa el desembolso.

La pandemia aceleró este comportamiento. Millones de personas comenzaron a trabajar desde casa y destinaron parte del presupuesto que antes utilizaban en cafeterías para equipar sus cocinas con molinos, cafeteras automáticas y máquinas de espresso.

Aunque la actividad presencial regresó en buena parte del mundo, ese hábito permanece.

Al mismo tiempo, la volatilidad del mercado mantiene la presión sobre los fabricantes. Aunque los precios internacionales retrocedieron desde los máximos alcanzados en 2025, Lavazza considera que todavía existe incertidumbre suficiente para descartar nuevas alzas, ya que las cosechas continúan dependiendo de factores climáticos en países productores como Brasil y Vietnam.

Las marcas ajustan su estrategia conforme cambian los hábitos

Los cambios en el comportamiento del consumidor suelen traducirse en modificaciones dentro de la estrategia comercial de las marcas. El mercado del café ofrece varios ejemplos.

Uno de ellos es Starbucks. Aunque la cadena construyó su crecimiento alrededor de la experiencia en tienda, durante los últimos años fortaleció su presencia dentro del consumo en casa mediante la ampliación de su portafolio de café en grano, café molido y cápsulas.

La alianza global con Nestlé permitió llevar sus productos a supermercados y plataformas de comercio electrónico en decenas de países.

Con ello, Starbucks dejó de depender exclusivamente de las visitas a sus cafeterías y acompañó a consumidores que buscaban preparar bebidas de calidad desde sus hogares.

Otro caso corresponde a Nespresso. La marca impulsó durante años el formato de cápsulas, pero conforme evolucionaron las preferencias de los consumidores amplió su oferta hacia cafés de origen, ediciones limitadas y máquinas capaces de ofrecer una experiencia más cercana a la de un barista.

Paralelamente reforzó sus programas de reciclaje de cápsulas y desarrolló nuevos argumentos alrededor de la calidad, la trazabilidad del café y la sustentabilidad, aspectos que ganaron peso entre compradores más informados.

Ambos casos muestran que las empresas no responden únicamente a variaciones en el precio de las materias primas. También adaptan su propuesta de valor cuando detectan nuevas expectativas entre los consumidores.

Lavazza busca mantener su posición mientras evoluciona el mercado

La propia Lavazza también ajusta su estrategia frente a esta transformación. Aunque observa un crecimiento sostenido del café en grano, la empresa continúa participando en el mercado de porciones individuales.

Por esa razón prepara el lanzamiento en Reino Unido de Tablì, un sistema que sustituye las cápsulas tradicionales de plástico o aluminio por una tableta elaborada completamente con café comprimido.

El formato requiere una máquina específica, pero busca eliminar parte de los residuos asociados a las cápsulas convencionales.

La decisión refleja un mercado que evoluciona rápidamente. Mientras una parte de los consumidores invierte en máquinas automáticas para moler café en casa, otra continúa valorando la comodidad de los sistemas monodosis, siempre que ofrezcan una mejor experiencia y una propuesta más sostenible.

Para la industria, el desafío ya no consiste únicamente en enfrentar la volatilidad de los precios internacionales.

También implica comprender que el consumidor actual compara calidad, experiencia, conveniencia y sustentabilidad antes de decidir qué café comprar y cómo prepararlo.

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• Stanley 1913 lanzó una colección de edición limitada junto a Kacey Musgraves inspirada en la estética western.
• La colaboración incluye el primer tazón para mascotas desarrollado por la marca dentro de una alianza.
• El caso confirma cómo Stanley utiliza colaboraciones culturales para fortalecer su estrategia de marketing y ampliar su audiencia.

La colaboración de Stanley 1913 con Kacey Musgraves muestra cómo la marca continúa apostando por las alianzas culturales para mantenerse en la conversación más allá de la categoría de hidratación.

La cantante y compositora estadounidense participó en el diseño de una colección de edición limitada inspirada en la estética western y el universo visual de su más reciente etapa musical.

La cápsula incluye cuatro productos: el termo Quencher ProTour de 40 onzas, la botella Classic Legendary de un cuarto de galón, la taza Everyday Suburban Mug y un tazón para mascotas, el primero que Stanley incorpora dentro de una colaboración.

Todos presentan detalles inspirados en la cultura del rodeo, acabados con apariencia de cuero, transparencias, un logotipo exclusivo con las iniciales de la artista y un conjunto de accesorios decorativos.

La campaña también toma elementos visuales del imaginario de Musgraves. Las fotografías muestran escenarios sencillos con fondos colgantes y elementos de producción visibles para transmitir una imagen más cercana y auténtica, en línea con la identidad artística de la cantante originaria de Texas.

Cuando una colaboración vende un estilo de vida

Más que presentar nuevos productos, Stanley construye narrativas alrededor de comunidades y estilos de vida.

En este caso, la marca se acerca al universo del country contemporáneo y a una audiencia que valora la estética western, una tendencia que ganó presencia en la moda y el entretenimiento durante los últimos años.

La colección acompaña el momento creativo de Kacey Musgraves y convierte su identidad visual en una extensión de la marca.

El resultado trasciende el diseño de un termo: propone objetos que funcionan como piezas de expresión personal para consumidores que buscan afinidad con determinados códigos culturales.

Kate Ridley, Chief Brand Officer de Stanley 1913, señaló que la alianza refleja la intención de la empresa de seguir desafiando las expectativas de la categoría al combinar diseño, funcionalidad y creatividad.

La incorporación del primer recipiente para mascotas dentro de una colección colaborativa también amplía las ocasiones de uso y abre una nueva categoría para la marca.

Una estrategia de marketing respaldada por colaboraciones

La colaboración de Stanley 1913 con Kacey Musgraves forma parte de una estrategia de marketing que la empresa consolidó durante los últimos años mediante alianzas con figuras y propiedades intelectuales capaces de conectar con audiencias muy distintas.

Uno de los ejemplos más recientes fue la colección desarrollada junto con Lionel Messi con motivo de la Copa Mundial de la FIFA 2026.

La marca aprovechó el alcance global del futbolista para acercarse tanto a seguidores del deporte como a consumidores interesados en productos de edición limitada.

Otro caso fue la alianza con Arsenal FC. Stanley adaptó algunos de sus productos más populares con los colores y símbolos del club inglés, una colaboración que buscó capitalizar el sentido de pertenencia de millones de aficionados alrededor del mundo y convertir un accesorio cotidiano en un artículo de identidad.

La empresa también colaboró con Barbie durante el auge cultural que acompañó a la franquicia.

Esa edición limitada retomó la estética característica de la marca y confirmó que Stanley podía integrarse a fenómenos de cultura pop sin perder el posicionamiento que construyó como fabricante de productos para hidratación.

Estos ejemplos muestran un patrón consistente: la empresa no selecciona colaboradores únicamente por su nivel de popularidad. Cada alianza representa una comunidad específica con códigos visuales, valores y estilos de consumo propios, lo que permite ampliar el alcance de la marca sin modificar su propuesta central.

El branding cultural gana terreno frente al producto

La colaboración de Stanley 1913 con Kacey Musgraves también refleja un cambio dentro del marketing contemporáneo.

Las marcas ya no buscan únicamente que una celebridad promocione un producto; construyen colecciones completas alrededor de universos culturales que fortalecen la afinidad con determinados públicos.

En este caso, la campaña comunica una idea, pero también diseña un comportamiento. La colección invita a incorporar los productos en actividades cotidianas vinculadas con la identidad de la artista, desde el trabajo en el estudio hasta los viajes, la vida al aire libre e incluso el cuidado de las mascotas.

Para otras empresas, el aprendizaje es claro. Las colaboraciones generan mayor valor cuando desarrollan un lenguaje visual coherente, ofrecen elementos exclusivos y logran que el consumidor perciba la colección como una extensión auténtica del universo de la marca y de la personalidad con la que se asocia.

La colección Stanley 1913 x Kacey Musgraves estará disponible por tiempo limitado a través del sitio oficial de la marca, una estrategia que también impulsa el sentido de exclusividad y fomenta la compra inmediata entre coleccionistas y seguidores de la cantante.

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Después del fenómeno generado por KPop Demon Hunters, la película animada de Netflix que impulsó la venta de mercancía y colocó su banda sonora entre las más escuchadas en plataformas digitales, Casio apuesta por una de las licencias más fuertes del mundo: Pokémon.

La marca presentó una edición especial del reloj G-SHOCK GA-110 para celebrar el 30 aniversario de la franquicia, una estrategia que busca conectar con coleccionistas, fanáticos y consumidores que buscan productos exclusivos.

La edición está disponible en México por 6,599 pesos y, de acuerdo con Casio, el primer lote ya agotó su disponibilidad, por lo que el siguiente reabastecimiento está programado para principios de agosto.

Más que vender un reloj, la compañía busca capitalizar el valor emocional que Pokémon ha construido durante tres décadas.

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¿Por qué Pokémon sigue siendo una de las licencias más rentables del mundo?

Pokémon no solo domina el mercado de los videojuegos. De acuerdo con TitleMax, la franquicia supera los 95 mil millones de dólares en ingresos acumulados, convirtiéndose en la propiedad intelectual de entretenimiento más valiosa del mundo, por encima de Star Wars, Marvel y Mickey Mouse.

Por su parte, Licensing International estima que las ventas globales de productos con licencia superaron los 369 mil millones de dólares en 2024, impulsadas principalmente por alianzas entre marcas de consumo y franquicias de entretenimiento.

Casio aprovechó ese potencial con un reloj que integra referencias al universo Pokémon.

El modelo GA-110PKM-7A incorpora la combinación de colores del lanzamiento original de los videojuegos de 1996, una esfera inspirada en una Poké Ball, una manecilla con forma de Pikachu y una correa ilustrada con 30 Pokémon, uno por cada año de historia de la franquicia.

El empaque también fue diseñado como pieza de colección con ilustraciones exclusivas.

El marketing de las colaboraciones sigue impulsando las ventas

La estrategia de Casio responde a una tendencia que ha demostrado generar resultados comerciales. En los últimos años, marcas como LEGO, Crocs, Oreo, Samsung, Levi’s y McDonald’s han desarrollado colaboraciones con Pokémon para atraer nuevos consumidores y fortalecer el vínculo con comunidades de fans.

El éxito reciente de KPop Demon Hunters confirmó que el entretenimiento puede convertirse rápidamente en un motor de consumo. La película se posicionó entre los contenidos más vistos de Netflix y su banda sonora acumuló millones de reproducciones en Spotify durante sus primeras semanas, mientras que productos inspirados en la cinta comenzaron a agotarse en distintos mercados.

Casio apuesta por el valor del coleccionismo

La nueva edición especial también conserva las características técnicas que distinguen a G-SHOCK: resistencia a impactos, resistencia al agua de 200 metros, hora mundial para 48 ciudades, cronómetro de 1/1000 de segundo, temporizador, cinco alarmas diarias y luz LED automática.

Más allá de las especificaciones, Casio busca posicionar el reloj como un artículo de colección. El mercado respalda esa apuesta.

De acuerdo con Circana, los consumidores muestran una mayor disposición a pagar por productos exclusivos, ediciones limitadas y colaboraciones con franquicias reconocidas, especialmente entre las generaciones Millennial y Z.

Casio México no solo celebra los 30 años de Pokémon, ya que también se suma a una estrategia de marketing donde las colaboraciones con propiedades intelectuales se han convertido en una de las fórmulas más efectivas para generar conversación, aumentar la demanda y transformar un producto cotidiano en un objeto de deseo.

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• El partido entre Argentina e Inglaterra generó oportunidades que algunas marcas aprovecharon en cuestión de horas.
• Quilmes apeló al humor con una creatividad basada en la lista de penales de Jordan Pickford.
• Grupo Jaz Textil convirtió la bandera “Las Malvinas son argentinas” en una playera inspirada en el momento viral.

El triunfo de Argentina por 2-1 sobre Inglaterra en las semifinales del Mundial 2026 dejó imágenes que rápidamente trascendieron el resultado deportivo.

La bandera con la frase “Las Malvinas son argentinas”, desplegada durante los festejos del seleccionado, y la lista con información sobre los ejecutores de penales que llevaba el arquero inglés Jordan Pickford se transformaron en dos de los contenidos más compartidos de la jornada.

Mientras millones de usuarios comentaban esas escenas en redes sociales, algunas empresas identificaron la oportunidad para sumarse a la conversación.

En cuestión de horas aparecieron dos ejemplos de marketing en tiempo real que muestran cómo esta estrategia evolucionó más allá de las publicaciones virales y hoy también alcanza a la producción de productos físicos.

Aunque pertenecen a compañías con tamaños y objetivos muy distintos, Quilmes y Grupo Jaz Textil aprovecharon el mismo momento cultural desde perspectivas diferentes. Una apostó por el contenido; la otra convirtió una conversación digital en un producto comercial.

El marketing en tiempo real ya no consiste únicamente en reaccionar rápido

El marketing en tiempo real se relaciona con la capacidad de publicar antes que los demás. La práctica actual demuestra que la velocidad, por sí sola, no alcanza.

Las marcas también necesitan identificar qué conversaciones les pertenecen y cuáles resultan coherentes con su identidad.

Quilmes volvió a demostrar esa lógica pocas horas después del partido. La marca recreó la famosa lista que llevaba Pickford, pero la trasladó a la etiqueta de una botella de cerveza.

En lugar de instrucciones para detener penales, el diseño mostraba los goles con los que Argentina eliminó a Inglaterra.

La creatividad funcionó porque apeló a un código compartido. No necesitó explicar el contexto ni reconstruir la historia. Quien había visto el partido entendía inmediatamente la referencia.

Como explicó en LinkedIn Agustín Giménez, CEO de Out Of The Box, el verdadero marketing en tiempo real no consiste en reaccionar a cualquier tendencia, sino en contar con procesos internos que permitan actuar rápidamente cuando el momento realmente pertenece a la marca.

En el caso de Quilmes, décadas de asociación con la Selección Argentina y el fútbol le otorgan ese permiso cultural frente a los consumidores.

La pieza también demuestra que el valor no necesariamente está en una producción compleja.

Una fotografía, una etiqueta intervenida y una publicación en redes sociales bastaron para convertir la creatividad en uno de los contenidos más compartidos tras el encuentro.

De una bandera viral a una playera en pocas horas

Mientras Quilmes aprovechó el momento para reforzar su presencia digital, Grupo Jaz Textil encontró otra oportunidad.

La empresa tomó como referencia la bandera con la leyenda “Las Malvinas son argentinas”, que apareció durante los festejos de la Selección, y rápidamente comenzó a ofrecer una playera inspirada en ese diseño a través de Instagram.

El caso demuestra que el marketing en tiempo real tampoco es exclusivo de las grandes compañías.

Una empresa dedicada a la fabricación textil puede detectar una conversación, adaptar un diseño y ponerlo a disposición del público en muy poco tiempo gracias a tecnologías de impresión digital y procesos de producción flexibles.

Jugadores de la selección argentina celebraron con una bandera que decía:

“Las Malvinas son Argentinas” pic.twitter.com/FFlO3SR277

— Paso Zero (@paso_zero) July 15, 2026

En este ejemplo, el valor no estuvo en desarrollar una gran campaña publicitaria. La fortaleza apareció en la capacidad para leer el contexto, interpretar cuál era la imagen que concentraba la atención del público y responder antes de que la conversación perdiera intensidad.

La rapidez también permitió transformar un símbolo que nació de manera espontánea en un producto comercial, aprovechando el interés generado por uno de los momentos más comentados del Mundial.

Dos estrategias distintas para aprovechar el mismo momento

Ambos casos nacieron del mismo partido, pero responden a objetivos diferentes.

Quilmes utilizó el marketing en tiempo real para fortalecer el vínculo emocional con una comunidad que lleva años construyendo alrededor del fútbol argentino. Su creatividad buscó conversación, interacción y recordación de marca.

Grupo Jaz Textil, en cambio, convirtió esa conversación en una oportunidad comercial inmediata. En lugar de producir contenido para redes sociales, desarrolló un artículo inspirado en una imagen viral que despertó el interés de los consumidores.

La comparación demuestra que el marketing en tiempo real ya no depende únicamente del trabajo de los community managers.

También involucra procesos de fabricación, impresión bajo demanda, comercio electrónico y equipos capaces de tomar decisiones con rapidez.

En otras palabras, una marca consolidada puede utilizar esta estrategia para reforzar su posicionamiento, mientras que una pyme puede emplearla para generar ventas aprovechando el mismo fenómeno cultural.

El momento sigue siendo el activo más valioso

El partido entre Argentina e Inglaterra dejó una enseñanza que trasciende el deporte. Las conversaciones digitales duran cada vez menos y obligan a las marcas a responder con agilidad si quieren formar parte de ellas.

• Quilmes (AB Inbev) demostró el valor de construir durante años un territorio de comunicación que le permite participar de estos momentos con naturalidad.
• Grupo Jaz Textil, por su parte, confirmó que una empresa pequeña también puede competir cuando combina velocidad de ejecución, capacidad productiva y una lectura acertada del contexto.

En ambos casos, el éxito no dependió del tamaño de la organización. La diferencia estuvo en identificar el momento adecuado y convertirlo en una acción antes de que la conversación siguiera su curso.

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Tesco usó una vieja superstición como amuleto para ganar en el Mundial

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• Tesco intervino una tienda cercana al estadio de Wembley para invitar a los aficionados a “tocar madera” antes de los cuartos con Noruega y de la semifinal entre Inglaterra y Argentina.
• La campaña, desarrollada por BBH London, adapta el histórico slogan “Every Little Helps” al contexto del Mundial 2026.
• El caso muestra cómo las marcas encuentran valor al convertir comportamientos culturales en experiencias de participación.

La campaña publicitaria de Tesco encontró una forma de integrarse a la conversación alrededor de los partidos del Mundial 2026 sin recurrir a promociones ni descuentos.

En lugar de centrar la atención en sus productos, la cadena británica convirtió una de sus tiendas cercana al estadio de Wembley en un gran amuleto de buena suerte para los aficionados ingleses.

La iniciativa, desarrollada por BBH London bajo el concepto “Every Bit of Luck Helps”, parte de una superstición ampliamente conocida en el Reino Unido: tocar madera para atraer la buena fortuna.

A partir de esa costumbre cotidiana, la marca invitó a miles de personas a participar de un pequeño ritual antes del partido.

Como ejemplo de campañas publicitarias que aprovechan el contexto deportivo, Tesco no buscó explicar la superstición ni convencer al público de practicarla.

Simplemente transformó elementos de madera presentes en la tienda (puertas, estanterías, muebles y señalización) en puntos de contacto para que los aficionados pudieran cumplir con el ritual antes de dirigirse al estadio.

La acción también funciona como una evolución natural de “Every Little Helps”, una de las plataformas de comunicación más reconocidas de Tesco.

Para un partido de alta tensión emocional, la marca sustituyó el concepto tradicional por “Every Bit of Luck Helps”, manteniendo intacta su identidad mientras adaptaba el mensaje al momento que vivía el país.

Cuando una marca convierte una costumbre en una experiencia

Los grandes eventos deportivos concentran millones de espectadores y generan una competencia cada vez mayor entre las marcas por captar atención. En ese escenario, la visibilidad por sí sola deja de ser suficiente.

La campaña de Tesco demuestra que una alternativa consiste en identificar comportamientos que ya forman parte de la cultura de los aficionados y convertirlos en una experiencia de marca.

La superstición de tocar madera existía mucho antes de esta activación. Lo que hizo BBH London fue darle un espacio físico dentro del recorrido habitual de quienes asistían al partido.

La diferencia es relevante porque la campaña comunica una idea mediante una acción. En lugar de limitarse a hablar sobre la buena suerte, invita al público a participar en un comportamiento sencillo que puede realizar en pocos segundos y compartir con otros aficionados.

Para las marcas latinoamericanas, el aprendizaje puede ser que muchas veces el valor no está en inventar un nuevo ritual, sino en reconocer una conducta ampliamente aceptada por las personas y ofrecer una forma simple de vivirla dentro de la experiencia de marca.

Otros ejemplos muestran la misma tendencia

Tesco no es la única empresa que encontró oportunidades dentro de las supersticiones deportivas.

En Ecuador, Cris-Sal llevó su plataforma “The Unlucky Sponsor” al Mundial 2026 con “Cromos Salados”, una activación desarrollada por ParadaisDDB TBWA.

La marca creó stickers transparentes que los aficionados podían colocar sobre las figuritas de los jugadores rivales en el álbum oficial como parte del tradicional ritual de “salar” al contrario.

El caso resulta interesante porque la marca no abandonó el territorio creativo que venía construyendo desde hacía años.

Aprovechó un producto cultural de enorme popularidad como el álbum del Mundial para extender una plataforma ya consolidada y convertir una superstición en una acción que los aficionados podían repetir y compartir.

Un enfoque similar apareció en “The Superstitious Call”, de Heineken, durante la final de la UEFA Champions League 2024.

La activación invitó a los seguidores a mantener una llamada grupal como parte de sus rituales de buena suerte mientras seguían el partido.

Al igual que Tesco, la marca dejó de comunicar una idea de forma tradicional para proponer un comportamiento concreto.

Los tres casos comparten una lógica estratégica. Ninguno intenta modificar las creencias del público. Aprovechan costumbres que ya existen y las transforman en experiencias sencillas capaces de integrarse de manera natural al momento deportivo.

La flexibilidad de una plataforma de marca

Otro aspecto que explica el valor de la campaña publicitaria Tesco es la capacidad de adaptar una plataforma histórica sin perder reconocimiento.

“Every Little Helps” lleva décadas formando parte de la identidad de la cadena. En esta ocasión, BBH London modificó apenas una parte del slogan para responder a un momento específico, manteniendo intacta la asociación con la marca.

Ese tipo de flexibilidad permite que una plataforma evolucione sin necesidad de comenzar desde cero en cada campaña. La identidad permanece, mientras el contexto aporta un nuevo significado.

Como ejemplo de campañas publicitarias construidas sobre activos de marca consolidados, “Every Bit of Luck Helps” demuestra que una pequeña adaptación puede resultar más efectiva que desarrollar un concepto completamente nuevo.

La creatividad no surge únicamente del mensaje, sino de la capacidad para conectar un elemento cultural ampliamente reconocido con una experiencia que las personas desean vivir y compartir.

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Disney sorprende con una alianza inédita para los fans de la NFL

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• Disney, la NFL y Champion lanzaron una colección que vincula los 32 equipos con personajes de Disney, Marvel, Star Wars y Pixar.
• La iniciativa debutó durante Fanatics Fest NYC mediante un evento en vivo inspirado en el Draft de la NFL.
• La colaboración muestra cómo el licensing y el entretenimiento impulsan nuevas estrategias de marketing para conectar con los aficionados.

Mientras Disney y ESPN preparan la primera temporada del Super Bowl bajo su nueva alianza de transmisión, la empresa extendió esa conversación más allá de las pantallas.

La compañía presentó la colección Disney NFL, una colaboración con Champion que vincula a los 32 equipos de la liga con personajes de Disney, Marvel, Star Wars y Pixar en una línea de playeras, sudaderas y crewnecks.

El lanzamiento ocurrió durante Fanatics Fest NYC, donde Disney convirtió la presentación de los productos en un espectáculo inspirado en el Draft de la NFL.

La marca organizó el llamado Disney Fan Draft, un evento encabezado por el comisionado Roger Goodell y la periodista Taylor Rooks, acompañado por exjugadores, celebridades y personajes de sus franquicias.

La iniciativa forma parte del denominado “Year of the Super Bowl”, una estrategia con la que Disney busca ampliar la presencia de sus propiedades intelectuales alrededor del mayor evento deportivo de Estados Unidos y generar nuevas oportunidades comerciales para licenciatarios, retailers y socios estratégicos.

La colaboración de marcas convierte una colección en una experiencia

Más que una línea de ropa, la colección Disney NFL representa un ejemplo de cómo las colaboraciones de marcas evolucionan hacia experiencias capaces de generar conversación antes incluso de llegar al punto de venta.

En esta primera etapa se presentaron ocho combinaciones entre equipos y personajes elegidos por afinidad con la identidad de cada franquicia.

• Los Buffalo Bills quedaron asociados con Beast;
• los Dallas Cowboys con Woody;
• Las Vegas Raiders con Darth Vader;
• New England Patriots con Captain America;
• New York Giants con Ralph el Demoledor;
• New York Jets con Buzz Lightyear;
• Tampa Bay Buccaneers con Captain Hook
• y Washington Commanders con Hamm.

La colección llegará progresivamente a los 32 equipos de la NFL y estará disponible a través de Fanatics, NFL Shop, Disney Store y tiendas seleccionadas de Lids.

El resto de las combinaciones se revelará durante agosto.

Para Casey Collins, vicepresidente senior de Consumer Products & Licensing de la NFL, la iniciativa refleja el punto de encuentro entre deporte, moda y cultura, donde la identidad de los aficionados también se expresa mediante la ropa y los productos oficiales.

Your favorite characters. Your favorite NFL teams. Gear up for game day, the Disney way. 🏈 This August, a new Disney | Champion NFL collection will be available—including all 32 teams—so you can rep your Disney and NFL fandom all in one fit. pic.twitter.com/szUFkYPysW

— Disney Parks (@DisneyParks) July 16, 2026

El verdadero valor está en el comportamiento que diseña la campaña

La propuesta va más allá de comunicar una idea. En este caso, la campaña diseña un comportamiento.

Disney no presentó simplemente una colección de prendas.

Construyó una dinámica en la que los aficionados esperan descubrir qué personaje representa mejor a su equipo, comparten las combinaciones en redes sociales, comparan elecciones y permanecen atentos a los anuncios restantes. La conversación forma parte del producto.

Ese elemento convierte al lanzamiento en un caso interesante para las campañas de marketing.

La mercancía funciona como consecuencia de una historia que se desarrolla por etapas y que incorpora entretenimiento, eventos presenciales, redes sociales, talento deportivo y licencias de alto reconocimiento mundial.

Para las marcas en América Latina, el aprendizaje resulta aplicable incluso sin contar con propiedades intelectuales del tamaño de Disney.

El valor consiste en construir sistemas de participación donde el consumidor espere el siguiente anuncio, quiera opinar sobre él y termine amplificando el alcance de manera orgánica.

La colaboración de marcas deja de ser únicamente una suma de logotipos para convertirse en una narrativa compartida.

El licensing deportivo amplía el negocio del entretenimiento

La estrategia también refleja la transformación del licensing deportivo. Durante años, las licencias se enfocaron principalmente en colocar logotipos sobre productos oficiales.

Hoy buscan generar universos donde distintas comunidades de aficionados encuentren puntos de conexión.

Disney aprovecha algunas de las franquicias más reconocidas del entretenimiento mundial para acercarse a millones de seguidores de la NFL, mientras la liga incorpora personajes con fuerte arraigo cultural que pueden atraer nuevos consumidores hacia sus equipos.

El contexto resulta especialmente relevante porque ESPN transmitirá por primera vez un Super Bowl, lo que convierte a esta colección en una herramienta adicional para mantener activa la conversación durante los meses previos al encuentro.

Paul Gitter, vicepresidente ejecutivo de Global Commercialization de Disney Consumer Products, explicó que la colección representa un nuevo paso dentro de una estrategia más amplia para fortalecer la relación con los aficionados mediante productos, experiencias y nuevos puntos de contacto.

El lanzamiento en Fanatics Fest también refuerza el papel que adquieren este tipo de eventos dentro de la industria del marketing.

Ya no funcionan únicamente como espacios comerciales, sino como escenarios donde las marcas presentan colaboraciones, generan contenido para redes sociales y transforman un anuncio corporativo en un momento de entretenimiento.

Con ello, Disney, la NFL, Champion y Fanatics muestran cómo el licensing evoluciona hacia modelos donde el producto comparte protagonismo con la experiencia. La colección deja de ser únicamente mercancía oficial para convertirse en una pieza más dentro de una estrategia de marketing que combina deporte, moda, entretenimiento y cultura pop.

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Nike y Chivas presentaron oficialmente los nuevos uniformes de local y visitante que utilizará el equipo durante la temporada 2026-2027.

Se trata de la primera colección desde que ambas instituciones anunciaron su alianza multianual, una etapa que marca el inicio del llamado “Futuro Sagrado” del conjunto rojiblanco.

La nueva indumentaria mantiene la esencia histórica de Chivas, pero incorpora elementos modernos tanto en diseño como en tecnología. Además, el club confirmó que estrenará el uniforme el domingo 18 de julio, cuando dispute su primer partido de la temporada.

Los nuevos jerseys también ya tienen precio y estarán disponibles en México a partir del 16 de julio mediante acceso anticipado en canales oficiales de Nike y Chivas.

¿Cómo es el nuevo uniforme de Chivas x Nike?

El uniforme de local recupera una de las características más recordadas por la afición: el cuello tipo polo, un elemento que estuvo presente en algunos de los momentos más importantes de la historia del club.

La playera conserva las tradicionales cinco franjas rojas sobre fondo blanco, un diseño que busca regresar a la esencia rojiblanca sin perder una imagen renovada.

Por su parte, el uniforme de visitante apuesta por un estilo completamente distinto. Su base blanca incorpora un degradado que mezcla los colores rojo y azul en el escudo, el logotipo de Nike, los patrocinadores y la tipografía de los nombres y números.

Como parte de esta alianza, Nike también desarrolló una identidad visual exclusiva para Chivas. La colección incluye un nuevo logotipo tipográfico inspirado en la figura del chivo, además de una fuente personalizada para nombres y dorsales basada en el diseño gráfico mexicano.

En ambos uniformes aparecen los patrocinadores oficiales del club, integrados al diseño junto con el tradicional Swoosh de Nike y el escudo de Chivas.

Entre los marcas se encuentran Amazon Prime, Caliente caliente.mx, GNP Seguros, MG, Omnilife, Nutri y Akron

¿Qué tecnología tiene el nuevo jersey de Nike?

Más allá del diseño, Nike incorporó la tecnología Aero-FIT, desarrollada para mejorar la ventilación y el rendimiento de los futbolistas durante los partidos.

La tela fue diseñada con zonas estratégicas de tejido abierto y cerrado que favorecen la circulación del aire y ayudan a mantener fresco al jugador incluso en condiciones de alta exigencia física.

La marca también explicó que los gráficos del uniforme están integrados directamente en el tejido y no impresos sobre la superficie, lo que permite conservar la transpirabilidad sin afectar el desempeño de la prenda.

Armando “La Hormiga” González destacó que vestir este uniforme representa una responsabilidad especial para quienes defienden los colores rojiblancos.

“Este jersey honra la historia que nos trajo hasta aquí y el futuro que estamos decididos a construir. Cada vez que salimos a la cancha representamos a millones de aficionados de Chivas en todo el mundo”, señaló el delantero.

La futbolista Alicia Cervantes también aseguró que portar este uniforme significa orgullo y compromiso con la afición.

¿Cuánto cuesta el nuevo jersey de Chivas?

Nike confirmó que el uniforme estará disponible en dos versiones.

La versión Authentic Nike Aero-FIT Match, utilizada por los jugadores en la cancha, tiene un precio de 2 mil 999 pesos.

Por su parte, la versión Stadium Nike Dri-FIT Replica, dirigida a los aficionados, estará disponible desde mil 999 pesos.

La colección podrá adquirirse en México desde el 16 de julio mediante acceso anticipado en Nike.com, la Nike App, la tienda en línea de Chivas, así como en las sucursales Nike Madero, Nike Andares y tiendas oficiales del club.

El lanzamiento internacional está programado para el 22 de julio, cuando los nuevos uniformes lleguen al resto de los mercados a través de Nike y sus distribuidores autorizados.

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• Jägermeister colaboró con el estudio español Ofensa para crear unos grillz inspirados en su identidad visual.
• La pieza no estará a la venta; se entregará mediante un sorteo en Instagram como parte de una estrategia de exclusividad.
• La acción muestra cómo las marcas trasladan su branding al cuerpo para conectar con nuevas comunidades.

Jägermeister encontró una nueva forma de acercarse a la Generación Z. La marca alemana de licor presentó una colaboración con el estudio español de joyería dental Ofensa para desarrollar unos grillz exclusivos inspirados en sus principales códigos visuales.

La pieza incorpora la característica “J” gótica de la marca y detalles en verde y naranja, colores que identifican a Jägermeister desde hace décadas.

La iniciativa, desarrollada en España, contó con la idea creativa, producción y generación de contenidos de la agencia Está Pasando.

En lugar de comercializar la pieza, la marca decidió convertirla en un objeto de colección que podrá obtenerse únicamente mediante un sorteo en el perfil de Instagram de Jägermeister España.

La decisión responde a una estrategia que gana terreno entre las marcas dirigidas a consumidores jóvenes. Más que desarrollar merchandising convencional, las compañías buscan crear objetos capaces de expresar identidad, pertenencia y estilo personal.

Los grillz, asociados durante años con la cultura hip-hop y el streetwear, ofrecen ese lenguaje.

La campaña de Jägermeister convierte la identidad de marca en un objeto de autoexpresión

Los grillz creados por Ofensa fueron elaborados artesanalmente e integran referencias directas al universo visual de Jägermeister.

La emblemática letra gótica aparece como elemento central del diseño, acompañada por pequeñas piezas que evocan los colores institucionales de la marca.

La colaboración forma parte de una estrategia de marketing que traslada el branding a un soporte corporal.

En lugar de aparecer en una camiseta, una gorra o una edición especial de la botella, la identidad visual se incorpora a un accesorio que forma parte de la imagen personal de quien lo utiliza.

Ese cambio modifica la relación entre la marca y el consumidor. La campaña comunica una idea (la conexión de Jägermeister con la noche, la música y la creatividad), pero también diseña un comportamiento: utilizar un objeto que funciona como una declaración estética dentro de determinadas comunidades.

La decisión también refleja el crecimiento de la joyería dental como categoría vinculada con la moda contemporánea. Lo que durante décadas permaneció asociado al hip-hop hoy aparece en editoriales de moda, pasarelas y colaboraciones entre marcas de distintos sectores.

 

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Del producto al cuerpo: una tendencia que también adoptó el lujo

La estrategia de Jägermeister encuentra paralelos en el sector del lujo, donde distintas compañías trasladaron sus códigos de marca a objetos que los consumidores incorporan a su propia identidad.

Uno de los ejemplos más representativos fue la colaboración entre Tiffany & Co. y Supreme.

En 2021 ambas marcas lanzaron una colección de joyería y accesorios que combinó la tradición de la casa neoyorquina con el lenguaje del streetwear.

Más que vender collares o pulseras, la alianza permitió que Tiffany dialogara con nuevas generaciones sin renunciar a su legado, mientras Supreme reforzó su prestigio mediante una colaboración con una firma histórica.

Otro caso llegó de la mano de Louis Vuitton bajo la dirección creativa de Pharrell Williams. La firma francesa amplió su presencia en accesorios corporales inspirados en la cultura hip-hop, incluidos grills exhibidos durante sus colecciones masculinas.

La propuesta no consistió únicamente en lanzar nuevos productos; reinterpretó códigos nacidos en la música y la cultura urbana para integrarlos en el universo del lujo contemporáneo.

Ambos ejemplos muestran una tendencia que también aprovecha Jägermeister. Las marcas descubrieron que los consumidores más jóvenes valoran objetos capaces de representar pertenencia y personalidad.

En ese contexto, el accesorio adquiere un significado que trasciende su función estética y se convierte en una extensión del branding.

 

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La escasez también forma parte de la estrategia

La decisión de no vender los grillz refuerza otro elemento central de la campaña: la exclusividad. En lugar de producir una colección comercial, Jägermeister optó por una única pieza que podrá conseguirse mediante un sorteo en Instagram.

La mecánica acerca la colaboración al universo del drop, donde la escasez genera expectativa y conversación.

En este tipo de lanzamientos, el valor no depende únicamente del objeto, sino también de la dificultad para conseguirlo y de la comunidad que participa alrededor de la iniciativa.

La elección de Instagram también resulta coherente con el formato. Los grillz son accesorios profundamente visuales y encuentran en las redes sociales el espacio ideal para amplificar su alcance mediante fotografías y videos.

Para Ofensa, la colaboración representa una oportunidad para mostrar su enfoque sobre la joyería dental como herramienta de identidad. El estudio español trabaja piezas artesanales elaboradas con materiales de alta joyería y busca alejarse de la idea del accesorio puramente ornamental.

La colaboración deja una enseñanza para las marcas latinoamericanas. El valor de la acción no radica únicamente en fabricar unos grillz personalizados.

La estrategia demuestra que el branding puede trasladarse a formatos inesperados cuando existe coherencia entre la identidad de la marca, la comunidad a la que busca acercarse y los códigos culturales que esa audiencia reconoce como propios.

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• Funko anunció una nueva colección inspirada en Off Campus y el personaje Nikki de Obsession.
• La empresa amplía su estrategia de licencias hacia fenómenos nacidos en BookTok y las redes sociales.
• El lanzamiento se suma a otras colecciones con las que la marca diversifica su catálogo.

Cuando se habla de figuras coleccionables, Funko suele asociarse con franquicias como Marvel, Star Wars, Disney o grandes videojuegos. Sin embargo, la compañía comenzó a ampliar el alcance de su catálogo con propiedades intelectuales que nacieron en comunidades digitales y luego dieron el salto al entretenimiento masivo.

El ejemplo más reciente llega con el lanzamiento de la colección Funko Pop Off Campus y una nueva figura basada en Nikki, personaje de Obsession. 

Ambas líneas ya están disponibles en preventa a través del sitio oficial de la compañía y forman parte de una estrategia que busca conectar con nuevas generaciones de consumidores.

En el caso de Off Campus, la colección incluye a Allie Hayes, Dean Di Laurentis, Garrett Graham y Hannah Wells, protagonistas de la exitosa saga romántica escrita por Elle Kennedy.

Las figuras toman como referencia la adaptación para Prime Video, un paso que amplió la audiencia de una franquicia que primero conquistó a millones de lectores.

Por su parte, Obsession incorpora una figura de Nikki, uno de los personajes que más conversación generó entre los seguidores de la producción y que rápidamente se convirtió en un fenómeno viral dentro de las comunidades de fans.

Del BookTok al coleccionismo: el nuevo mapa del licensing

Más allá del anuncio, el lanzamiento refleja un cambio en la estrategia comercial de Funko. Durante años, el negocio de los coleccionables estuvo impulsado principalmente por superhéroes, películas taquilleras, anime y videojuegos.

Ahora la empresa también identifica oportunidades en fenómenos editoriales que nacen en plataformas como BookTok y posteriormente evolucionan hacia series de televisión, películas y productos licenciados.

Off Campus representa con claridad ese recorrido. La saga literaria construyó primero una comunidad de lectores muy activa en redes sociales antes de convertirse en una adaptación audiovisual.

Para Funko, ese proceso reduce el riesgo de lanzar una nueva licencia porque la propiedad intelectual ya cuenta con una base sólida de seguidores dispuestos a consumir productos oficiales.

En este caso, la estrategia no consiste únicamente en comunicar una idea. Diseña un comportamiento de compra alrededor de comunidades que mantienen una relación constante con sus personajes favoritos mediante libros, series, contenido en redes sociales y ahora figuras coleccionables.

Para las marcas latinoamericanas, el aprendizaje va más allá del entretenimiento. Cada vez resulta más rentable detectar comunidades con altos niveles de engagement antes de que sus propiedades intelectuales alcancen el punto máximo de explotación comercial.

Funko acelera la diversificación de su catálogo

La colección inspirada en Off Campus y Obsession forma parte de un calendario particularmente activo para Funko.

En las últimas semanas la compañía también presentó nuevas figuras relacionadas con franquicias como Breaking Bad, Astro Bot, One Piece, Monster Hunter, Venom War y Spice Girls, entre otras. La combinación de propiedades clásicas con fenómenos recientes permite mantener un flujo constante de novedades para distintos perfiles de coleccionistas.

Esta diversificación también responde a la evolución del negocio del entretenimiento. Hoy una franquicia ya no depende exclusivamente del cine o la televisión para construir valor comercial.

Las comunidades digitales pueden convertir una novela romántica o un personaje viral en una licencia atractiva para fabricantes de juguetes, empresas de ropa, editoriales y marcas de consumo.

En consecuencia, Funko busca ocupar una posición temprana dentro de ese ecosistema antes de que la competencia amplíe la oferta de productos oficiales.

Las comunidades digitales se convierten en activos comerciales

El crecimiento de BookTok modificó la forma en que editoriales y empresas de licensing identifican oportunidades de negocio.

Libros que originalmente tenían un alcance limitado ahora consiguen millones de visualizaciones, impulsan ventas internacionales y generan adaptaciones para plataformas de streaming.

Funko parece haber incorporado esa lógica a su estrategia. En lugar de esperar a que una propiedad intelectual acumule décadas de historia, la empresa apuesta por fenómenos culturales que mantienen conversaciones permanentes entre sus seguidores.

La colección de Funko Pop Off Campus refleja precisamente esa tendencia. La compañía aprovecha una comunidad consolidada alrededor de la obra de Elle Kennedy mientras incorpora a Obsession, otra propiedad que ganó notoriedad gracias a la conversación digital.

Con estos lanzamientos, Funko confirma que el mercado del coleccionismo continúa ampliándose hacia nuevas categorías de entretenimiento.

La evolución del licensing ya no depende exclusivamente de las grandes franquicias de Hollywood, sino también de aquellas comunidades capaces de transformar un libro o un personaje viral en una marca con potencial comercial.

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Banco de palabras: la herramienta que fortalece la identidad verbal de una marca

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• Lexus y el restaurante español Disfrutar presentaron su alianza con una nota de prensa comestible creada junto a la agencia Burns.
• La acción convierte un comunicado tradicional en una experiencia gastronómica para reforzar el posicionamiento de ambas marcas.
• El caso muestra cómo el marketing sensorial y el diseño de experiencias fortalecen la comunicación de las marcas premium.

Una nota de prensa suele cumplir una función muy concreta: informar. Lexus España decidió cambiar esa lógica y presentó el inicio de su alianza con el restaurante Disfrutar mediante un platillo comestible que reemplazó el documento tradicional.

La acción, desarrollada junto con la agencia Burns, transformó un formato habitual de las relaciones públicas en una experiencia gastronómica capaz de transmitir el posicionamiento de la marca desde el primer contacto.

La pieza incluyó una nota de prensa servida en un plato, acompañada por una multiesferificación de pesto, polvo de tomate y burbujas de albahaca.

Más que un recurso llamativo, la propuesta buscó explicar la afinidad entre Lexus y Disfrutar a través de una experiencia que apeló a los sentidos y reflejó la filosofía compartida por ambas marcas: investigación, precisión técnica, artesanía y atención al detalle.

La iniciativa marca el comienzo de una colaboración de varios años entre la firma automotriz y el restaurante barcelonés, reconocido con tres estrellas Michelin y elegido como el Mejor Restaurante del Mundo en 2024.

Cuando la comunicación también puede degustarse

La acción parte de una idea sencilla: si Disfrutar construye experiencias desde la gastronomía, el anuncio de la alianza también debía expresarse con ese mismo lenguaje.

En lugar de entregar un comunicado convencional, Lexus convirtió el mensaje en un elemento del menú.

Cada componente del platillo cumplió una función narrativa. La experiencia invitó a descubrir el contenido mediante el gusto, la textura y la presentación, trasladando la comunicación corporativa al territorio creativo del restaurante.

La propuesta también refleja la evolución del marketing sensorial dentro del segmento premium.

En lugar de concentrarse exclusivamente en el producto, muchas marcas buscan construir vínculos emocionales mediante experiencias memorables que involucran diferentes sentidos. En este caso, la noticia deja de ser únicamente información para convertirse en una vivencia.

La experiencia comunica más que el mensaje

El interés de esta campaña publicitaria de Lexus va más allá del formato elegido. El verdadero valor está en el comportamiento que diseña.

En vez de limitarse a comunicar una idea sobre la excelencia, la marca permite experimentarla desde el primer momento.

Este enfoque responde a una tendencia cada vez más presente en el marketing de lujo: demostrar los atributos de marca mediante acciones concretas y no únicamente a través del discurso. La excelencia deja de ser una promesa escrita para convertirse en una experiencia que el público puede vivir.

Ese aprendizaje también resulta útil para marcas latinoamericanas. No es necesario replicar una nota de prensa comestible para generar impacto.

El ejemplo muestra que cualquier punto de contacto, incluso un formato corporativo tradicional, puede convertirse en una oportunidad para expresar la identidad de una marca cuando existe coherencia entre el mensaje y la ejecución.

La acción también evidencia la importancia de las colaboraciones entre marcas que comparten valores. Lexus aporta su visión del lujo, el diseño y la hospitalidad inspirada en el concepto japonés de Omotenashi, mientras que Disfrutar incorpora una trayectoria basada en la investigación culinaria, la creatividad y la innovación gastronómica.

Una alianza que fortalece el posicionamiento de ambas marcas

Para Lexus, esta colaboración amplía una estrategia que durante los últimos años vinculó a la marca con la gastronomía, el diseño y el estilo de vida.

Entre sus iniciativas recientes destacan “Chef Delivery”, desarrollada junto con Just Eat y Burns; Kanpeki, un cóctel sin alcohol creado con Santos y Desamparados; y “Omotenashi on the Go”, un food truck concebido para trasladar la hospitalidad japonesa al espacio urbano.

Por su parte, Disfrutar encuentra en Lexus un aliado con una filosofía similar respecto al proceso creativo. El restaurante, fundado por Oriol Castro, Eduard Xatruch y Mateu Casañas, construyó su reconocimiento internacional mediante una cocina basada en la experimentación, la precisión técnica y la búsqueda constante de nuevas propuestas.

La nota de prensa comestible funciona así como la primera expresión de una colaboración que continuará durante los próximos años mediante distintas iniciativas relacionadas con gastronomía, innovación, diseño y artesanía.

Más allá del efecto sorpresa, la acción demuestra cómo una experiencia bien diseñada puede transmitir los valores de una marca con mayor eficacia que un comunicado convencional.

En un contexto donde captar la atención resulta cada vez más complejo, convertir un formato cotidiano en una vivencia memorable puede ser tan importante como el mensaje que se desea comunicar.

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Banco de palabras: la herramienta que fortalece la identidad verbal de una marca

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• El banco de palabras permite que una marca comunique siempre con una identidad verbal coherente.
• Su construcción requiere definir un vocabulario alineado con la personalidad, el público y la promesa de marca.
• También facilita la creación de contenido para redes sociales, campañas y asistentes de inteligencia artificial.

La identidad de una marca suele asociarse con su logotipo, su paleta de colores o su identidad visual. Sin embargo, existe otro elemento igual de importante que muchas organizaciones dejan en segundo plano: el banco de palabras.

Se trata de una herramienta que organiza el lenguaje que una empresa utilizará en cada interacción con sus audiencias para transmitir una personalidad consistente.

Así como un banco de imágenes reúne fotografías seleccionadas para construir un universo visual reconocible, un banco de palabras recopila los términos que una organización decide emplear de forma deliberada.

La intención es que cada mensaje, desde una campaña publicitaria hasta una respuesta en redes sociales o un chatbot, proyecte la misma identidad verbal.

El concepto parte de una idea sencilla: las palabras nunca son neutras. Aunque varios términos puedan compartir un significado similar, cada uno despierta asociaciones distintas en la mente del público. Por ello, elegir una palabra en lugar de otra también constituye una decisión estratégica.

Las palabras también construyen marcas

Cada palabra activa imágenes, emociones y expectativas diferentes. No transmite lo mismo describir a una persona como “tenaz” que llamarla “terca”, aun cuando ambas expresiones puedan referirse a una conducta persistente. Del mismo modo, una marca puede anunciar una “oferta”, un “descuento” o invitar a “celebrar” una fecha especial. Las tres alternativas persiguen un objetivo comercial, pero generan percepciones distintas.

Ese principio convierte al banco de palabras en una pieza central de la identidad verbal. Su función consiste en asegurar que el vocabulario elegido refleje la personalidad de la marca, el perfil del público al que se dirige, el arquetipo definido dentro de la estrategia de branding y la promesa que busca cumplir.

Cuando esta selección se realiza de manera consistente, el lenguaje comienza a diferenciar a la empresa incluso antes de que el consumidor vea un logotipo o identifique un producto.

Disney constituye uno de los ejemplos más conocidos. La compañía utiliza de forma recurrente expresiones como “magia”, “momentos mágicos”, “familia”, “diversión” o “personajes de ensueño”.

Más que palabras aisladas, forman parte de un sistema que sostiene la experiencia que la empresa busca ofrecer.

Otro caso es Globant. Aunque su actividad exige utilizar términos técnicos vinculados al desarrollo de software, la empresa complementa ese vocabulario con un lenguaje que aporta cercanía, humanidad y personalidad a su comunicación corporativa.

Cómo construir un banco de palabras paso a paso

El desarrollo de un banco de palabras requiere un proceso metódico. No consiste en elaborar una lista de términos atractivos, sino en definir cuáles representan mejor la identidad de la organización.

El primer paso es revisar la personalidad de la marca. Si una empresa pretende mostrarse innovadora, cercana o sofisticada, cada uno de esos atributos debe traducirse en palabras concretas.

Después conviene analizar al público objetivo. El lenguaje que funciona con una audiencia joven probablemente no será el más adecuado para profesionales especializados o clientes corporativos.

El siguiente nivel consiste en revisar el arquetipo de marca y la promesa que sostiene la estrategia. Ambos elementos sirven como filtro para decidir qué palabras permanecen y cuáles deben descartarse.

En esta etapa resulta útil trabajar con diccionarios y bancos de sinónimos para identificar matices. Muchas expresiones parecen equivalentes, pero generan interpretaciones completamente diferentes. Ese trabajo de precisión evita contradicciones entre campañas, publicaciones y materiales institucionales.

Una práctica recomendable consiste en clasificar el vocabulario por categorías. Por ejemplo:

• Palabras que siempre deben utilizarse.
• Expresiones recomendadas para determinados temas.
• Términos que conviene evitar porque contradicen la personalidad de la marca.
• Sinónimos aceptados para mantener variedad sin perder consistencia.

Con esa estructura, cualquier integrante del equipo puede producir contenido respetando la misma identidad verbal.

Del branding a la inteligencia artificial

El banco de palabras adquiere todavía más relevancia en un entorno donde las marcas producen contenido todos los días para múltiples canales.

Las redes sociales exigen respuestas inmediatas, mientras que las campañas de marketing, los correos electrónicos, los sitios web y las plataformas de atención al cliente requieren mantener un tono uniforme.

Contar con un vocabulario previamente definido reduce tiempos de producción y evita que cada mensaje parezca escrito por una empresa distinta.

La herramienta también cobra importancia en el desarrollo de asistentes conversacionales y sistemas de inteligencia artificial. Un chatbot entrenado únicamente con información técnica puede responder correctamente, pero no necesariamente hablar como la marca.

En cambio, cuando incorpora un banco de palabras bien diseñado, sus respuestas mantienen la personalidad de la organización incluso en conversaciones automatizadas.

Esa coherencia fortalece la experiencia del usuario y contribuye a consolidar la identidad de marca en todos los puntos de contacto.

Para las empresas latinoamericanas, el aprendizaje es claro. Muchas organizaciones invierten grandes presupuestos en identidad visual y campañas publicitarias, pero pocas documentan de manera sistemática el lenguaje que desean utilizar.

Construir un banco de palabras permite unificar criterios entre marketing, comunicación, ventas, atención al cliente e inteligencia artificial.

El resultado es una marca más reconocible, coherente y fácil de identificar, independientemente del canal desde el que interactúe con sus audiencias.

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Grupo Palacio de Hierro anunció al público inversionista una serie de modificaciones en su estructura directiva como parte de una estrategia para fortalecer distintas áreas clave del negocio y dar continuidad a su proceso de transición organizacional.

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La empresa explicó que los cambios abarcan puestos estratégicos vinculados con ventas, cadena de suministro, tecnología y recursos humanos, áreas esenciales para la operación de una de las tiendas departamentales con mayor presencia en México.

La información fue dada a conocer mediante un comunicado enviado a la Bolsa Mexicana de Valores, en cumplimiento de la Ley del Mercado de Valores y de las disposiciones aplicables a las empresas que cotizan en el mercado bursátil mexicano.

Uno de los movimientos más relevantes es la salida de Pedro Luna, quien iniciará un proceso de transición rumbo a su jubilación tras desempeñarse como Director de Ventas Tienda de El Palacio de Hierro. Su cargo será ocupado por Alexandra Jeanneau, quien asumirá la posición a partir del 31 de agosto de 2026.

La nueva directora cuenta con experiencia internacional en operaciones de retail y servicio al cliente, dos áreas que se han convertido en factores clave para las compañías que buscan mejorar la experiencia de compra en sus tiendas físicas.

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El Palacio de Hierro: Cambios en áreas estratégicas para el negocio

Otro de los ajustes informados corresponde a Oscar Palomares, Director de Tecnología, Cadena de Suministro, Seguridad y Sostenibilidad, quien dejará la empresa para iniciar una nueva etapa profesional.

Como parte de esta reorganización, las funciones relacionadas con tecnología y seguridad serán redistribuidas dentro de la estructura actual de la compañía. Al mismo tiempo, José Antonio del Ángel será el nuevo Director de Cadena de Suministro y Sostenibilidad a partir del 31 de agosto.

El directivo posee experiencia en logística, planeación, operaciones comerciales y administración de cadenas de suministro, un área que ha adquirido mayor relevancia para el sector retail debido a los retos asociados con inventarios, comercio electrónico y eficiencia operativa.

De acuerdo con la consultora Deloitte, más del 70% de los ejecutivos del sector minorista considera que optimizar la cadena de suministro será una de las principales prioridades estratégicas durante los próximos años, impulsada por la digitalización y la transformación de los hábitos de consumo.

Recursos humanos toma protagonismo en la estrategia empresarial

La empresa también informó la salida de Angélica García, quien ocupaba la Dirección de Recursos Humanos. En su lugar fue nombrado Salvador Reyes, quien asumirá la responsabilidad a partir del 15 de junio de 2026.

El relevo ocurre en un contexto en el que las compañías enfrentan desafíos relacionados con la atracción de talento, la capacitación y la retención de colaboradores. Datos de la firma global Mercer señalan que más de la mitad de las empresas en América Latina considera la gestión del talento como una prioridad estratégica para mantener su competitividad.

Los cambios dados a conocer por El Palacio de Hierro reflejan una práctica cada vez más común entre las grandes empresas: renovar sus liderazgos para responder a las nuevas condiciones del mercado, acelerar la transformación digital y atender las crecientes expectativas de los consumidores.

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• La cerveza Aguila permitió que los aficionados eligieran el tamaño de su logo en la camiseta oficial de la selección de Colombia.
• Cuanto mayor era la marca sobre el pecho, menor era el precio de la prenda, con descuentos de hasta 87%.
• La campaña agotó las camisetas en menos de dos horas y obtuvo un León de Oro en Cannes Lions 2026.

Los aficionados suelen aceptar los logos de patrocinadores como parte del diseño de las camisetas de futbol, aunque pocas veces los consideran una razón para comprar una.

La cerveza colombiana Aguila invirtió esa relación al convertir el espacio publicitario sobre la prenda en un beneficio económico para el consumidor.

En abril de 2026, la marca presentó “Resize the Price”, una campaña que permitía modificar el tamaño de su logo en la camiseta oficial de la selección de Colombia.

Cada aumento en las dimensiones de la marca activaba un descuento adicional sobre el precio de venta.

La propuesta partió de una tensión concreta. La camiseta auténtica de Colombia costaba alrededor de 150 dólares, una cifra cercana a una cuarta parte del salario mínimo mensual del país.

Con el logo de mayor tamaño, el descuento llegaba hasta 87% y el precio podía reducirse a cerca de 20 dólares.

La campaña, desarrollada por DAVID Bogotá y Madrid, funcionó mediante el sitio de Aguila y en zonas para aficionados instaladas en Colombia. Cada comprador seleccionaba el tamaño del logo y la marca lo estampaba sobre la prenda antes de la entrega.

El inventario se agotó en menos de dos horas. Más de 93% de los compradores eligió la versión con el logo más grande, un resultado que convirtió el rechazo habitual hacia el patrocinador en una decisión voluntaria de visibilidad.

La iniciativa ganó Oro en Entertainment Lions for Sport durante Cannes Lions 2026.

El patrocinio deportivo pasa de la exposición al intercambio

Durante años, buena parte del patrocinio deportivo ocupó el lugar de la exposición acumulada: logos en camisetas, anuncios en estadios, menciones en transmisiones y presencia en conferencias de prensa.

“Resize the Price” cambia esa lógica al hacer explícito el intercambio entre la marca y el aficionado.

Aguila no se limita a comunicar una idea sobre cercanía con los seguidores. Diseña un comportamiento. El consumidor decide cuánto espacio concede a la marca y recibe una compensación proporcional por hacerlo.

Ese mecanismo convierte al logo en una unidad de valor. Cada centímetro adicional reduce el precio y permite que la transacción se entienda de inmediato. La marca obtiene visibilidad y el comprador accede a una camiseta que, de otro modo, podría quedar fuera de su presupuesto.

La campaña publicitaria ofrece un ejemplo de cómo un patrocinador puede utilizar su presencia para resolver una fricción relacionada con el producto. En vez de agregar una promoción paralela, Aguila coloca el beneficio dentro del propio activo patrocinado.

De espectadores a propietarios del espacio publicitario

Una idea similar apareció en Perú con “The Thousand Sponsors of Muni”, creada por McCann Lima para el Club Deportivo Municipal.

La iniciativa dividió la camiseta del equipo en 1,000 pequeños espacios de patrocinio, disponibles para aficionados, emprendedores y negocios locales.

En lugar de depender de una sola empresa con capacidad para ocupar el frente de la prenda, el club distribuyó ese activo entre cientos de participantes. Cada patrocinador obtuvo una fracción del uniforme y pasó a formar parte visible de la identidad del equipo.

La campaña ganó el Grand Prix de Entertainment Lions for Sport en Cannes Lions 2026. El jurado premió un sistema que convirtió la falta de grandes patrocinadores en una plataforma de participación y financiamiento colectivo.

Aguila y el Deportivo Municipal trabajan desde extremos distintos del mismo problema. La marca colombiana paga, mediante descuentos, por ocupar más espacio sobre la camiseta. El club peruano cobra pequeñas cantidades para repartir ese espacio entre su comunidad.

En ambos casos, la superficie del uniforme deja de ser un soporte fijo. Se convierte en un mercado ajustable donde aficionados, marcas y equipos negocian visibilidad, pertenencia y precio.

El nuevo valor del logo está en lo que permite hacer

El patrón estratégico detrás de estas campañas publicitarias consiste en transformar el patrocinio en infraestructura. El logo ya no funciona únicamente como mensaje, sino como una herramienta que activa descuentos, recauda fondos o incorpora a la comunidad.

Esta diferencia entre comunicación y comportamiento resulta central. Un patrocinio tradicional declara que una marca apoya a un equipo. Aguila demuestra ese apoyo al reducir el costo de la camiseta.

El Muni convierte a sus seguidores en patrocinadores reales y les entrega una participación tangible en el uniforme.

Para el consumidor, el valor surge de la acción. La presencia comercial obtiene mayor aceptación cuando financia algo que el aficionado desea, facilita el acceso a un producto o sostiene a la institución deportiva.

El desempeño de “Resize the Price” refleja esa relación. Más de nueve de cada 10 compradores aceptaron el logo más grande porque la recompensa era fácil de calcular. El branding dejó de percibirse como una intervención estética y pasó a representar ahorro.

Qué pueden aplicar las marcas de América Latina

Para las marcas latinoamericanas, el aprendizaje no depende de contar con los derechos de una selección nacional o de un club reconocido. El principio puede trasladarse a festivales, entretenimiento, música, esports y proyectos culturales.

El primer paso consiste en identificar qué activo controla la marca y qué problema enfrenta la audiencia. Puede tratarse del precio de una entrada, el costo de un uniforme, el acceso a contenido o la falta de financiamiento para una comunidad.

Después, el patrocinador puede vincular su visibilidad con una recompensa concreta. Un logo más grande puede reducir un precio; una interacción puede financiar una actividad; una compra puede abrir espacio para un negocio pequeño o un creador local.

La estrategia también exige transparencia. En “Resize the Price”, el comprador sabía cuánto costaba cada tamaño del logo. Esa claridad evitó que el descuento pareciera arbitrario y permitió que la audiencia entendiera el acuerdo.

Aguila y el Club Deportivo Municipal muestran que el patrocinio deportivo puede funcionar como un sistema de intercambio. Las marcas obtienen presencia, pero la comunidad también recibe una parte verificable del valor generado.

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• MSCHF utiliza la escasez real para crear demanda antes incluso de lanzar un producto.
• Sus campañas de marketing buscan provocar conversación, no convencer al consumidor.
• El modelo ofrece aprendizajes para las marcas latinoamericanas que quieren competir por atención y no sólo por presupuesto.

Hay empresas que venden productos. Otras venden experiencias. MSCHF es otra cosa: vende expectativa. ¿Cómo es eso?

Cada dos semanas, miles de personas esperan frente a su aplicación para descubrir cuál será la siguiente ocurrencia del colectivo creativo nacido en Brooklyn. Nadie sabe exactamente qué pondrá a la venta. Tampoco importa demasiado.

Lo que realmente compran los seguidores de la marca empieza mucho antes del lanzamiento: la posibilidad de participar en el siguiente fenómeno de internet.

Ese detalle explica buena parte de su éxito. En una economía donde la atención es el recurso más disputado, MSCHF entendió que el producto ocupa un papel secundario. La conversación es el verdadero activo.

Por eso sus lanzamientos parecen más una performance artística que un catálogo comercial. Cada objeto está diseñado para provocar sorpresa, generar memes, dividir opiniones y multiplicar publicaciones en redes sociales. Después llega la venta. Y casi siempre termina en cuestión de minutos.

El resultado es una estrategia de escasez que convierte cualquier lanzamiento en un acontecimiento cultural antes que comercial.

Cuando la escasez deja de ser una táctica y se convierte en el producto

La mayoría de las marcas producen primero y después intentan vender.

MSCHF invierte completamente esa lógica.

Cada lanzamiento aparece en cantidades extremadamente limitadas. No existen reposiciones ni segundas oportunidades. Si el producto desaparece, desaparece para siempre.

La consecuencia es inmediata. Los consumidores dejan de preguntarse si realmente necesitan el artículo. La pregunta cambia por otra mucho más poderosa: “¿Y si nunca vuelve a existir?”

La urgencia deja de ser un recurso publicitario para convertirse en una condición real.

Ese mecanismo alimenta un mercado de reventa donde muchas piezas multiplican su valor apenas salen al mercado. La exclusividad deja de depender del precio original y pasa a construirse mediante la dificultad para conseguir el producto.

La estrategia de escasez funciona porque elimina cualquier sensación de abundancia. El consumidor compra velocidad, acceso y la satisfacción de haber llegado antes que los demás.

Las campañas de marketing de MSCHF no comunican una idea: diseñan un comportamiento

Las campañas de marketing más recordadas suelen transmitir un mensaje.

MSCHF hace algo distinto. Diseña comportamientos.

Cada lanzamiento está pensado para que miles de personas compartan imágenes, graben videos, publiquen opiniones y discutan si aquello representa una genialidad o un disparate.

Ese comportamiento colectivo termina amplificando el alcance mucho más que cualquier inversión en medios tradicionales.

Los ejemplos abundan.

Por ejemplo, las Big Red Boots parecían sacadas de un dibujo animado y dominaron las conversaciones en redes sociales durante semanas.

Cop or Drop? pic.twitter.com/zDgJPCGqTW

— HYPEBEAST (@HYPEBEAST) February 6, 2023

Los Satan Shoes, desarrollados junto con el artista Lil Nas X a partir de tenis Nike modificados, incluyeron una gota de sangre humana en la suela y desencadenaron una batalla legal con la compañía deportiva que multiplicó todavía más su exposición.

La Microscopic Handbag llevó la ironía al extremo. Se trataba de una versión de un bolso de Louis Vuitton tan pequeña que podía pasar por el ojo de una aguja. Aun así, terminó vendiéndose en una subasta por más de 63,000 dólares.

Sobre todas ellas te contamos en Merca2.0.

Ninguno de esos productos pretendía resolver un problema cotidiano.

Su objetivo consistía en convertirse en tema de conversación.

Ese es el verdadero motor de sus campañas de marketing. El mensaje existe, pero ocupa un segundo plano. Lo importante es la acción que desencadena en la audiencia.

El verdadero negocio de MSCHF consiste en fabricar conversación

Muchas marcas todavía entienden la publicidad como un ejercicio para explicar atributos.

MSCHF demuestra que la atención puede construirse de otra manera.

Cada lanzamiento mezcla humor, provocación, cultura digital, arte contemporáneo y referencias que internet interpreta casi de inmediato. El objeto físico funciona como el detonador de una historia mucho más grande.

Por eso un bolso microscópico puede adquirir un valor extraordinario aunque resulte completamente inútil.

La narrativa cambia por completo la percepción.

El artículo deja de ser un accesorio para convertirse en una crítica al lujo, una pieza artística y un símbolo de pertenencia para quienes entienden el chiste.

En otras palabras, la marca nunca vende únicamente un producto.

Vende la historia que las personas podrán contar después de conseguirlo.

Lo que las marcas latinoamericanas pueden aprender de esta estrategia

El caso de MSCHF ofrece una enseñanza que trasciende cualquier producto extravagante.

Su ventaja competitiva no depende de fabricar mejores artículos ni de invertir más dinero en publicidad.

Depende de construir mecanismos que hagan inevitable la conversación. Eso obliga a pensar distinto.

La estrategia de escasez funciona porque la limitación es auténtica. Cuando las marcas crean ediciones especiales sin una razón clara o anuncian urgencias artificiales, los consumidores suelen detectarlo rápidamente. La exclusividad necesita credibilidad para generar valor.

También demuestra que el contexto puede transformar por completo un objeto. Un producto ordinario acompañado por una narrativa poderosa puede captar más atención que una innovación tecnológica presentada sin historia.

Finalmente, MSCHF recuerda que las campañas de marketing más efectivas ya no siempre buscan convencer al consumidor mediante argumentos racionales. En muchos casos diseñan situaciones que las personas quieren compartir voluntariamente.

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Mezcal en lata: la estrategia con la que las marcas quieren conquistar el mercado RTD

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• El mezcal en lata busca ampliar el mercado eliminando barreras de consumo.
• Las marcas ya no venden únicamente un destilado, sino una ocasión de consumo.
• La tendencia podría extenderse a categorías como tequila, pisco, cachaça, ron y fernet en América Latina.

El mercado de los cócteles listos para beber (RTD, por sus siglas en inglés) atraviesa una nueva etapa.

Después de varios años en los que el crecimiento se concentró en hard seltzers y mezclas de bajo costo, las marcas ahora buscan conquistar a consumidores que valoran la calidad, el origen de los ingredientes y la experiencia de consumo.

En ese contexto aparece el mezcal en lata, un formato que refleja cómo evoluciona la categoría.

Uno de los ejemplos más recientes es Zacalita, un cóctel de mezcal desarrollado por la marca británica Zacal junto con bartenders de Dram Bar, en Londres.

La bebida ofrece una interpretación de la margarita elaborada con mezcal, cítricos y otros ingredientes seleccionados para reproducir la calidad de un trago preparado detrás de una barra.

Más allá del lanzamiento, el caso revela una estrategia de marketing que podría marcar el rumbo de la industria.

La apuesta responde a un cambio en el comportamiento del consumidor. Cada vez más personas buscan bebidas premium, pero también valoran la conveniencia. Preparar un cóctel requiere tiempo, conocimientos e ingredientes; una lata lista para consumir elimina esas barreras sin renunciar al posicionamiento premium.

El mezcal en lata cambia la forma de entrar a la categoría

La innovación no consiste simplemente en vender mezcal dentro de una lata. El cambio está en transformar la primera experiencia del consumidor con este destilado.

Durante años, el mezcal construyó su identidad alrededor del ritual: elegir la botella, conocer el tipo de agave, entender su origen y consumirlo de manera pausada.

Esa narrativa fortaleció su imagen artesanal, pero también limitó su llegada a consumidores menos familiarizados con la categoría.

El formato RTD modifica esa dinámica. En lugar de pedir al consumidor que aprenda primero sobre el producto, la marca entrega una experiencia completa desde el primer contacto.

La lata deja de ser un envase económico para convertirse en un vehículo de descubrimiento.

Esta lógica ya aparece en otras categorías. En Estados Unidos, Cutwater Spirits consolidó una amplia línea de margaritas, palomas, espresso martinis y otros cócteles listos para beber elaborados con destilados propios.

Freixenet también dio un paso similar al presentar Solare, un aperitivo pensado para el consumo tipo spritz, ampliando su presencia más allá del vino espumoso.

En todos los casos, la estrategia comparte un mismo objetivo: acercar bebidas tradicionalmente asociadas con la coctelería a nuevas ocasiones de consumo sin perder percepción de calidad.

El verdadero cambio está en la estrategia de branding

Desde la perspectiva del branding, el movimiento resulta más profundo de lo que parece.

Durante mucho tiempo las marcas compitieron por demostrar cuál destilado era mejor. Hoy compiten por conquistar momentos de consumo.

Un mezcal en lata ya no rivaliza únicamente con otra botella de mezcal. También compite con una cerveza artesanal, un hard seltzer, un spritz, una sidra premium o cualquier bebida que acompañe un concierto, un festival, un picnic o una reunión en casa.

Eso modifica la definición de la categoría. El consumidor deja de elegir entre destilados y comienza a elegir entre experiencias listas para disfrutar.

Otro elemento que destaca es el papel de la credibilidad. En lugar de construir campañas alrededor de celebridades, varias marcas recurren a bartenders y especialistas en mixología para desarrollar las recetas.

El objetivo no consiste únicamente en comunicar calidad; busca demostrar que el producto puede ofrecer una experiencia comparable a la de un bar reconocido.

En ese sentido, el mensaje deja de ser el protagonista. La acción diseñada por la marca consiste en facilitar un nuevo comportamiento: consumir un cóctel premium en cualquier lugar, sin preparación previa y con una experiencia consistente.

Lo que esta tendencia puede anticipar para Latinoamérica

El caso del mezcal también ofrece una lectura interesante para otras categorías de bebidas en la región.

México cuenta con marcas consolidadas de mezcal como Ojo de Tigre, Montelobos, Amarás, Bruxo o 400 Conejos, cuya fortaleza radica en el valor artesanal de sus productos.

Sin embargo, el crecimiento del formato RTD podría convertirse en una vía para atraer consumidores que todavía consideran al mezcal una bebida compleja o reservada para ocasiones especiales.

La misma lógica podría extenderse al tequila mediante palomas o margaritas premium listas para beber.

En Perú y Chile, el pisco podría encontrar nuevas oportunidades con versiones RTD del pisco sour o el chilcano. Brasil dispone de una base natural para impulsar caipirinhas premium elaboradas con cachaça, mientras que Argentina podría explorar versiones premium de fernet con cola desarrolladas por las propias marcas. Incluso el ron caribeño tendría espacio para formatos como mojitos o daiquiris listos para consumir.

El patrón estratégico es el mismo en todos los casos: eliminar fricciones sin sacrificar posicionamiento.

Las marcas no buscan sustituir la botella tradicional. El objetivo consiste en ampliar el mercado mediante una puerta de entrada más sencilla para consumidores que priorizan la conveniencia, pero no quieren renunciar a la calidad.

Si esa tendencia mantiene el ritmo observado en mercados como Estados Unidos y Reino Unido, el próximo crecimiento de varias categorías latinoamericanas podría llegar menos por convencer a expertos y más por facilitar el primer contacto de millones de nuevos consumidores con bebidas premium.

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• Hasbro presentó un nuevo set de colección que fusiona Transformers y Scooby-Doo.
• La colaboración de marcas busca extender el valor comercial de dos franquicias con décadas de historia.
• Casos como LEGO x Nike y Crocs x McDonald’s muestran que los cruces entre propiedades intelectuales se consolidan como una estrategia de marketing.

Cuando una marca reúne dos franquicias con décadas de historia, el objetivo va mucho más allá de sorprender a los fanáticos.

Hasbro presentó un nuevo set de figuras que combina el universo de Transformers con Scooby-Doo, una colaboración de marcas que confirma cómo las compañías de entretenimiento utilizan sus propiedades intelectuales para mantenerlas vigentes, generar conversación y abrir nuevas oportunidades de negocio.

El lanzamiento incluye a Mysterious Prime, una figura de seis pulgadas que se transforma de robot a una versión inspirada en la Mystery Machine en 19 pasos.

El personaje incorpora cuatro cabezas intercambiables basadas en Shaggy, Fred, Daphne y Velma, además de accesorios como una cámara, una linterna y los tradicionales pañuelos que identifican a algunos integrantes de Mystery Inc.

El set también incorpora a Automutt, una figura inspirada en Scooby-Doo que cambia entre el perro detective y una caja de Scooby Snacks en seis pasos.

La preventa comenzó a través de Hasbro Pulse y otros distribuidores participantes, una estrategia habitual para este tipo de productos dirigidos al mercado de coleccionistas.

Las franquicias se convierten en plataformas para nuevas colaboraciones

La colaboración entre Transformers y Scooby-Doo no surgió de manera aislada. Forma parte de Transformers Collaborative, una línea que Hasbro desarrolló para unir su principal franquicia con otras propiedades intelectuales de alto reconocimiento.

En los últimos años aparecieron ediciones especiales inspiradas en Ghostbusters, Jurassic Park, Volver al Futuro, Top Gun, Star Wars y G.I. Joe.

El patrón estratégico resulta evidente. La empresa no necesita crear un personaje nuevo para captar la atención del público. En cambio, combina dos comunidades de seguidores ya consolidadas y multiplica el alcance del lanzamiento entre consumidores que probablemente ya mantienen un vínculo emocional con ambas marcas.

La estrategia también reduce el riesgo comercial. Cada franquicia aporta notoriedad, conversación en redes sociales y una base de compradores dispuesta a adquirir ediciones limitadas, incluso cuando el producto alcanza un precio superior al de una figura convencional.

El mensaje de la campaña comunica la unión entre dos universos icónicos, pero el comportamiento que busca incentivar es otro: convertir la compra en un acto de colección antes que de consumo cotidiano.

La preventa, las ediciones especiales y la disponibilidad limitada forman parte de esa lógica.

Otras marcas demuestran que las colaboraciones entre propiedades intelectuales generan mayor valor

Hasbro no es la única compañía que aprovecha este modelo.

En los últimos meses, LEGO y Nike anunciaron una alianza global que incluye productos, experiencias y contenido para distintas audiencias. La colaboración no se limita a colocar el logotipo de una empresa sobre los productos de la otra.

Ambas compañías diseñaron un ecosistema que contempla juguetes, calzado, ropa y actividades para niños, aprovechando la fortaleza creativa de LEGO y la presencia deportiva de Nike.

El objetivo consiste en ampliar el tiempo de interacción con ambas marcas. Mientras LEGO fortalece su presencia fuera del segmento tradicional de construcción, Nike incorpora un componente lúdico que conecta con familias y consumidores jóvenes.

La alianza demuestra que las colaboraciones actuales buscan construir plataformas de largo plazo y no únicamente lanzar productos conmemorativos.

Otro ejemplo aparece en la alianza entre Crocs y McDonald’s. La marca de calzado lanzó una colección inspirada en personajes como Grimace, Birdie, Hamburglar y las clásicas papas fritas. Cada modelo incorporó colores, accesorios Jibbitz y elementos visuales reconocibles del universo de la cadena de comida rápida.

Más allá del diseño, la estrategia permitió que McDonald’s extendiera el alcance de su identidad visual fuera de los restaurantes, mientras Crocs reforzó su posicionamiento como una marca capaz de transformar referencias de la cultura popular en objetos de colección.

La conversación generada en redes sociales y la rápida venta de varios modelos confirmó que el atractivo radicó tanto en el producto como en la combinación inesperada de dos marcas ampliamente reconocidas.

El mercado del coleccionismo impulsa una nueva etapa del licensing

La industria del entretenimiento atraviesa una etapa en la que las propiedades intelectuales funcionan como activos capaces de generar ingresos mucho más allá del cine o la televisión.

Las figuras de colección, el calzado, la moda, los videojuegos y los artículos de edición limitada permiten que una franquicia permanezca presente incluso cuando no existe un estreno reciente.

Para las marcas latinoamericanas, el aprendizaje no consiste necesariamente en unir personajes famosos. La oportunidad está en identificar afinidades entre comunidades, combinar audiencias compatibles y desarrollar productos que ofrezcan una experiencia distinta en lugar de limitarse a colocar dos logotipos sobre un mismo artículo.

En ese contexto, la colaboración de marcas entre Transformers y Scooby-Doo representa un ejemplo de cómo el licensing evoluciona hacia propuestas capaces de generar conversación, fortalecer el valor de las franquicias y abrir nuevas fuentes de ingresos mediante productos diseñados para un consumidor que busca exclusividad, nostalgia y pertenencia.

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• Nissan y Fanatec desarrollan volantes para sim racing con licencia oficial inspirados en el legado deportivo de la automotriz.
• La colaboración muestra cómo el gaming se consolida como un nuevo territorio para el branding y el licensing de las marcas.
• El caso ofrece ejemplos de cómo las empresas pueden extender su presencia hacia nuevas categorías de productos sin perder identidad.

Nissan amplía su presencia en el mundo del gaming con una alianza que va más allá de un lanzamiento de producto.

La automotriz japonesa anunció un acuerdo de licensing con Fanatec, marca especializada en hardware para simulación de manejo y propiedad de Corsair, para desarrollar una línea de volantes para sim racing con licencia oficial inspirados en su legado deportivo.

El proyecto busca ofrecer una experiencia de conducción inmersiva para los aficionados a la simulación, combinando la experiencia técnica de Fanatec con la identidad de una de las marcas más reconocidas de la industria automotriz.

Aunque todavía no se revelan detalles sobre el diseño definitivo, las especificaciones técnicas ni la fecha de lanzamiento, ambas compañías adelantaron que los productos priorizarán la autenticidad visual, la ergonomía y la precisión que demanda este segmento.

La noticia también refleja un cambio en la forma en que las automotrices construyen relaciones con sus audiencias.

Durante años, la presencia en videojuegos como Gran Turismo, Assetto Corsa o Forza Motorsport formó parte de las estrategias de visibilidad. Ahora el siguiente paso consiste en trasladar esa presencia al hardware que utilizan los jugadores.

El sim racing se convierte en una plataforma de branding

La colaboración entre Nissan y Fanatec forma parte de una estrategia de marketing que aprovecha el crecimiento del sim racing como espacio para fortalecer el vínculo con consumidores altamente involucrados con el automovilismo y la tecnología.

A diferencia de otros acuerdos de licensing enfocados en ropa, accesorios o juguetes, esta alianza coloca a la marca dentro de una experiencia de uso constante.

Cada sesión de simulación permite que el usuario interactúe físicamente con un producto diseñado bajo la identidad de Nissan, generando una relación mucho más frecuente que una campaña convencional.

Este tipo de iniciativas responde al crecimiento de una comunidad global que invierte cada vez más en equipos especializados.

Los aficionados al sim racing destinan recursos a volantes, pedales, asientos y pantallas para reproducir con la mayor fidelidad posible la experiencia de conducir un automóvil de competición.

En ese contexto, Fanatec ocupa una posición de referencia dentro del segmento premium, mientras que Nissan aporta el valor de una marca con décadas de presencia en competencias y vehículos deportivos como la línea NISMO.

La estrategia va más allá del producto

El anuncio también ilustra cómo evoluciona el licensing dentro de la industria automotriz. En lugar de limitarse a colocar su logotipo sobre artículos promocionales, las marcas buscan desarrollar productos capaces de transmitir parte de su propuesta de valor.

En este caso, el volante no comunica únicamente una idea relacionada con el desempeño deportivo. Diseña una experiencia de uso en la que el consumidor interactúa con la marca durante horas, fortaleciendo la afinidad y el reconocimiento.

Ese patrón estratégico resulta relevante porque traslada la experiencia automotriz hacia un entorno donde participan millones de usuarios, muchos de ellos jóvenes que todavía no forman parte del mercado de compra de vehículos nuevos, pero sí desarrollan una conexión emocional con determinadas marcas.

Para Nissan, esta colaboración también complementa su presencia en videojuegos y competencias virtuales, un espacio donde la interacción con las audiencias ya no depende exclusivamente de campañas publicitarias tradicionales.

Qué pueden aprender las marcas latinoamericanas

El caso de Nissan demuestra que el gaming dejó de ser únicamente un canal de comunicación para convertirse en una plataforma de negocio.

Cada vez más empresas buscan generar nuevas fuentes de ingresos mediante categorías que mantienen coherencia con su identidad.

La enseñanza para las marcas latinoamericanas no consiste necesariamente en desarrollar hardware especializado, sino en identificar espacios donde la experiencia de marca pueda extenderse hacia productos o servicios que aporten valor al consumidor.

La colaboración también evidencia que el licensing funciona mejor cuando existe una relación natural entre las capacidades de ambos socios.

Nissan aporta su legado automotriz, mientras que Fanatec ofrece conocimiento técnico y credibilidad dentro del mercado de simulación.

Con esta estrategia, ambas compañías construyen una propuesta que trasciende el lanzamiento de un accesorio. El acuerdo convierte al sim racing en un nuevo punto de contacto entre la marca y una comunidad global que busca experiencias cada vez más cercanas a la conducción real.

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• Jeni’s recupera un sabor lanzado en 2023 para acompañar el regreso de Ted Lasso.
• La colaboración aprovecha uno de los rituales más recordados de la serie en lugar de centrarse en sus personajes.
• El caso refleja una tendencia en el marketing de entretenimiento: convertir elementos narrativos en experiencias de consumo.

Cuando una serie logra instalar pequeños rituales en la memoria de su audiencia, esos momentos pueden convertirse en oportunidades comerciales que trascienden el merchandising tradicional.

Eso explica el regreso del helado de Ted Lasso que Jeni’s Ice Creams lanzará nuevamente el próximo 21 de julio en Estados Unidos para acompañar el estreno de la cuarta temporada de la producción de Apple TV+.

La cadena estadounidense, en colaboración con Warner Bros. Discovery Global Consumer Products, recupera Biscuits with the Boss, un sabor que debutó en 2023 y que toma como inspiración las tradicionales galletas de mantequilla que el entrenador Ted Lasso entrega cada mañana a Rebecca Welton durante la serie.

En lugar de desarrollar una nueva receta, la compañía decidió capitalizar un producto que ya contaba con reconocimiento entre los seguidores de la franquicia.

El helado combina una base de crema dulce con mantequilla salada y trozos de shortbread elaborados con mantequilla real. Estará disponible por tiempo limitado tanto en las tiendas propias de Jeni’s como en su plataforma de comercio electrónico y algunos distribuidores seleccionados en Estados Unidos.

Cuando una historia se convierte en un producto

El atractivo de esta colaboración de marca no radica únicamente en utilizar la imagen de Ted Lasso. La estrategia consiste en trasladar un elemento cotidiano de la narrativa a un producto físico que permite a los consumidores revivir una escena familiar de la serie.

Las galletas nunca fueron un accesorio decorativo dentro de la historia. Funcionaban como un gesto de cercanía, confianza y construcción de relaciones entre los protagonistas. Jeni’s convierte ese recuerdo emocional en una experiencia gastronómica que resulta inmediatamente reconocible para los seguidores de la producción.

En este caso, la colaboración comunica una idea, pero también diseña un comportamiento. Invita a los consumidores a recrear un momento asociado con la serie y compartir esa experiencia fuera de la pantalla, ampliando el vínculo entre la propiedad intelectual y su comunidad.

Para Warner Bros. Discovery Global Consumer Products, la iniciativa también demuestra que una licencia puede generar valor sin depender exclusivamente de camisetas, figuras coleccionables o accesorios. El storytelling pasa a ocupar el centro de la estrategia de marketing.

Otras marcas también encontraron oportunidades en momentos memorables

La lógica detrás del helado de Ted Lasso forma parte de una tendencia que gana espacio entre las licencias de entretenimiento: convertir objetos o alimentos presentes en una historia en productos reales.

Uno de los ejemplos más conocidos es la colaboración entre Netflix y la cadena de heladerías Scoops Ahoy, inspirada en Stranger Things. 

Aunque el local ficticio ya despertaba interés entre los seguidores de la serie, Netflix desarrolló experiencias temporales y colaboraciones comerciales que permitieron a los fans consumir helados dentro de espacios ambientados como los vistos en la producción.

La estrategia no giró alrededor de Eleven o Demogorgon, sino de un escenario que representaba parte de la identidad emocional de la serie.

Otro caso llegó con la alianza entre General Mills y Barbie para el estreno de la película dirigida por Greta Gerwig.

La compañía lanzó una edición especial de Pink Berry Berry Kix con un empaque completamente inspirado en el universo rosa de la muñeca.

Más que utilizar la imagen de Barbie como licencia, el producto buscó trasladar la estética y el tono visual de la película al desayuno cotidiano de los consumidores, integrando el lanzamiento cinematográfico en una categoría de consumo masivo.

Ambos ejemplos muestran un patrón similar al de Jeni’s. Las marcas descubren que los elementos aparentemente secundarios de una historia pueden generar conexiones más profundas que la simple reproducción de un personaje sobre un empaque.

El marketing de entretenimiento apuesta por experiencias reconocibles

Durante años, gran parte del licensing se concentró en colocar logotipos o personajes sobre productos existentes. Hoy la estrategia evoluciona hacia experiencias que permiten a los consumidores participar de la narrativa.

El regreso de Biscuits with the Boss ilustra esa transformación. En lugar de presentar una novedad absoluta, Jeni’s recupera un lanzamiento que ya contaba con reconocimiento y lo sincroniza con el regreso de una franquicia que mantiene una comunidad de seguidores activa.

Para las marcas latinoamericanas, el aprendizaje resulta claro. Las colaboraciones de marca encuentran mejores resultados cuando identifican qué momento, objeto o costumbre despierta una conexión emocional entre las audiencias. Ese tipo de activos narrativos suele ofrecer más posibilidades de conversación que una licencia utilizada únicamente como recurso gráfico.

A medida que las plataformas de streaming fortalecen sus franquicias, es probable que más compañías de alimentos, bebidas y consumo masivo busquen convertir escenas memorables en productos capaces de extender la experiencia de entretenimiento más allá de la pantalla.

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• Sunsilk vuelve a colaborar con BABYMONSTER en una campaña global.
• La campaña utiliza un formato de video casero para mostrar el trabajo y la disciplina detrás del éxito del grupo.
• El caso refleja cómo las marcas comienzan a privilegiar la autenticidad sobre la aspiración como estrategia de marketing.

Muy a menudo, las campañas protagonizadas por estrellas del K-pop se apoyan en una fórmula conocida: imágenes impecables, coreografías perfectas y una estética cuidadosamente controlada.

La nueva campaña K-pop Sunsilk propone un cambio. En lugar de reforzar esa narrativa, muestra el esfuerzo cotidiano que existe detrás de cada presentación de BABYMONSTER.

La iniciativa, creada por la agencia frank. Singapore para Unilever, marca la segunda colaboración entre la marca de cuidado capilar y el grupo de YG Entertainment.

Esta vez, el eje creativo deja de lado el espectáculo para centrarse en ensayos, sesiones fotográficas, viajes y momentos informales que forman parte de la rutina de las artistas.

El concepto creativo, “Days might get tough, but Sunsilk keeps it smooth”, parte de una idea sencilla: aunque los días sean difíciles, mantener un cabello saludable puede convertirse en un elemento que aporte confianza para afrontar cada desafío.

La marca conecta ese mensaje con la disciplina que exige la industria del entretenimiento surcoreano.

Cuando la autenticidad reemplaza a la perfección como estrategia

La campaña refleja un cambio más amplio dentro del marketing dirigido a la Generación Z. En lugar de construir una imagen inalcanzable de las celebridades, cada vez más marcas buscan mostrar aspectos cotidianos que permitan generar identificación con el público.

Para lograrlo, el comercial adopta una estética de video casero, con escenas que parecen registradas por las propias integrantes del grupo. El resultado transmite cercanía sin abandonar la calidad de producción que caracteriza a una campaña global.

De acuerdo con Panisa Suwanarat, Global Brand Director de Unilever, la intención consistió en mostrar el trabajo constante que existe detrás del éxito de BABYMONSTER.

La ejecutiva explicó que el objetivo fue destacar la dedicación y la perseverancia que acompañan cada presentación del grupo, al mismo tiempo que Sunsilk refuerza su propuesta de ayudar a las personas a sentirse preparadas para enfrentar su día.

La campaña diseña un comportamiento, no únicamente comunica un mensaje

Uno de los aspectos más interesantes del caso es que la campaña publicitaria no se limita a transmitir una idea sobre el esfuerzo.

También propone un comportamiento: aceptar que los días difíciles forman parte del camino y que la confianza se construye a partir de la preparación cotidiana.

Ese matiz cambia la función de la creatividad. En lugar de utilizar a BABYMONSTER únicamente como imagen aspiracional, la campaña convierte a las integrantes en un ejemplo de hábitos, disciplina y constancia que cualquier persona puede reconocer, incluso sin pertenecer al universo del K-pop.

Subarna Prabhakar, Global Business Director de frank. Singapore, explicó que la estrategia respondió al interés de las nuevas generaciones por marcas que reflejen experiencias reales. Añadió que durante años la cultura idol se presentó mediante actuaciones impecables, cuando detrás de ellas existe una combinación de trabajo, sacrificio y resiliencia que rara vez aparece en la comunicación comercial.

Qué enseña este caso a las marcas en América Latina

El aprendizaje trasciende a Sunsilk y a BABYMONSTER. La campaña muestra que la autenticidad ya no depende de producciones de bajo presupuesto ni de contenidos improvisados.

Puede construirse desde una producción internacional siempre que el relato priorice situaciones reconocibles para la audiencia.

La estrategia también encuentra paralelos en otras campañas recientes. Dove, otra marca de Unilever, construyó buena parte de su posicionamiento alrededor de personas reales y situaciones cotidianas en lugar de modelos tradicionales, con el objetivo de fortalecer la identificación del público.

En otra categoría, Adidas desarrolló iniciativas con Lionel Messi en las que el eje dejó de ser únicamente el triunfo deportivo para mostrar entrenamientos, recuperación y la disciplina que sostiene el rendimiento del futbolista.

Ambos ejemplos muestran una tendencia compartida: las marcas mantienen el atractivo de figuras ampliamente reconocidas, pero desplazan el relato hacia el proceso que existe detrás del éxito. La campaña de Sunsilk con BABYMONSTER aplica esa misma lógica al universo del K-pop, donde durante años predominó una comunicación centrada casi exclusivamente en la perfección de las presentaciones.

Para las marcas latinoamericanas, el caso ofrece una lección clara. La conexión emocional no necesariamente surge al mostrar el momento de éxito. En muchos casos aparece cuando el público observa el proceso que permitió alcanzarlo.

 

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Evolución

También confirma una evolución en la relación entre las marcas y las celebridades. Durante años predominó la lógica de utilizar figuras públicas como símbolos de aspiración. Hoy, muchas campañas buscan revelar aquello que normalmente permanece fuera de cuadro para fortalecer la credibilidad del mensaje.

Con esta colaboración, Sunsilk aprovecha el alcance internacional de BABYMONSTER sin depender exclusivamente de su popularidad. La estrategia convierte la experiencia cotidiana del grupo en el verdadero activo creativo de la campaña y responde a una tendencia cada vez más visible: las audiencias valoran las historias que muestran el esfuerzo detrás de los resultados tanto como el éxito mismo.

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• La demanda de Apple a OpenAI detonó un nuevo intercambio de acusaciones entre Elon Musk y Sam Altman en X.
• Ambos ejecutivos utilizaron sus redes sociales para reforzar sus posturas mientras sus empresas compiten en inteligencia artificial.
• El episodio refleja cómo la comunicación pública forma parte de la estrategia competitiva de las grandes tecnológicas.

La demanda de Apple a OpenAI por presunto robo de secretos comerciales abrió un nuevo capítulo en la rivalidad entre Elon Musk y Sam Altman.

Horas después de conocerse la acción legal, ambos empresarios intercambiaron ataques en X, una plataforma que desde hace tiempo funciona como escenario de sus diferencias sobre el presente y el futuro de la inteligencia artificial.

El enfrentamiento llega en un momento de intensa competencia entre las principales empresas del sector.

OpenAI presentó recientemente su nuevo modelo GPT-5.6 Sol, mientras xAI impulsó Grok 4.5, dos lanzamientos que buscan fortalecer su posición en un mercado donde la innovación tecnológica y la percepción pública avanzan al mismo ritmo.

La demanda de Apple a OpenAI vuelve a enfrentar a Musk y Altman

La disputa comenzó cuando Musk reaccionó a una publicación sobre la demanda presentada por Apple contra OpenAI por presunto robo de secretos comerciales.

El empresario retomó el apodo “Scam Altman”, que utiliza desde hace meses para referirse al director ejecutivo de OpenAI, y publicó una serie de mensajes en los que acusó a su antiguo socio de actuar de manera fraudulenta.

Altman respondió desde su propia cuenta de X con un tono igualmente directo. En uno de sus mensajes sostuvo que la mejor prueba del desempeño de GPT-5.6 Sol era que Musk “estaba obsesionado” con él otra vez.

El comentario acumuló millones de visualizaciones en pocas horas y volvió a colocar el enfrentamiento entre ambos en el centro de la conversación tecnológica.

El intercambio también incluyó referencias al reciente debut bursátil de SpaceX, los proyectos de infraestructura de inteligencia artificial impulsados por la compañía y la futura salida a bolsa que OpenAI prepara de manera confidencial.

Así, una disputa originada por una demanda legal terminó mezclando acusaciones personales, competencia tecnológica y mensajes dirigidos tanto al mercado como a las comunidades de desarrolladores.

X se consolida como un escenario para construir reputación

Las publicaciones de Musk y Altman muestran cómo las redes sociales dejaron de ser únicamente un canal de comunicación corporativa.

Hoy funcionan como una herramienta para influir en la narrativa que rodea a las empresas tecnológicas, especialmente en sectores donde la confianza y la innovación pesan tanto como los resultados financieros.

Musk convirtió X en una extensión de la estrategia de comunicación de sus compañías. Tesla, SpaceX y xAI suelen anunciar productos, responder críticas o fijar posiciones a través de publicaciones del empresario, muchas veces antes que mediante comunicados oficiales.

Altman adoptó un estilo diferente, aunque cada vez más activo. Sus intervenciones en X suelen combinar anuncios sobre nuevos modelos, respuestas a cuestionamientos de la industria y comentarios dirigidos a competidores.

En este caso, eligió responder con ironía a las provocaciones de Musk y aprovechar la conversación para destacar el desempeño de GPT-5.6 Sol.

Para las marcas tecnológicas, este tipo de intercambios también funciona como una forma de mantener presencia constante en la agenda pública.

La conversación se traslada rápidamente a medios, comunidades digitales y foros especializados, ampliando el alcance de cada declaración sin necesidad de campañas de comunicación tradicionales.

La competencia por la inteligencia artificial también se libra en la opinión pública

El nuevo enfrentamiento ocurre mientras OpenAI, xAI, Apple, Anthropic y otros actores aceleran el desarrollo de modelos de inteligencia artificial cada vez más avanzados.

La competencia ya no depende únicamente de quién presenta la mejor tecnología, sino también de quién logra construir una narrativa más sólida alrededor de sus productos y su visión del futuro.

La demanda de Apple a OpenAI añade presión a un entorno donde las disputas legales, la propiedad intelectual y el acceso al talento especializado adquieren cada vez mayor relevancia.

Al mismo tiempo, las declaraciones públicas de Musk y Altman alimentan una rivalidad que comenzó cuando ambos participaron en la fundación de OpenAI en 2015 y que con el paso de los años se transformó en una competencia abierta.

Mientras los procesos legales siguen su curso, el enfrentamiento entre ambos empresarios confirma que la carrera por la inteligencia artificial también se desarrolla frente al público.

Cada publicación, cada respuesta y cada lanzamiento forman parte de una estrategia para influir en usuarios, inversionistas, desarrolladores y empresas que observan de cerca la evolución del sector.

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• GANNI y Disney lanzan una tercera colección cápsula de 12 piezas protagonizada por Daisy Duck y Minnie Mouse.
• La propuesta continúa la historia iniciada en enero y convierte la colaboración en una plataforma creativa de largo plazo.
• Casos como Louis Vuitton x Yayoi Kusama y Adidas x LEGO muestran cómo las alianzas sostenidas generan mayor valor que los lanzamientos aislados.

En enero de este año, GANNI y Disney sorprendieron al mercado con una colección cápsula protagonizada por Daisy Duck (te lo contamos en Merca2.0, por supuesto). Aquella propuesta reunió 16 prendas y accesorios, incorporó un fanzine coleccionable y se apoyó en activaciones en ciudades como Copenhague, Nueva York y Seúl para extender la experiencia más allá del producto.

Seis meses después, la alianza suma un nuevo capítulo con una estrategia que deja claro que el proyecto no se limitaba a una colaboración puntual.

La nueva colección GANNI Disney presenta una cápsula de 12 piezas ambientada en París e incorpora a Minnie Mouse como coprotagonista junto a Daisy Duck.

El lanzamiento incluye playeras gráficas, una sudadera, una bolsa XXL con estampado animal print y accesorios elaborados con cuero reciclado, mientras la narrativa gira alrededor de la amistad entre ambos personajes.

Para presentar la colección, GANNI organizó un encuentro en París con integrantes de su comunidad, escenario que también sirvió para desarrollar la campaña fotográfica.

Más allá de los nuevos productos, el movimiento confirma una tendencia que gana fuerza en la industria de la moda: las colaboraciones de marcas más exitosas ya no dependen de un lanzamiento único, sino de historias capaces de evolucionar con el tiempo.

La colaboración de marcas se convierte en una plataforma narrativa

La primera colección presentaba a Daisy Duck como una figura en proceso de descubrimiento personal. En esta nueva entrega, el personaje comparte protagonismo con Minnie Mouse y la historia se traslada a París para explorar la amistad como eje creativo.

En lugar de comenzar una campaña desde cero, GANNI y Disney desarrollan un universo que mantiene elementos reconocibles mientras incorpora nuevos escenarios y personajes.

Ese cambio resulta relevante desde la perspectiva del marketing porque transforma una licencia en un activo de largo plazo. El consumidor ya no encuentra únicamente una nueva colección cápsula, sino un relato que puede seguir entre diferentes temporadas.

El mensaje comunica una idea, pero también diseña un comportamiento.

Cada lanzamiento invita a regresar para descubrir el siguiente capítulo de la historia, una lógica que fortalece la fidelidad hacia la colaboración y aumenta el interés por futuras colecciones.

Para las marcas latinoamericanas, el aprendizaje consiste en entender que una licencia puede generar mucho más valor cuando existe una narrativa consistente entre campañas.

La continuidad favorece el reconocimiento y ofrece múltiples oportunidades para desarrollar productos, contenidos y experiencias sin perder coherencia.

Las alianzas funcionan mejor cuando evolucionan

Un ejemplo destacado es la colaboración entre Louis Vuitton y la artista japonesa Yayoi Kusama. La casa francesa presentó una primera colección en 2012, marcada por los característicos lunares de la artista.

Más de una década después retomó la alianza con una nueva propuesta global que incluyó prendas, bolsos, escaparates monumentales, instalaciones inmersivas y esculturas robóticas de Kusama en tiendas emblemáticas.

La segunda etapa no buscó repetir el éxito del primer lanzamiento. Aprovechó el reconocimiento construido durante años para ofrecer una experiencia mucho más amplia, donde la moda convivió con el arte, la tecnología y el turismo comercial.

El resultado reforzó tanto el posicionamiento de Louis Vuitton como la presencia internacional de la artista, demostrando que una colaboración puede adquirir nuevas dimensiones cuando evoluciona en el tiempo.

Otro caso relevante es la alianza entre Adidas y LEGO. La relación comenzó con ediciones especiales de tenis y ropa deportiva, pero posteriormente incorporó líneas infantiles, calzado para distintas edades, accesorios y experiencias digitales dirigidas a familias.

Incluso ambas marcas desarrollaron productos con piezas intercambiables inspiradas en los tradicionales bloques de construcción.

En este caso, la colaboración dejó de depender de un solo producto para convertirse en un ecosistema de lanzamientos dirigidos a diferentes públicos.

Adidas obtuvo acceso a una comunidad con fuerte componente familiar y nostálgico, mientras LEGO fortaleció su presencia en categorías vinculadas con el estilo de vida y la moda deportiva.

Ambos ejemplos muestran que el valor de una colaboración de marcas aumenta cuando existe continuidad. Cada nueva entrega aprovecha el reconocimiento obtenido por la anterior y reduce el esfuerzo necesario para captar nuevamente la atención del consumidor.

Las licencias buscan construir relaciones duraderas

El mercado global de licencias mantiene un crecimiento sostenido gracias al interés de las marcas por conectar con comunidades ya consolidadas. Moda, entretenimiento y cultura pop encuentran puntos de contacto que permiten ampliar audiencias y desarrollar nuevos formatos comerciales.

En ese contexto, la nueva colección GANNI Disney representa un paso adicional dentro de una estrategia que comenzó a principios de 2026.

La incorporación de Minnie Mouse, el cambio de escenario hacia París y el énfasis en la amistad muestran que la alianza continúa construyendo una identidad propia, en lugar de repetir una fórmula exitosa.

La evolución también responde a un cambio en la manera de entender las colaboraciones. Las marcas ya no buscan únicamente aprovechar la popularidad de un personaje reconocido.

El objetivo consiste en desarrollar historias capaces de sostener conversaciones durante varias temporadas, crear experiencias alrededor del producto y mantener vigente el interés del consumidor entre un lanzamiento y otro.

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• Dove presentó una decena de campañas que abarcaron belleza, deporte, entretenimiento, inteligencia artificial y cuidado personal.
• Ogilvy, DAVID, Landor, VML, Zulu Alpha Kilo, Droga5 y Razorfish lideran distintas piezas de una misma estrategia global.
• Más que campañas separadas, el portafolio muestra cómo la marca construye una Brand Strategy consistente en diferentes mercados.

Dove convirtió la plataforma Real Beauty en uno de los activos más reconocibles del marketing mundial.

Sin embargo, el portafolio que la marca presentó en Cannes Lions 2026 demuestra que su evolución ya no depende de una gran campaña anual.

La compañía desarrolló un sistema creativo capaz de adaptarse a distintas categorías, mercados y conversaciones culturales sin perder coherencia.

En lugar de concentrar sus esfuerzos en una sola ejecución, Dove llegó al festival con propuestas desarrolladas en Reino Unido, Brasil, Canadá, Argentina, Chile y Estados Unidos, además de iniciativas globales. 

Cada una responde a un desafío distinto, pero todas comparten una misma Brand Strategy orientada a fortalecer el posicionamiento de la marca desde perspectivas complementarias.

El resultado es un mapa creativo donde participan agencias con perfiles muy diferentes, cada una especializada en un territorio específico de comunicación.

Una estrategia de marca distribuida entre agencias y mercados

Uno de los aspectos más interesantes del portafolio es la distribución del trabajo creativo. En vez de depender de una única agencia global, Dove asignó proyectos según la naturaleza del problema que buscaba resolver.

Ogilvy aparece al frente de campañas como The Beauty Machine y Born to Run, además de The Game Is Ours, enfocadas en belleza, autoestima y deporte femenino.

DAVID lideró R/eal Reviews, probablemente el caso con mayor presencia dentro de las inscripciones de Cannes.

La campaña explora un modelo de transparencia apoyado en reseñas reales de consumidores y obtuvo premios en categorías como Creative Strategy, Media, Brand Experience & Activation y Social & Creator.

Landor desarrolló Kintsugi Dreams, una propuesta que traslada la filosofía japonesa del kintsugi al cuidado capilar para comunicar que el cabello dañado también puede representar fortaleza.

En América Latina también aparecen agencias con un rol destacado. VML firma All Body Billboard y Andrea Collarini’s Balls para Dove Men+Care, mientras que Zulu Alpha Kilo desarrolló Change the Compliment, centrada en la autoestima infantil.

Por su parte, Droga5, parte de Accenture Song, creó Revamp, una campaña brasileña que recupera un personaje icónico de la televisión para presentar una línea de protección UV para el cabello.

Más que una suma de proveedores, la estructura evidencia una organización donde cada agencia aporta capacidades específicas dentro de una arquitectura común.

Cinco territorios construyen la Brand Strategy de Dove

Aunque las campañas parecen muy distintas entre sí, pueden agruparse en cinco grandes territorios estratégicos.

El primero corresponde a la belleza en la era digital. The Beauty Machine cuestiona los estándares generados por algoritmos, mientras que R/eal Reviews traslada la conversación hacia la autenticidad y la credibilidad del contenido creado por usuarios.

El segundo se concentra en el negocio de haircare. Kintsugi Dreams y Revamp abordan el cuidado del cabello desde perspectivas culturales diferentes, pero ambas buscan ampliar la presencia de Dove en una categoría cada vez más competitiva.

El deporte y la confianza corporal conforman un tercer bloque. The Game Is Ours y Born to Run buscan reducir las barreras que enfrentan niñas y adolescentes para mantenerse activas, alineando el propósito histórico de la marca con una problemática social concreta.

Un cuarto territorio corresponde a Dove Men+Care. En lugar de replicar el discurso tradicional del cuidado masculino, campañas como All Body Billboard y Andrea Collarini’s Balls utilizan humor, contexto y earned media para presentar productos dirigidos al cuidado integral del cuerpo.

Finalmente, Dove explora el entretenimiento como plataforma de comunicación. La colaboración con Bridgerton y la serie Why2K Podcast muestran cómo la marca incorpora propiedades culturales ya existentes para generar nuevas conversaciones con distintas audiencias.

La diversidad temática podría sugerir una estrategia fragmentada. Sin embargo, ocurre lo contrario: cada iniciativa fortalece un aspecto distinto de la identidad de Dove.

Más que campañas publicitarias, un sistema creativo global

La selección presentada en Cannes Lions 2026 también refleja un cambio en la forma de gestionar una marca global.

En lugar de perseguir una única idea capaz de resolver todos los desafíos, Dove trabaja con un portafolio de plataformas creativas que responden a diferentes objetivos de negocio.

Algunas buscan impulsar nuevas categorías de producto; otras fortalecen atributos históricos de la marca; varias generan earned media y conversación social, mientras otras construyen reputación institucional.

Esta lógica también explica la diversidad de categorías en las que la compañía inscribió sus trabajos, desde Design y Creative Strategy hasta Entertainment, PR, Social & Creator, Media, Titanium y Glass: The Lion for Change.

El enfoque permite adaptar los mensajes a contextos culturales muy distintos sin abandonar una narrativa común basada en autoestima, inclusión, confianza y representación.

Para otras marcas, el caso ofrece un aprendizaje claro. La consistencia ya no depende de repetir el mismo mensaje en todos los mercados, sino de construir principios de marca suficientemente sólidos para que distintas agencias, disciplinas y equipos creativos desarrollen ideas propias sin perder identidad.

Dove llegó a Cannes Lions 2026 con campañas muy diferentes entre sí. Lo que las une no es la ejecución, sino una arquitectura estratégica que convierte a la creatividad en un sistema y no en un esfuerzo aislado.

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Dirty soda PepsiCo: cómo PepsiCo lleva una moda de TikTok a los supermercados

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• PepsiCo lanzó Dirty Mountain Dew y nuevas versiones de Mug Root Beer Floats para aprovechar el auge de las dirty sodas.
• La tendencia nació entre consumidores y creció gracias a TikTok antes de llegar a los supermercados.
• Casos como Stanley x Starbucks y Coca-Cola muestran que las grandes marcas cada vez innovan más a partir de comportamientos ya existentes.

Durante años, las grandes compañías de consumo masivo marcaron el rumbo de las tendencias. Diseñaban nuevos productos, invertían en publicidad y esperaban que el mercado los adoptara.

Hoy la dinámica cambia. Muchas innovaciones surgen primero entre consumidores, creadores de contenido y comunidades digitales antes de convertirse en una oportunidad comercial para las marcas.

Ese es el caso de las dirty sodas, una mezcla de refresco, crema, jarabes y otros ingredientes que durante años circuló en establecimientos especializados y posteriormente explotó en TikTok gracias a miles de videos donde los usuarios personalizaban sus bebidas.

PepsiCo decidió convertir esa preparación casera en un producto listo para beber con el lanzamiento de Dirty Mountain Dew, Dirty Mountain Dew Zero Sugar y Mug Root Beer Floats, una apuesta que refleja cómo evoluciona la innovación dentro de la industria de bebidas.

La compañía también acompaña el lanzamiento con campañas en TikTok e Instagram para amplificar la conversación en torno a la nueva línea y acercarla a las generaciones que impulsaron originalmente la tendencia.

Cuando las redes sociales se convierten en el laboratorio de innovación

Las dirty sodas, según BD, comenzaron como una preparación artesanal. Su popularidad creció entre consumidores que mezclaban refrescos con crema, saborizantes y otros ingredientes para crear bebidas personalizadas.

El formato encontró en TikTok un escaparate ideal, donde millones de usuarios compartieron recetas, variantes y recomendaciones.

En lugar de limitarse a observar el fenómeno, PepsiCo decidió simplificar la experiencia. Sus nuevas bebidas ofrecen el mismo perfil cremoso directamente desde la lata, eliminando la necesidad de preparar la mezcla en casa.

La estrategia responde a un cambio que cada vez aparece con mayor frecuencia en bienes de consumo: las empresas ya no desarrollan productos únicamente a partir de estudios internos de mercado.

También monitorean conversaciones digitales, analizan tendencias orgánicas y utilizan esos comportamientos como punto de partida para acelerar su innovación.

Para PepsiCo, además, la apuesta representa una forma de extender el valor de Mountain Dew sin modificar la esencia de la marca.

En lugar de abandonar su identidad, incorpora una variante inspirada en un fenómeno que ya contaba con una base de consumidores dispuestos a probarla.

Las marcas ya no crean todas las tendencias; aprenden a escalarlas

El caso de PepsiCo no es aislado. En distintos mercados aparecen ejemplos de compañías que detectan comportamientos espontáneos y los convierten en productos de distribución masiva.

Uno de los ejemplos más visibles es la colaboración entre Stanley y Starbucks. 

Los vasos térmicos Stanley ya acumulaban una comunidad muy activa en redes sociales gracias a su diseño, durabilidad y atractivo visual. Starbucks identificó ese entusiasmo y comenzó a lanzar ediciones limitadas exclusivas para sus cafeterías.

La estrategia transformó un accesorio cotidiano en un objeto de colección. Algunas colecciones provocaron largas filas desde la madrugada, agotaron inventarios en cuestión de horas y posteriormente aparecieron en plataformas de reventa con precios muy superiores a los originales. La colaboración no inventó el interés por Stanley; aprovechó una conversación que ya existía y la convirtió en un fenómeno comercial todavía mayor.

Otro caso corresponde a Coca-Cola. La compañía reforzó en los últimos años su estrategia de innovación con sabores inspirados en preferencias detectadas entre consumidores y conversaciones digitales.

El lanzamiento de Orange Cream y otras variantes con perfiles más indulgentes refleja un esfuerzo por responder con mayor rapidez a gustos que antes permanecían durante meses en redes sociales antes de llegar a los anaqueles.

La enseñanza para otras marcas de consumo masivo es clara. La ventaja competitiva ya no depende únicamente de imaginar el próximo gran producto, sino de identificar qué prácticas espontáneas muestran suficiente tracción para transformarse en una oferta comercial escalable.

El cambio estratégico detrás de las dirty sodas

Más allá del lanzamiento de nuevos sabores, el movimiento de PepsiCo representa un cambio en la lógica de innovación.

Las dirty sodas no comunican simplemente una idea. Diseñan un comportamiento que ya existía entre consumidores y lo trasladan a un formato mucho más accesible.

La compañía reduce la fricción del proceso: en lugar de comprar varios ingredientes y preparar la bebida, el consumidor encuentra la experiencia completa en un solo envase.

Ese patrón estratégico aparece con frecuencia en categorías donde las redes sociales funcionan como un espacio permanente de experimentación. Los usuarios prueban recetas, personalizan productos y validan tendencias antes de que las grandes empresas intervengan.

Para las marcas latinoamericanas, el aprendizaje va más allá de la industria de bebidas. Las conversaciones digitales pueden funcionar como un sistema de investigación de mercado en tiempo real.

Observar cómo los consumidores adaptan un producto, qué modificaciones realizan y cuáles generan mayor interacción puede ofrecer información más valiosa que desarrollar conceptos completamente desde cero.

En ese contexto, PepsiCo demuestra que una tendencia nacida entre videos caseros puede convertirse en una nueva oportunidad de negocio cuando existe capacidad para industrializarla, distribuirla a gran escala y respaldarla con una estrategia de marketing capaz de mantener viva la conversación que le dio origen.

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Toblerone Swarovski: la colaboración que convierte un chocolate en una pieza de lujo

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• Toblerone y Swarovski crearon una barra de cristal que se subastará durante julio en aeropuertos de distintos países para recaudar fondos con fines benéficos.
• La iniciativa combina lujo, marketing experiencial y marketing con causa para generar conversación más allá del producto.
• El caso refleja una tendencia creciente: las marcas de consumo buscan alianzas inesperadas para ampliar su alcance y fortalecer su posicionamiento.

Una barra de Toblerone completamente elaborada con cristal parece más cercana a una vitrina de joyería que al anaquel de una tienda de chocolates.

Sin embargo, esa es precisamente la apuesta de Mondelēz International y Swarovski, que presentaron una pieza única como parte de una campaña global destinada a recaudar fondos para organizaciones benéficas mediante subastas en aeropuertos de distintos países.

La pieza, denominada “The Ultimate Gift”, estará disponible durante julio en terminales aéreas participantes. El cien por ciento de lo recaudado en cada subasta se destinará a la organización benéfica asociada con cada aeropuerto.

Más que lanzar una edición limitada para el consumidor, la marca diseñó una experiencia que convierte un producto cotidiano en un objeto de colección capaz de atraer atención mediática y conversación en redes sociales.

La colaboración entre Toblerone y Swarovski también evidencia cómo las marcas de consumo masivo modifican sus estrategias de marketing. En lugar de competir únicamente mediante nuevos sabores o empaques, buscan crear experiencias memorables que amplíen el valor simbólico de sus productos.

De un chocolate a un objeto de colección

La campaña parte de un contraste evidente. Toblerone es uno de los chocolates más reconocidos del mercado internacional por su característica forma triangular y su fuerte presencia en el retail aeroportuario.

Swarovski, por su parte, construyó su reputación alrededor del cristal de lujo y los artículos decorativos.

La unión entre ambas compañías transforma un producto cotidiano en una pieza exclusiva cuyo principal valor no reside en el consumo, sino en la experiencia que genera alrededor de la marca.

La estrategia también incorpora un componente de marketing con causa. Cada aeropuerto vincula la subasta con una organización benéfica local, de modo que la iniciativa conecta el prestigio de ambas marcas con un propósito social.

Esa decisión amplía el alcance de la campaña y ofrece nuevos motivos para que viajeros, medios de comunicación y creadores de contenido hablen de la colaboración.

Más allá del objeto, la campaña diseña un comportamiento. La propuesta invita a los viajeros a participar en una subasta, compartir la experiencia y convertir una compra potencial en un acontecimiento.

El mensaje existe, pero el verdadero valor estratégico aparece cuando el público interactúa con la iniciativa y multiplica su alcance mediante conversaciones y publicaciones.

 

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Las colaboraciones inesperadas se convierten en una estrategia de marketing

Durante años, las alianzas entre marcas se concentraban en empresas de una misma categoría. Hoy la lógica cambió. Las compañías buscan socios capaces de aportar atributos distintos para generar experiencias que llamen la atención en mercados saturados.

El caso de Toblerone y Swarovski combina tres tendencias que ganan fuerza: la premiumización, el marketing experiencial y el marketing con causa. La barra de cristal funciona como un símbolo de exclusividad, mientras la mecánica de subastas convierte la campaña en un evento y el componente benéfico fortalece la narrativa de la colaboración.

Para las marcas latinoamericanas, el aprendizaje va más allá del presupuesto. La iniciativa demuestra que una colaboración puede construir valor cuando une universos distintos bajo una idea coherente.

La clave no consiste en elegir un socio inesperado por el simple efecto sorpresa, sino en encontrar un punto de encuentro que resulte relevante para la audiencia y genere participación.

• La campaña se llama “The Ultimate Gift”.
• Fue desarrollada por el equipo de Mondelēz World Travel Retail (WTR) para la marca Toblerone.
• La activación se ejecuta en alianza con Swarovski y con retailers como Avolta, Dubai Duty Free, Qatar Duty Free, Fraport-Gebr. Heinemann, FNA Group International y GMR Delhi Duty Free, dependiendo del aeropuerto.

Otras 2 alianzas que demostraron que las categorías ya no son un límite

Uno de los ejemplos más llamativos llegó con la colaboración entre M&M’s y NYX Professional Makeup. La marca de chocolates trasladó su identidad visual al mundo de la belleza mediante una colección de maquillaje inspirada en los colores y el universo gráfico de sus productos.

La campaña no pretendía aumentar el consumo de chocolates de forma directa. Su objetivo consistió en mantener vigente la marca dentro de conversaciones culturales relacionadas con el maquillaje y el estilo de vida.

Al ingresar en una categoría completamente distinta, M&M’s amplió su presencia entre consumidores que quizá no interactuaban con la marca en el punto de venta tradicional.

Otro caso destacado fue la alianza entre Heinz y Absolut para lanzar una edición especial de salsa para pasta inspirada en la popular receta de pasta con vodka que se volvió viral en redes sociales.

Aunque el producto no buscaba competir con bebidas alcohólicas, aprovechó una conversación ya instalada entre los consumidores para convertir una tendencia digital en un lanzamiento físico.

La estrategia permitió que ambas compañías obtuvieran exposición en medios especializados, redes sociales y plataformas gastronómicas sin depender exclusivamente de campañas publicitarias tradicionales. El producto funcionó como un detonador de conversación y reforzó el posicionamiento de ambas marcas dentro de un contexto cultural ampliamente reconocido.

Lo que enseña Toblerone Swarovski sobre el futuro del marketing

La colaboración entre Toblerone y Swarovski confirma que muchas campañas actuales ya no buscan únicamente impulsar ventas inmediatas. También aspiran a generar cobertura mediática, fortalecer el posicionamiento y construir experiencias que el público quiera compartir.

En este escenario, el producto deja de ser el único protagonista y se convierte en el vehículo para contar una historia, conectar con nuevas audiencias y extender el valor de la marca hacia territorios donde antes parecía imposible competir.

La iniciativa también refleja una transformación más amplia dentro del marketing de consumo. Las colaboraciones entre empresas de alimentos, lujo, belleza, entretenimiento o moda dejan de ser excepciones para convertirse en herramientas capaces de diferenciar a las marcas en mercados cada vez más competidos.

Cuando la creatividad se combina con una ejecución coherente y un propósito claro, incluso una barra de chocolate puede transformarse en una pieza de colección que trasciende su categoría.

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• Marcas de bebidas apuestan por sabores poco convencionales para captar nuevos consumidores.
• Los formatos RTD y las presentaciones individuales amplían las ocasiones de consumo.
• Los lanzamientos reflejan una estrategia de innovación basada en la diferenciación y la conveniencia.

Las bebidas de sabores inusuales comienzan a ocupar un lugar cada vez más visible en la estrategia de innovación de fabricantes de refrescos, destilados y bebidas listas para tomar.

En un mercado donde la competencia por la atención del consumidor es cada vez mayor, las marcas recurren a combinaciones inesperadas, nuevos formatos y propuestas que buscan despertar curiosidad antes incluso del primer sorbo.

Los lanzamientos registrados durante el verano de 2026 muestran cómo la industria explora territorios que hace algunos años parecían reservados para nichos de consumo.

Agua mineral con sabor a pepinillo, tequila infusionado con piña, un calimocho listo para beber y una presentación individual de licor de chocolate forman parte de una misma tendencia: ampliar las ocasiones de consumo mediante propuestas diferentes y fáciles de incorporar al día a día.

No son los únicos, en Merca2.0 te estamos contando sobre estos lanzamientos todos los meses.

La experimentación con sabores deja de ser un nicho

Uno de los casos más llamativos corresponde a Yew, una marca británica de agua mineral con gas que presentó una versión con sabor a pepinillo. La bebida combina agua de manantial carbonatada con notas de pepinillo en salmuera, pepino y eneldo, sin azúcar, sin edulcorantes y sin calorías.

La empresa comenzó su distribución exclusiva en Planet Organic y planea ampliar su presencia comercial durante los próximos meses.

En la categoría de destilados, Tequila Cazadores amplió su portafolio con Pineapple Infused Tequila, una variante elaborada con tequila blanco 100% agave y sabor a piña. La marca busca atraer tanto a consumidores tradicionales como a quienes prefieren perfiles frutales para preparar cocteles o consumir la bebida de manera más casual en casa.

Por su parte, la empresa estadounidense Little Sun trasladó al formato RTD una bebida tradicional española: el calimocho. 

Su propuesta mezcla vino de California con refresco de cola o con soda de limón, según la versión, para ofrecer una alternativa de baja graduación alcohólica dirigida a reuniones informales y consumidores interesados en bebidas listas para tomar.

Baileys también apostó por un nuevo formato con Chocolate Minis, una presentación individual de 100 mililitros de su licor de chocolate. La compañía busca responder al crecimiento de las compras por impulso y al interés por porciones pequeñas que facilitan el consumo ocasional sin renunciar a un posicionamiento premium.

Más que nuevos sabores, las marcas buscan nuevas ocasiones de consumo

Aunque los cuatro lanzamientos pertenecen a categorías distintas, comparten una misma lógica de negocio. Las compañías ya no compiten únicamente mediante nuevos ingredientes; también diseñan productos que se adapten a diferentes momentos de consumo.

Los formatos RTD continúan creciendo porque eliminan la preparación previa y facilitan el consumo en reuniones, eventos o actividades al aire libre.

De la misma manera, las presentaciones individuales permiten ampliar los puntos de venta, favorecer la compra por impulso y ofrecer alternativas para consumidores que buscan moderación sin dejar de adquirir productos premium.

La innovación también se apoya en referencias gastronómicas familiares. El pepinillo, la piña o el calimocho son sabores que ya forman parte de la cultura alimentaria en distintos mercados.

Al trasladarlos al universo de las bebidas, las marcas generan curiosidad sin recurrir a ingredientes completamente desconocidos.

La innovación en bebidas evoluciona hacia experiencias memorables

Estos lanzamientos también muestran una transformación en la manera de diferenciar productos dentro de categorías saturadas.

En lugar de comunicar únicamente beneficios funcionales, muchas marcas convierten el propio sabor en un elemento de conversación que impulsa la prueba del producto y aumenta su visibilidad tanto en tiendas como en redes sociales.

Para las marcas latinoamericanas, esta tendencia ofrece una enseñanza relevante. La innovación ya no depende exclusivamente de desarrollar ingredientes inéditos. También consiste en reinterpretar sabores conocidos, adaptar formatos a nuevas ocasiones de consumo y facilitar experiencias que respondan a estilos de vida donde la conveniencia y la curiosidad tienen un peso cada vez mayor.

La combinación de bebidas de sabores inusuales, formatos listos para tomar y presentaciones individuales refleja una evolución que probablemente seguirá extendiéndose durante los próximos años.

Más allá del agua con pepinillo, el tequila con piña, el calimocho en lata o los licores en formato mini, la industria parece orientarse hacia productos capaces de sorprender al consumidor mientras amplían las posibilidades de consumo dentro y fuera del hogar.

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• La última campaña publicitaria de Lego reemplaza los anuncios tradicionales por una exhibición de las 4,104 piezas del nuevo set Technic.
• La activación demuestra cómo el proceso de construcción puede convertirse en el mensaje principal de una estrategia de marketing.
• El proyecto se suma a otras experiencias globales de LEGO, como sus autos funcionales de Fórmula 1 y construcciones a escala real.

Cuando una marca presume ingeniería, mostrar el resultado final suele ser suficiente. LEGO eligió el camino contrario. En vez de presentar únicamente el modelo terminado de su nuevo LEGO Technic Koenigsegg Sadair’s Spear, decidió exhibir cada una de las 4,104 piezas que permiten construirlo.

La campaña publicitaria Lego convirtió dos estaciones del metro de Shanghái en una galería dedicada a la ingeniería.

En lugar de utilizar publicidad exterior convencional, la marca ocupó los espacios con instalaciones que descomponen el vehículo pieza por pieza para revelar la complejidad del diseño tanto del automóvil como del set. Es un ejemplo de cómo el propio producto puede asumir el papel del anuncio.

El lanzamiento acompaña al nuevo LEGO Technic Koenigsegg Sadair’s Spear, una reproducción a escala 1:8 del hiperdeportivo sueco.

El vehículo real cuenta con apenas 30 unidades homologadas para circular y desarrolla hasta 1,625 caballos de fuerza gracias a un motor V8 biturbo y a la transmisión Light Speed desarrollada por Koenigsegg.

Cuando el proceso de construcción se convierte en el mensaje

Las instalaciones se distribuyen en dos estaciones estratégicas de Shanghái.

En West Nanjing Road Station, cuatro soportes consecutivos explican distintos componentes del automóvil, desde el motor hasta la suspensión Triplex y la carrocería aerodinámica, antes de mostrar el modelo completo.

Mientras tanto, en Lujiazui Station, los usuarios encuentran las 4,104 piezas originales desplegadas junto al vehículo ensamblado. La comparación permite comprender la complejidad del proyecto y convierte un trayecto cotidiano en una experiencia de marca.

La instalación fue desarrollada por un equipo de 15 constructores durante 26 días y requirió más de 3,000 horas de trabajo.

En vez de esconder el esfuerzo detrás del producto terminado, LEGO decidió exhibirlo. Ese cambio de perspectiva representa uno de los principales aciertos de la campaña.

Cortesía: LEGO.

La creatividad deja de comunicar para diseñar una experiencia

Más que comunicar una idea, esta campaña diseña un comportamiento.

El público no recibe un mensaje tradicional sobre calidad o innovación. La instalación invita a detenerse, recorrer las piezas, identificar componentes mecánicos y reconstruir mentalmente el automóvil. La interacción nace de la curiosidad.

Ese planteamiento refleja una tendencia cada vez más frecuente en el marketing contemporáneo: las marcas generan experiencias que permiten descubrir el producto en lugar de explicarlo mediante un eslogan.

Para las marcas latinoamericanas, el aprendizaje resulta claro. Los presupuestos elevados ayudan, pero la lógica puede adaptarse a múltiples escalas. El principio consiste en transformar el producto en el protagonista de la experiencia y utilizar el medio como parte del relato.

En campañas publicitarias, los mejores ejemplos suelen surgir cuando el soporte deja de ser un espacio para colocar un anuncio y pasa a formar parte de la historia.

En este caso, el metro deja de funcionar como un inventario de publicidad exterior y se convierte en una extensión del propio set de LEGO Technic.

Una estrategia global que convierte los productos en espectáculos

La activación de Shanghái forma parte de una estrategia internacional en la que LEGO busca llevar sus construcciones fuera de las tiendas y convertirlas en acontecimientos públicos.

Uno de los ejemplos más visibles ocurrió durante el Gran Premio de Miami de Fórmula 1 en 2025. Como parte de su alianza con la máxima categoría del automovilismo, la compañía construyó diez monoplazas funcionales a escala casi real, uno para cada escudería.

Cada vehículo incorporó cerca de 400,000 ladrillos y fue conducido por los propios pilotos durante el tradicional desfile previo a la carrera, sustituyendo el habitual camión que los transportaba alrededor del circuito.

La acción convirtió un protocolo deportivo en un contenido ampliamente compartido en redes sociales y reforzó la asociación entre ingeniería, entretenimiento y construcción.

Otro caso reciente fue la construcción de una versión a tamaño real del propio Koenigsegg Sadair’s Spear elaborada con piezas LEGO Technic para presentarse en el Goodwood Festival of Speed, en Reino Unido.

El vehículo fue conducido por Markus Lundh, piloto de pruebas de Koenigsegg, reforzando la autenticidad del proyecto y demostrando que el lanzamiento trascendía el juguete para insertarse en la conversación del automovilismo de alto desempeño.

Las tres acciones comparten el mismo patrón estratégico. LEGO evita limitarse a promocionar un producto nuevo.

En cambio, convierte cada lanzamiento en una demostración pública de creatividad, ingeniería y capacidad de construcción. El mensaje ya no depende exclusivamente de la publicidad; surge de la experiencia que las personas pueden observar, fotografiar y compartir.

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• Corea del Sur convirtió la cultura en un activo económico con efectos sobre múltiples industrias.
• La Hallyu fortaleció la percepción global del país y elevó el valor de empresas como Samsung, Hyundai y LG.
• El caso confirma que una marca país se construye con reputación, cultura e innovación, más que con campañas de promoción.

Una adolescente escucha a BTS en Spotify. Esa misma noche mira un capítulo de Squid Game en Netflix. Al día siguiente compra una crema facial coreana que descubrió en TikTok y, semanas después, prueba por primera vez un ramen importado desde Seúl.

A simple vista, cada decisión parece independiente. Sin embargo, todas forman parte de un mismo fenómeno: la construcción de la marca país Corea.

La mayoría de los países intenta vender productos al mundo. Corea del Sur consiguió algo mucho más complejo. Primero despertó el interés global por su cultura y, con el paso de los años, esa afinidad terminó beneficiando a industrias tan diversas como la tecnología, la cosmética, la gastronomía, el turismo y los automóviles.

Ese proceso fue el resultado de una estrategia sostenida durante décadas que convirtió a la cultura en uno de los activos económicos más valiosos del país.

De potencia industrial a referente cultural

Durante buena parte de las décadas de 1980 y 1990, Corea del Sur era identificada principalmente por su capacidad manufacturera. Sus exportaciones estaban dominadas por productos electrónicos, automóviles, acero y construcción naval.

Empresas como Samsung y Hyundai consolidaban su crecimiento internacional, aunque el país todavía no despertaba una conexión emocional entre los consumidores.

La crisis financiera asiática de 1997 modificó parte de esa visión. El gobierno comenzó a considerar a las industrias culturales como un sector estratégico para diversificar la economía y fortalecer la competitividad internacional.

Organismos como la Korea Creative Content Agency (KOCCA) y el Ministerio de Cultura, Deportes y Turismo impulsaron políticas para estimular la producción audiovisual, la música, la animación, los videojuegos y otras industrias creativas. La apuesta no se limitaba al entretenimiento. Buscaba construir una nueva percepción internacional del país.

La llamada Hallyu, conocida como la Ola Coreana, avanzó por etapas. Primero llegaron los dramas televisivos que conquistaron distintos mercados asiáticos.

Después apareció el K-pop con grupos como BTS y BLACKPINK. Más adelante, el cine ganó prestigio internacional con Parasite y las plataformas de streaming ampliaron el alcance global de series como Squid Game, Extraordinary Attorney Woo y All of Us Are Dead.

Cada éxito fortalecía al siguiente. La cultura comenzaba a funcionar como un ecosistema capaz de alimentar la reputación del país.

La cultura como estrategia de marketing

El mayor aprendizaje del caso coreano no está en una serie o en un grupo musical. Está en la forma en que todas las industrias comenzaron a reforzar una misma identidad.

Series, películas, música, moda, gastronomía, turismo, idioma, cosmética y tecnología terminaron proyectando una imagen coherente de Corea del Sur ante millones de consumidores.

Ese fenómeno produjo un efecto poco habitual en marketing: la transferencia de reputación.

Muchas personas descubren Corea por una serie. Después prueban comida coreana. Más tarde compran productos de K-Beauty, escuchan música, consideran visitar el país y, finalmente, perciben con mejores ojos a empresas tecnológicas o fabricantes de automóviles nacidos allí.

La reputación cultural actúa como un puente entre industrias que, en apariencia, no guardan relación directa.

Ese proceso también explica el crecimiento internacional del K-Beauty. Marcas como Laneige, COSRX, Beauty of Joseon e Innisfree expandieron su presencia global en un contexto donde el origen coreano dejó de ser un dato secundario para convertirse en un atributo valorado por los consumidores.

Lo mismo ocurre con compañías como Samsung Electronics, Hyundai Motor Company, Kia y LG Electronics. Aunque construyeron su prestigio mediante innovación y desarrollo tecnológico, hoy también se benefician de una percepción positiva asociada al país de origen.

Netflix desempeñó un papel relevante en esta expansión. Su distribución global permitió que producciones coreanas llegaran simultáneamente a mercados donde antes tenían una presencia limitada, ampliando el alcance de la cultura coreana entre nuevas audiencias.

Soft power y nation branding

El fenómeno encuentra respaldo en dos de las teorías más influyentes sobre reputación internacional.

El politólogo Joseph Nye definió el concepto de soft power para explicar cómo algunos países ejercen influencia a través del atractivo cultural, los valores y la capacidad de generar admiración, en lugar de depender exclusivamente del poder económico o militar.

Corea del Sur aparece con frecuencia como uno de los ejemplos contemporáneos más claros de esa lógica. Su influencia internacional creció al mismo tiempo que aumentaba el consumo de su música, sus series, su cine y otros productos culturales.

Por su parte, Simon Anholt, uno de los principales especialistas en nation branding, sostiene que una marca país no se construye mediante publicidad institucional. Depende de factores como la cultura, la innovación, las políticas públicas, el turismo, las empresas y la reputación internacional.

El caso coreano parece confirmar esa idea. La percepción positiva del país surgió de un conjunto de acciones coordinadas durante décadas y no de una única campaña de comunicación.

Para las marcas latinoamericanas, el aprendizaje trasciende el caso de Corea del Sur. La afinidad cultural puede convertirse en un activo económico cuando existe una estrategia consistente que conecta distintas industrias bajo una misma narrativa de calidad, innovación y creatividad.

Durante años, muchas empresas buscaron construir marcas capaces de generar vínculos emocionales con sus consumidores. Corea del Sur consiguió algo todavía más ambicioso: transformar a un país entero en una marca cultural.

Cuando eso pasa, la reputación deja de beneficiar a un solo producto y comienza a extenderse hacia industrias completas, desde la tecnología hasta la cosmética, el turismo y la gastronomía.

Ese proceso explica por qué la cultura puede convertirse en una ventaja competitiva con efectos económicos que perduran durante décadas.

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• ¿Por qué eligieron a Los Simpson para la colaboración más ambiciosa dentro de Monopoly Go?
• El concepto de “universo compartido” va más allá del licensing tradicional y apuesta por crear experiencias originales para los usuarios.
• El caso ofrece ejemplos útiles para las marcas latinoamericanas que buscan colaboraciones con mayor impacto.

La colaboración de marcas dejó de consistir en colocar un logotipo o incorporar personajes populares dentro de una campaña. En la industria del entretenimiento y los videojuegos, el siguiente paso consiste en construir experiencias donde dos universos narrativos conviven y generan historias nuevas.

Ese es el principio que Scopely, una empresa estadounidense de desarrollo y publicación de videojuegos para dispositivos móviles, utilizó para desarrollar la alianza entre Monopoly Go y Los Simpson.

La colaboración representa el regreso de la familia de Springfield al gaming móvil después de más de 13 años. Sin embargo, el verdadero valor del proyecto no está en ese dato, sino en la estrategia que permitió integrar dos propiedades intelectuales con identidades muy distintas sin perder la esencia de ninguna.

Eric Wood, vicepresidente senior de Publishing de Scopely, explicó a LG que la empresa parte de una pregunta antes de firmar cualquier acuerdo: ¿los jugadores realmente disfrutarán esta experiencia? Si la respuesta depende únicamente del reconocimiento de una marca, la colaboración pierde sentido.

¿Qué significa el “universo compartido” en una colaboración de marcas?

Para Scopely, un universo compartido implica tratar la alianza como un proyecto creativo y no como un contrato de licencia.

En lugar de incorporar personajes de Los Simpson dentro de Monopoly Go como simples invitados, ambos equipos desarrollaron una narrativa inédita donde las dos franquicias interactúan de manera natural.

Uno de los ejemplos más claros aparece en el material de lanzamiento. En vez de producir un anuncio convencional, Scopely trabajó junto con el equipo creativo de Los Simpson para desarrollar una pieza con el estilo de un episodio de la serie.

La historia enfrenta a Mr. Burns con Mr. Monopoly en una rivalidad entre dos magnates, algo que no existía dentro del universo original de ninguna de las franquicias.

La diferencia parece sutil, pero modifica por completo el objetivo de la colaboración de marcas. Ya no se trata de utilizar la popularidad de una propiedad intelectual para atraer audiencia. La estrategia consiste en crear contenido que sólo pueda existir gracias a la unión de ambas marcas.

El licensing evoluciona hacia experiencias originales

Durante muchos años, el licensing funcionó como un intercambio relativamente sencillo. Una empresa cedía el uso de sus personajes, mientras otra los incorporaba en productos, promociones o campañas publicitarias.

Hoy esa lógica comienza a cambiar.

Según Wood, los jugadores distinguen rápidamente cuándo una colaboración es una simple superposición de marcas y cuándo existe una integración auténtica. Esa experiencia llevó a Scopely a desarrollar proyectos donde las propiedades intelectuales participan en la historia, la mecánica del juego, los eventos especiales y las recompensas.

La estrategia también responde a una transformación del mercado del entretenimiento. Las franquicias buscan nuevas formas de fortalecer la relación con sus comunidades mediante experiencias participativas, especialmente en videojuegos móviles con millones de usuarios activos.

El resultado convierte a Monopoly Go en una plataforma donde marcas como Marvel, Star Wars, Hello Kitty y ahora Los Simpson encuentran oportunidades para ampliar sus narrativas sin depender únicamente de películas, series o productos licenciados.

Lo que esta estrategia enseña a las marcas latinoamericanas

El caso de Scopely comunica una idea, pero también diseña un comportamiento. La empresa no busca únicamente que los usuarios reconozcan una franquicia conocida. Pretende que interactúen con ella durante días mediante misiones, recompensas, colecciones y nuevas historias.

Ese cambio ofrece aprendizajes para las empresas latinoamericanas interesadas en desarrollar colaboraciones de marcas.

El primer aprendizaje consiste en priorizar la compatibilidad entre ambas identidades antes que la popularidad de los participantes.

Una alianza entre marcas conocidas no garantiza resultados si el consumidor percibe que la integración resulta forzada.

El segundo consiste en construir una narrativa compartida. Cuando ambas partes aportan elementos propios para desarrollar una experiencia nueva, la colaboración adquiere mayor credibilidad y genera conversaciones orgánicas.

Finalmente, el caso demuestra que el licensing evoluciona hacia un modelo donde la creatividad pesa tanto como el valor comercial de la propiedad intelectual.

Las colaboraciones más exitosas ya no funcionan como una activación temporal. Se convierten en productos culturales capaces de fortalecer el vínculo entre las marcas y sus comunidades.

Para Scopely, esa filosofía permitió desarrollar la colaboración más ambiciosa de Monopoly Go hasta la fecha y abrir una conversación sobre el futuro de las alianzas entre entretenimiento, videojuegos y marketing.

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• 7Up Pink llega a España con sabor lima-limón, frambuesa y una fórmula sin azúcar.
• PepsiCo acompaña el lanzamiento con una colaboración de marcas junto a Polarbox y una estrategia de comunicación 360°.
• El caso refleja cómo las marcas buscan apropiarse de momentos de consumo mediante alianzas y experiencias.

PepsiCo amplía el portafolio de 7Up en España con el lanzamiento de 7Up Pink, una nueva variedad sin azúcar que combina el tradicional sabor lima-limón con un toque de frambuesa.

Sin embargo, la novedad no se limita a un cambio de receta. La compañía construyó una estrategia de marketing alrededor del verano, apoyándose en el diseño del producto, una colaboración de marcas y una campaña integral para convertir el refresco en parte de una experiencia estacional.

Después de su paso por mercados como Reino Unido, Portugal, Francia y Chipre, la nueva bebida aterriza en España con una identidad visual completamente distinta a la gama tradicional de 7Up.

El color rosa domina tanto el empaque como la comunicación de la marca y busca asociarse con escenarios de ocio como festivales, playas, piscinas o reuniones al aire libre.

La propuesta responde a una tendencia cada vez más frecuente dentro de la industria de bebidas: utilizar extensiones de línea para generar conversación y captar nuevos consumidores sin modificar el posicionamiento principal de la marca.

La colaboración de marcas convierte un lanzamiento en una experiencia

Uno de los elementos más interesantes del lanzamiento es la alianza entre 7Up y la empresa española Polarbox, fabricante de neveras portátiles con una fuerte presencia en redes sociales gracias a su diseño retro y su propuesta enfocada en actividades al aire libre.

Como parte de la colaboración de marcas, ambas compañías desarrollaron una edición limitada de la nevera “Pink Polarbox”, inspirada en los tonos del nuevo refresco y en los colores de los atardeceres de verano.

El producto podrá conseguirse mediante una promoción en redes sociales durante las próximas semanas.

La estrategia amplía el territorio de la marca más allá del punto de venta. En lugar de concentrarse exclusivamente en comunicar un nuevo sabor, PepsiCo incorpora un objeto asociado con el consumo del refresco y con actividades propias de la temporada estival.

La acción diseña un comportamiento de consumo y fortalece la presencia de 7Up en momentos cotidianos de convivencia.

La campaña también incluye publicidad digital, acciones con influencers y creadores de contenido, además de visibilidad en supermercados, hipermercados y tiendas de conveniencia, con el objetivo de mantener una presencia consistente durante todo el recorrido del consumidor.

El verano se convierte en un activo de branding

Cada vez más marcas buscan apropiarse de momentos específicos del calendario para construir vínculos emocionales con sus audiencias. En este caso, el verano deja de ser únicamente una temporada de mayor consumo para convertirse en parte de la identidad del producto.

El color rosa, la comunicación visual y la asociación con experiencias al aire libre funcionan como códigos que ayudan a diferenciar la nueva variedad dentro de una categoría donde los atributos funcionales suelen ser muy similares.

La estrategia también responde al crecimiento de consumidores que buscan novedades sin abandonar marcas conocidas.

En lugar de desarrollar una identidad completamente nueva, PepsiCo aprovecha el reconocimiento de 7Up para introducir una propuesta con una estética diferente, manteniendo elementos familiares como el perfil cítrico y la ausencia de azúcar.

Desde la compañía señalaron que el objetivo consiste en conectar con consumidores que buscan nuevas formas de disfrutar distintos momentos del día mediante una combinación de sabor, diseño contemporáneo y una experiencia visual diferente.

Dos ejemplos que muestran el auge del co-branding

El lanzamiento de 7Up Pink forma parte de una tendencia que gana espacio entre las grandes compañías de consumo masivo.

Uno de los ejemplos más comentados fue la colaboración entre Coca-Cola y Oreo. Ambas marcas desarrollaron una edición especial de Coca-Cola Zero Sugar inspirada en las galletas Oreo y una versión de Oreo con notas del refresco.

La iniciativa incluyó empaques especiales, campañas digitales y activaciones internacionales que transformaron dos productos ampliamente conocidos en una conversación global.

Más allá de la innovación en sabor, la estrategia demostró que el co-branding puede revitalizar marcas consolidadas mediante experiencias limitadas y altamente compartibles en redes sociales.

Otro caso reciente corresponde a Heinz y Absolut. Las compañías lanzaron una salsa para pasta con vodka inspirada en la receta Penne alla Vodka, aprovechando una preparación que ganó popularidad en plataformas digitales.

La edición limitada unió dos categorías diferentes bajo un mismo relato gastronómico y convirtió una tendencia cultural en una oportunidad comercial. El proyecto confirmó que las colaboraciones funcionan mejor cuando ambas marcas comparten valores y ofrecen una propuesta coherente para el consumidor.

Diseñar experiencias

En ese contexto, la alianza entre 7Up y Polarbox sigue una lógica similar. El mensaje principal no consiste únicamente en comunicar un nuevo refresco.

La estrategia diseña una experiencia alrededor del verano mediante un producto complementario, una identidad visual diferenciada y una campaña omnicanal que conecta el consumo con momentos de ocio.

El aprendizaje también resulta aplicable para América Latina, donde las colaboraciones entre marcas evolucionan de acciones promocionales aisladas hacia plataformas capaces de generar conversación, fortalecer el branding y extender el territorio de una marca más allá de su categoría tradicional.

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• HSBC lanzó una campaña llamada “¿Y si sí?” en México varios años antes de que la frase se hiciera viral.
• El Mundial 2026 transformó esa expresión en un fenómeno cultural con más de 7 mil millones de impresiones potenciales.
• El caso plantea una pregunta para el marketing: ¿qué debe hacer una marca cuando la conversación pública recupera una idea que ya utilizó?

Mientras la frase “¿Y si sí?” domina las redes sociales, los memes y las conversaciones alrededor de la Selección Mexicana, existe un antecedente que pocos recuerdan. Entre 2022 y 2023, años antes de que el Mundial 2026 la convirtiera en un símbolo de esperanza para millones de aficionados, HSBC ya la utilizaba como eje de una campaña publicitaria en México.

El cambio de significado ocurrió en cuestión de días. Tras la victoria de México 2-0 sobre Ecuador en los dieciseisavos de final del Mundial 2026, “¿Y si sí?” dejó de ser una simple expresión para convertirse en el lema no oficial de la afición.

Datos de Emplifi publicados por Mercas2.0 muestran que la conversación alrededor del partido generó 19,429 menciones, más de 6.3 millones de interacciones y un alcance potencial superior a 7,059 millones de impresiones, cifras que colocaron a la frase entre los fenómenos digitales más comentados del torneo.

En ese contexto, la coincidencia con la antigua campaña de HSBC volvió a llamar la atención.

Lo que alguna vez fue un mensaje pensado para promover productos financieros terminó convertido en una expresión que millones de personas utilizan sin relacionarla con ninguna marca.

Cómo HSBC convirtió “¿Y si sí?” en una plataforma de marca

La campaña de HSBC apareció como parte de una estrategia para impulsar la portabilidad de nómina y promover el uso de productos financieros mediante incentivos económicos y beneficios para nuevos clientes.

La comunicación se apoyaba en una idea sencilla: muchas decisiones importantes comienzan cuando alguien se permite pensar que algo sí puede ocurrir.

En lugar de centrar el mensaje exclusivamente en promociones, la campaña utilizó una frase breve, optimista y fácil de recordar.

Wunderman Thompson presentó el proyecto como parte de una estrategia de marca enfocada en conectar con las aspiraciones de los consumidores, buscando que el banco se percibiera como un aliado para alcanzar objetivos personales más allá de los servicios financieros.

En ese contexto, “¿Y si sí?” funcionaba como una plataforma creativa con potencial para extenderse a distintas acciones de comunicación.

Cuando la cultura transforma una frase en un fenómeno

Lo interesante del caso es que la expresión terminó adquiriendo una dimensión completamente distinta sin intervención de HSBC.

Durante el Mundial 2026, aficionados, creadores de contenido y usuarios de redes sociales comenzaron a utilizar “¿Y si sí?” como una forma de expresar una ilusión compartida: la posibilidad de que México lograra una actuación histórica.

La magnitud del fenómeno también quedó reflejada en los datos de social listening. De acuerdo con Emplifi, el tema “¿Y si sí?” acumuló 6,495 menciones generadas por 1,419 autores únicos, produjo 1,679,967 interacciones y alcanzó un potencial de más de 505 millones de impresiones.

Marcas, medios y cuentas institucionales terminaron utilizando la expresión de manera orgánica, ampliando todavía más su alcance.

Ese comportamiento explica por qué la frase dejó de funcionar como un slogan. En términos de branding, pasó a convertirse en un código cultural: una expresión que cualquier persona puede utilizar sin pensar en su origen publicitario.

Cuando eso ocurre, el activo deja de pertenecer exclusivamente a la marca que la utilizó primero y comienza a generar nuevos significados impulsados por la conversación colectiva.

No se trata de que una campaña prediga el futuro. Se trata de que determinadas expresiones poseen una flexibilidad suficiente para adaptarse a escenarios completamente distintos cuando las personas las incorporan a su lenguaje cotidiano.

¿Puede una marca recuperar una frase que ya pertenece a la cultura?

El caso también abre una pregunta interesante para la industria publicitaria.

Ahora que “¿Y si sí?” volvió a instalarse en la conversación nacional, HSBC podría decidir recuperar esa plataforma de comunicación.

La ventaja sería evidente: la frase hoy posee un nivel de recordación y reconocimiento que ninguna campaña podría construir desde cero en tan poco tiempo.

Sin embargo, también existen riesgos. Después de semanas de circulación orgánica, muchos consumidores ya perciben la expresión como parte del lenguaje colectivo asociado al Mundial.

Si una marca intenta apropiarse nuevamente de ella sin aportar una idea nueva, la reacción podría interpretarse como oportunista.

El caso de HSBC ilustra uno de los escenarios más interesantes para cualquier estratega de marca. La institución financiera utilizó “¿Y si sí?” antes de que la frase alcanzara notoriedad masiva.

Hoy, el contexto es completamente distinto: millones de personas la identifican con el Mundial y con el momento que vive la Selección Mexicana. Más que volver a repetir un slogan, el desafío consistiría en dialogar con un significado que ya fue construido por la audiencia.

Para las marcas latinoamericanas, el caso deja una enseñanza interesante. En ocasiones, las campañas publicitarias crean códigos que desaparecen al terminar la inversión en medios. En otras, ocurre lo contrario: la cultura recupera una idea años después y le otorga una segunda vida completamente distinta de la que imaginó la marca cuando la lanzó.

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• Mattel incorpora, como te adelantamos en Merca2.0, a Miley Cyrus a la línea Barbie Signature con una muñeca inspirada en uno de sus looks más recientes.
• La colaboración forma parte de una estrategia que apuesta por artistas con influencia cultural y comunidades de coleccionistas.
• Barbie Signature se consolida como una plataforma de branding que trasciende el negocio tradicional del juguete.

La incorporación de Miley Cyrus a la familia Barbie Signature va más allá del lanzamiento de una nueva muñeca para coleccionistas. La decisión de Mattel refleja la evolución de una de sus franquicias más importantes hacia un modelo en el que el entretenimiento, la cultura pop y las licencias trabajan de manera conjunta para mantener vigente a la marca.

Como ya informó previamente Merca2.0 en “Mattel lanza muñeca Barbie de Miley Cyrus: así luce, precio y dónde la puedes comprar”, la figura reproduce uno de los looks que la cantante utilizó para promocionar su proyecto “Something Beautiful” y forma parte de la colección Black Label, dirigida al mercado de coleccionistas.

Sin embargo, el lanzamiento también permite entender la estrategia que la compañía desarrolla alrededor de Barbie Signature.

La muñeca está inspirada en el video musical “Golden Burning Sun”, donde Miley Cyrus aparece con un conjunto negro de piel sintética, chamarra con capucha, zapatillas de tacón y un micrófono, elementos que Mattel reprodujo con gran nivel de detalle para atraer tanto a los seguidores de la artista como al público especializado en figuras de colección.

Barbie Signature se convirtió en una plataforma de branding

Durante años, Barbie representó principalmente una línea de juguetes infantiles. Hoy, la marca funciona además como una plataforma de colaboración capaz de conectar con consumidores adultos, fanáticos de la cultura pop y coleccionistas.

La línea Barbie Signature ilustra esa transformación. Mattel utiliza estas ediciones para asociarse con celebridades que cuentan con una identidad visual reconocible, una trayectoria consolidada y comunidades de seguidores que trascienden generaciones.

En ese contexto, Miley Cyrus reúne varios atributos que fortalecen la propuesta de la marca. Su carrera combina música, televisión, moda y activismo, además de una constante capacidad para reinventar su imagen pública.

Esa versatilidad coincide con la evolución que Barbie busca comunicar desde hace varios años: una marca vinculada con la creatividad, la diversidad y la expresión personal.

La propia cantante explicó que trabajó junto con el equipo de diseño para cuidar cada elemento de la muñeca, desde el peinado hasta el maquillaje y los accesorios, con el objetivo de representar fielmente el look elegido para esta edición.

Mattel construye una colección de figuras con valor cultural

La Barbie de Miley Cyrus forma parte de una estrategia mucho más amplia.

En los últimos meses, Mattel fortaleció Barbie Signature mediante colaboraciones con artistas que mantienen una influencia cultural incluso décadas después del inicio de sus carreras.

Entre ellas figura Kylie Minogue, cuya muñeca se inspira en la etapa de “Padam Padam”, uno de los mayores regresos recientes del pop.

También lanzó una Barbie dedicada a Mariah Carey, retomando la estrecha relación entre la cantante y la temporada navideña, además de una edición en honor a Aaliyah para reconocer el legado que dejó en la música y la moda.

La estrategia también incluye a Stevie Nicks, integrante de Fleetwood Mac, cuya presencia dentro de Barbie Signature conecta con un público adulto que valora tanto la música como el coleccionismo.

Incluso Mattel comenzó a extender este modelo hacia personajes masculinos. En 2025 presentó una figura inspirada en LeBron James dentro de la línea Ken, ampliando el alcance de la marca hacia referentes deportivos con fuerte impacto cultural.

En todos los casos, la empresa selecciona figuras que cuentan con comunidades de seguidores consolidadas, lo que incrementa el interés tanto por parte de los fanáticos como del mercado de coleccionistas.

El coleccionismo se vuelve una estrategia de marketing

Más que vender una muñeca, Mattel desarrolla productos que funcionan como objetos de colección y fortalecen el posicionamiento de Barbie durante todo el año.

Las colaboraciones con celebridades permiten que la marca genere conversación en redes sociales, llegue a nuevas audiencias y aproveche el alcance de artistas cuya imagen mantiene vigencia internacional.

Además, este tipo de lanzamientos contribuye a diversificar los ingresos mediante productos de edición limitada con un mayor valor percibido que las líneas tradicionales.

La Barbie de Miley Cyrus representa precisamente ese modelo. La muñeca no está dirigida exclusivamente al público infantil; también busca atraer a consumidores adultos interesados en la cultura pop, seguidores de la cantante y coleccionistas que ven en estas ediciones piezas con potencial de conservación.

Con Barbie Signature, Mattel demuestra que las licencias ya no funcionan únicamente como un complemento del negocio del juguete. Se convirtieron en una herramienta para fortalecer la marca, ampliar su presencia cultural y mantener vigente a Barbie mediante colaboraciones con figuras cuya influencia trasciende la industria del entretenimiento.

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Es cierto que los mundiales son cada cuatro años y que la fiebre del fútbol es tal que muchas cosas se olvidan. Recientemente, en una conferencia sobre tendencias de marketing, argumentaba que todas las críticas sobre la ejecución de los trabajos previos al Mundial saldrían por la ventana una vez que éste arrancara. Lo mismo ocurre con la discusión de si las cifras oficiales son verdaderas o no. Por ahora, a nadie parece importarle demasiado si fueron 5.5 millones de visitantes o solamente uno.

La pasión por el Mundial es suficiente para que las prioridades dejen de serlo, al menos durante unas semanas. Es cierto que, una vez que pase el evento, las cosas volverán a la normalidad, pero también se ha demostrado que ser patrocinador del torneo representa una ventaja y que hacer marketing bajo el cobijo de un contrato comercial ha rendido frutos entre los consumidores.

Cuando la conversación vale más que el patrocinio

Por otro lado, quedó claro que un evento de esta magnitud, capaz de despertar este nivel de pasión, no necesariamente requiere acceso garantizado.Más allá de las amenazas del ambush marketing, las marcas y, más importante aún, la afición demostraron que un “¿Y si sí?” resulta mucho más pegajoso que cualquier eslogan oficial.

Ese es un aprendizaje importante y muy poderoso en términos de marketing. Va mucho más allá de pensar que un genio creativo se apropió de una frase y la incorporó a la conciencia colectiva. La famosa expresión “¿Y si sí?” ha sido atribuida a muchos, pero muy probablemente fue acuñada por primera vez por el entonces director técnico de Pumas, Efraín Juárez, durante el Clausura 2026 de la Liga MX. En una entrevista con TUDN, al ser cuestionado sobre las posibilidades de su equipo, respondió: “¿Y si sí? ¿Y si Pumas sí es campeón?”.

La genialidad de los equipos de marketing consistió en adoptarla y convertirla en el eje de su comunicación. Muchos la utilizaron, pero pocos con la contundencia de Huevos San Juan. Vale la pena recordar que esta es la misma marca que lanzó las icónicas maletas inspiradas en sus cajas de cartón, una campaña que rendía homenaje a quienes viajaban utilizando cajas para transportar sus pertenencias. En pocas palabras, es una marca famosa por tener el pulso de la conciencia colectiva. AT&T hizo algo similar al sustituir las barras de señal de sus teléfonos por la frase “¿Y si sí?”.

El famoso remo vikingo de los aficionados noruegos es otro gran ejemplo. Las ideas que nacen de los consumidores, precisamente por su naturaleza espontánea, aglutinadora y masiva, terminan superando cualquier esfuerzo de patrocinio perfectamente organizado.

La fuerza de la conciencia colectiva

La lógica tradicional del marketing es sencilla: cuando una empresa desarrolla una campaña, busca que sea única, diferente y exclusiva. No le resto un ápice de valor a ese argumento. Sin embargo, hoy la pregunta sería distinta: ¿qué prefieres como marca? ¿Ser parte de la conversación de todo un país o tener tu propia campaña aislada?

La respuesta parece bastante evidente. No es casualidad que incluso algunas marcas patrocinadoras hayan terminado por incorporar el “¿Y si sí?” a su comunicación. Las campañas durante este Mundial demostraron que la conciencia colectiva puede ser mucho más poderosa que cualquier contrato de patrocinio. La legislación contra el ambush marketing simplemente no está diseñada para combatir este fenómeno, porque las marcas evitaron apropiarse del evento y, en cambio, decidieron apropiarse de la afición, de la pasión y del momento colectivo que vive el país.

Claro que esta estrategia también tiene límites. Si por alguna razón la Selección Mexicana queda eliminada, resulta muy difícil encontrar otro tren temático tan poderoso. La razón también es simple: la afición se atomiza, el concepto rector deja de ser la selección y pasa a ser la competencia entre equipos. Ahí ya no funcionan frases universales como las que han tenido éxito hasta ahora.

Algo parecido ocurre con estrategias como la de Levi’s, que decidió cubrir su logotipo de tal forma que únicamente la silueta de su característico tab rojo resultara visible, hasta intervenir la fachada de algunas de sus tiendas. En todos los casos la idea funcionó muy bien; sin embargo, una vez que pasa la euforia, ese recurso visual —como cualquier otro ligado al torneo— termina convirtiéndose en parte del paisaje.

Cannes confirma la tendencia

Al final, todos estos casos demuestran que la mercadotecnia es mucho más poderosa cuando logra conectar con el consumidor y saber interpretar correctamente las tensiones sociales. La creatividad deja de ser un ejercicio de ocurrencias para convertirse en la capacidad de entender qué siente una sociedad en un momento determinado.

No es casualidad que esa misma lógica haya sido reconocida hace apenas unos días en Cannes Lions 2026. Una de las campañas mexicanas más premiadas fue Welcome Back, Paisano, desarrollada por LePub para Tecate. Lo interesante no es el León de Oro ni el León de Plata; lo verdaderamente relevante es por qué los ganó.

La campaña parte de una tensión social evidente: el regreso de miles de mexicanos deportados que enfrentan enormes dificultades para reincorporarse al mercado laboral. En lugar de limitarse a realizar un homenaje o una campaña emocional, la marca decidió construir una plataforma de empleabilidad apoyándose en la red de tiendas SIX de Heineken México. Es decir, dejó de hablar del problema para convertirse en parte de la solución.

Si observan con detenimiento, es exactamente el mismo principio que explica el éxito de “¿Y si sí?”. En ambos casos las marcas entendieron que la conversación ya existía. No la inventaron, no la forzaron y tampoco intentaron apropiarse de ella; simplemente supieron leer el momento y aportar algo que conectaba con millones de personas.

Durante muchos años creímos que el gran marketing consistía en tener la mejor idea. Hoy empiezo a pensar que consiste en tener la sensibilidad para entender lo que ocurre a mi alrededor. Las ideas siguen siendo indispensables, pero sólo funcionan cuando nacen de una tensión social auténtica y no de un escritorio.

Quizá esa sea la mayor lección que nos deja este Mundial. Más allá de contratos de patrocinio, derechos exclusivos o leyes contra el ambush marketing, las campañas que realmente recordaremos serán aquellas que entendieron a la afición antes que al evento. Porque, al final, la conciencia colectiva siempre será más poderosa que cualquier contrato de patrocinio.

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• Los medios pueden multiplicar hasta por 1.78 las menciones de una marca en las respuestas de los LLM.
• El estudio analizó más de 40,000 respuestas generadas por ChatGPT, Gemini, Perplexity y AI Overview.
• La reputación de una marca ya también depende de las fuentes que utilizan los modelos de inteligencia artificial.

La irrupción de la inteligencia artificial generativa abrió un nuevo escenario para las marcas. Durante años, la reputación digital se construyó principalmente a partir de tres espacios: los medios de comunicación, los motores de búsqueda y las redes sociales.

Ahora, los modelos de lenguaje como ChatGPT, Gemini, Perplexity y AI Overview suman un cuarto territorio donde las empresas son descritas, comparadas, recomendadas o descartadas incluso antes de que un usuario visite su sitio web.

Ese cambio también modifica la forma en que las compañías deben trabajar su SEO para IA.

Un estudio elaborado por Good Rebels y Asesores concluye que los medios de comunicación mantienen un papel determinante en este nuevo ecosistema y, en algunos casos, pueden llegar a multiplicar por 1.78 las menciones de una marca dentro de las respuestas generadas por los modelos de inteligencia artificial.

La investigación analizó más de 40,000 respuestas obtenidas a partir de más de 10,000 prompts realizados en ChatGPT, Gemini, Perplexity y AI Overview, con el objetivo de identificar qué tipo de fuentes utilizan estos sistemas para construir sus respuestas y cómo influyen en la percepción de una marca.

El análisis introduce el concepto de reputación algorítmica, entendido como la imagen que los modelos de IA construyen de una empresa a partir de la información disponible en internet y de la autoridad que asignan a cada fuente consultada.

La reputación algorítmica abre un nuevo frente para las marcas

A diferencia del SEO tradicional, donde el objetivo principal consiste en posicionar una página entre los primeros resultados de un buscador, la IA generativa sintetiza información procedente de distintas fuentes para elaborar una respuesta única.

Esto significa que una empresa ya no depende exclusivamente de la calidad de su sitio web.

También influye la forma en que aparece retratada en medios, comparadores, publicaciones especializadas, plataformas corporativas y otros espacios digitales considerados confiables por los modelos.

El estudio muestra que cada plataforma sigue una lógica diferente. Perplexity concede un peso especialmente alto a las páginas corporativas y a los comparadores especializados.

AI Overview mantiene un comportamiento más cercano al posicionamiento orgánico tradicional de Google, mientras que Gemini selecciona con mayor cuidado las fuentes editoriales.

ChatGPT también presenta un comportamiento particular. Aunque suele ofrecer menos enlaces directos que otras herramientas, responde con especial sensibilidad a la presencia editorial. Según el análisis, cerca de una cuarta parte de sus respuestas incorpora referencias a medios de comunicación.

Estas diferencias evidencian que no existe una estrategia universal de SEO para IA. La visibilidad dependerá del modelo utilizado por el usuario, del tipo de consulta realizada y de las fuentes que cada sistema considere más confiables para responder.

Los medios recuperan protagonismo en la era de la IA

Uno de los hallazgos más relevantes del estudio es el peso que mantienen los medios de comunicación dentro de las respuestas generadas por los modelos de lenguaje.

Mientras los comparadores aportan datos funcionales y las páginas corporativas ofrecen la visión oficial de una empresa, los contenidos editoriales incorporan elementos que resultan especialmente valiosos para la inteligencia artificial: contexto, análisis, reputación, innovación, estrategia y opiniones de terceros.

En el sector bancario, la presencia en medios genera un multiplicador de 1.78 en las menciones de marca, el valor más alto registrado por la investigación. En seguros alcanza 1.64; en hoteles llega a 1.38 y en telecomunicaciones se ubica en 1.05.

Aunque la intensidad varía según la industria, el patrón se mantiene: las referencias editoriales ayudan a reforzar la autoridad de una marca dentro de los modelos de IA.

El informe también identifica un equilibrio entre distintos tipos de fuentes. En banca, por ejemplo, disponer de entre seis y ocho referencias diferentes permite elevar la probabilidad de aparecer en las respuestas hasta un rango de entre 61% y 68%.

La arquitectura más efectiva combina una página corporativa, varios comparadores especializados y una o dos referencias en medios de comunicación.

Esa mezcla reproduce el modelo clásico de una estrategia integrada de comunicación, donde los activos propios conviven con la validación de terceros.

Para las áreas de marketing y comunicación, el mensaje resulta claro: la cobertura editorial ya no influye únicamente sobre las personas que leen una noticia. También alimenta los sistemas de inteligencia artificial que responderán futuras consultas de millones de usuarios.

El SEO para IA exige una estrategia más amplia

Los resultados del estudio también anticipan un cambio en la manera en que las marcas deberían abordar su estrategia digital.

El SEO técnico continuará siendo una pieza importante, pero dejará de ser suficiente por sí solo.

La visibilidad dentro de los modelos de IA dependerá cada vez más de la capacidad de una empresa para construir autoridad en múltiples fuentes confiables.

En ese escenario, las relaciones públicas recuperan protagonismo. Las menciones editoriales aportan una validación independiente que difícilmente puede replicarse desde un sitio corporativo y, según el estudio, ese contexto adicional influye directamente en la forma en que los modelos describen a una marca.

La diversificación también cobra relevancia. Contar con presencia en medios, comparadores, investigaciones propias, contenidos especializados y plataformas corporativas aumenta las probabilidades de que una empresa sea considerada por los modelos cuando elaboran una respuesta.

Los medios de nicho pueden convertirse en aliados estratégicos

El estudio no diferencia entre medios generalistas y especializados, pero sus conclusiones permiten anticipar una tendencia relevante para el SEO para IA.

Si los modelos buscan fuentes con autoridad para responder consultas específicas, es razonable pensar que las publicaciones de nicho podrían ganar protagonismo en determinados sectores.

Un medio especializado en marketing, salud, turismo, tecnología o finanzas desarrolla durante años una profundidad temática que puede convertirlo en una referencia natural para responder preguntas relacionadas con esas industrias.

Para las marcas, esto representa una oportunidad de replantear sus estrategias de comunicación.

Más allá de buscar visibilidad en medios de gran alcance, también podrían fortalecer su presencia en publicaciones reconocidas por su especialización, donde el contexto, el análisis y la calidad editorial aportan señales de autoridad que los modelos de IA podrían considerar especialmente valiosas.

Al mismo tiempo, producir investigaciones propias, estudios sectoriales, informes y datos originales puede convertirse en otra ventaja competitiva.

Este tipo de contenidos alimenta el trabajo periodístico y amplía las posibilidades de que una marca sea citada por terceros, fortaleciendo su reputación algorítmica.

En definitiva, el SEO para IA comienza a integrar disciplinas que hasta hace poco funcionaban de manera independiente. El objetivo ya no consiste únicamente en aparecer entre los primeros resultados de un buscador, sino en convertirse en una fuente confiable dentro del ecosistema informativo que utilizan los modelos de inteligencia artificial para construir sus respuestas.

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• Authentic Brands Group incorpora a Ositos Cariñositos como parte de su estrategia de expansión en entretenimiento familiar.
• La franquicia tiene presencia en más de 190 países, opera en 26 idiomas y cuenta con más de 500 licenciatarios.
• La operación refleja el creciente valor de las propiedades intelectuales infantiles dentro del negocio global del licensing.

Authentic Brands Group amplía su portafolio con una de las franquicias infantiles más reconocidas del mundo. La compañía anunció un acuerdo definitivo para adquirir la propiedad intelectual de los Ositos Cariñositos (Care Bears), una operación con la que fortalece su presencia en el negocio del entretenimiento familiar y suma un activo con casi 45 años de historia.

Nacidos a principios de la década de 1980 como personajes de tarjetas de felicitación, los Ositos Cariñositos evolucionaron hasta convertirse en una franquicia global con más de 100 personajes, entre ellos Alegrosita, Divertosito y Gruñosito.

Actualmente, la marca llega a consumidores en más de 190 países, está disponible en 26 idiomas y desarrolla contenido para plataformas digitales, videojuegos, experiencias en vivo y proyectos cinematográficos.

La adquisición también incorpora a Authentic una red de más de 500 socios licenciatarios alrededor del mundo, un activo que refuerza su modelo de crecimiento basado en la gestión y expansión de propiedades intelectuales con alto reconocimiento entre los consumidores.

Corey Salter, director ejecutivo de la división de entretenimiento de Authentic, señaló que la compañía buscará aprovechar el fuerte vínculo emocional que la franquicia mantiene con varias generaciones de consumidores para impulsar una nueva etapa de crecimiento mediante contenido, experiencias y nuevas oportunidades comerciales.

Authentic fortalece su estrategia de propiedad intelectual

La compra de los Ositos Cariñositos responde al modelo de negocio que Authentic construyó durante los últimos años.

En lugar de desarrollar personajes desde cero, la empresa identifica marcas con reconocimiento global, consolida sus derechos de propiedad intelectual y amplía su presencia mediante licencias, producción de contenido, experiencias presenciales y colaboraciones comerciales.

En este caso, la operación incorpora una franquicia que mantiene una base de seguidores consolidada y que continúa generando nuevas producciones audiovisuales, videojuegos y productos licenciados en distintos mercados.

Las divisiones Authentic Studios y Authentic Live tendrán un papel central en esa estrategia. La primera desarrolla contenido original basado en las propiedades intelectuales del grupo, mientras que la segunda crea experiencias presenciales y eventos para conectar las marcas con nuevas audiencias.

Con este esquema, la compañía busca que los Ositos Cariñositos amplíen su presencia más allá de los productos tradicionales y encuentren nuevas oportunidades de crecimiento en entretenimiento, comercio y experiencias para consumidores de distintas generaciones.

Las franquicias infantiles ganan valor como activos de propiedad intelectual

La adquisición de los Ositos Cariñositos también refleja una tendencia que gana fuerza dentro de la industria del licensing.

Las grandes compañías ya no buscan únicamente personajes populares, sino franquicias capaces de generar ingresos durante décadas a través de múltiples categorías de negocio.

 

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Uno de los casos más representativos ocurrió cuando Hasbro adquirió Entertainment One en 2019.

Aunque la operación incluyó un amplio catálogo audiovisual, una de las propiedades más atractivas fue Peppa Pig, cuya presencia se extiende a televisión, juguetes, publicaciones, videojuegos y acuerdos de licencia en mercados de todo el mundo, incluida América Latina.

Otro referente es Hello Kitty. La estrategia de Sanrio demuestra que una franquicia infantil puede mantener su vigencia durante décadas mediante licencias, colaboraciones con marcas de moda, alimentos, tecnología y experiencias presenciales, sin depender exclusivamente del lanzamiento constante de nuevas series o películas.

Bajo esa lógica, Authentic incorpora una propiedad intelectual que ya cuenta con reconocimiento internacional, presencia comercial consolidada y cientos de acuerdos de licencia activos.

Para una empresa especializada en acelerar el crecimiento de marcas, este tipo de activos ofrece menores riesgos que construir una franquicia completamente nueva y permite ampliar con mayor rapidez las oportunidades de negocio.

Qué sigue para los Ositos Cariñositos

La adquisición todavía está sujeta a las condiciones habituales de cierre y se espera que concluya durante el tercer trimestre de 2026.

Una vez finalizada, Authentic integrará la franquicia a su plataforma global de entretenimiento para desarrollar nuevas historias, ampliar su presencia en formatos digitales y fortalecer las experiencias dirigidas a los fanáticos.

La operación confirma el interés de las compañías especializadas en propiedad intelectual por incorporar marcas con fuerte reconocimiento entre distintas generaciones de consumidores.

En un entorno donde las licencias, el contenido y las experiencias representan una parte cada vez mayor del negocio del entretenimiento, los Ositos Cariñositos llegan a Authentic como una franquicia con alcance internacional y amplio potencial de expansión.

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• Monopoly evoluciona de juego de mesa a videojuego con mecánicas inspiradas en el gaming moderno.
• La colaboración entre Hasbro, Lucasfilm, Ubisoft y Behavior Interactive muestra una nueva etapa para las licencias de entretenimiento.
• El lanzamiento sigue una tendencia que también adoptaron franquicias como LEGO, Fortnite y Mario + Rabbids.

Monopoly dejó de ser únicamente un juego de mesa. Su nueva apuesta, Monopoly Star Wars Heroes vs. Villains, demuestra cómo una de las marcas más reconocidas del entretenimiento busca mantenerse vigente en una industria donde el tiempo de ocio compite cada vez más entre videojuegos, plataformas digitales y experiencias multijugador.

Disponible para PlayStation 5, Xbox Series X|S, Nintendo Switch, Nintendo Switch 2 y PC, el título desarrollado por Behavior Interactive y publicado por Ubisoft traslada a los jugadores a distintos escenarios del universo Star Wars.

Sin embargo, el verdadero cambio no está en la ambientación, sino en la manera en que transforma las reglas tradicionales de Monopoly mediante equipos, habilidades especiales y eventos dinámicos que modifican cada partida.

Personajes como Luke Skywalker, la princesa Leia, Darth Vader o Darth Maul cuentan con habilidades propias que influyen directamente en la estrategia del juego.

A ello se suman modos competitivos de dos contra dos y tres contra tres, un tablero inspirado en distintos planetas de la saga y mecánicas que cambian el desarrollo de cada encuentro.

El negocio ya no consiste únicamente en vender tableros

Durante décadas, las ediciones especiales de Monopoly consistieron en adaptar el tablero a una película, serie o franquicia.

Existieron versiones inspiradas en Star Wars, Marvel, Pokémon, The Simpsons, Jurassic Park o Game of Thrones, entre muchas otras. En la mayoría de los casos, el producto conservaba prácticamente las mismas reglas y la licencia funcionaba como un incentivo para los coleccionistas.

Monopoly Star Wars plantea una estrategia distinta.

La colaboración entre Hasbro, Lucasfilm, Ubisoft y Behavior Interactive convierte la licencia en un videojuego diseñado desde cero para responder a los hábitos de consumo actuales.

Las habilidades de los personajes modifican la estrategia, los eventos alteran el tablero y el trabajo en equipo adquiere un papel central, acercando la experiencia a títulos de estrategia casual más que a una simple adaptación digital del clásico juego de mesa.

Esta evolución también refleja cómo las marcas con décadas de historia buscan conectar con consumidores que crecieron jugando en consolas y que esperan experiencias más dinámicas que una simple reproducción digital de un producto físico.

Las franquicias más exitosas desarrollan experiencias, no simples colaboraciones

La industria del entretenimiento lleva varios años demostrando que las licencias generan mayor valor cuando modifican la experiencia del usuario.

Fortnite representa uno de los ejemplos más sólidos. Epic Games integró colaboraciones con Marvel, Star Wars, Dragon Ball, LEGO, Naruto, Teenage Mutant Ninja Turtles y decenas de artistas musicales.

Cada alianza incorpora mecánicas, modos de juego o elementos exclusivos que mantienen vigente el ecosistema del videojuego en lugar de limitarse a vender personajes adicionales.

LEGO siguió una lógica similar con franquicias como Star Wars, Harry Potter, Jurassic World y Marvel. Más que reproducir las historias originales, reinterpretó cada universo bajo su propio estilo visual y de jugabilidad, creando productos con identidad propia.

Otro caso es Mario + Rabbids, donde Ubisoft mezcló dos propiedades intelectuales completamente distintas para construir una franquicia inédita en lugar de desarrollar una campaña promocional temporal.

Incluso Behavior Interactive, responsable de Monopoly Star Wars Heroes vs. Villains, construyó buena parte del éxito de Dead by Daylight mediante la incorporación de licencias como Stranger Things, Resident Evil, Silent Hill, Alien, Chucky y Dungeons & Dragons.

Esa experiencia demuestra que el estudio entiende cómo transformar una propiedad intelectual en un servicio de entretenimiento capaz de mantenerse vigente durante años.

Monopoly también compite por el tiempo libre

El lanzamiento confirma que Monopoly ya no compite exclusivamente contra otros juegos de mesa.

Su verdadero desafío está frente a videojuegos como Mario Party, Fall Guys, Roblox, Among Us o incluso Fortnite, plataformas que concentran millones de horas de entretenimiento entre públicos familiares y jóvenes.

Por ello incorpora elementos característicos del diseño contemporáneo de videojuegos: partidas más ágiles, progresión constante, habilidades diferenciadas, eventos aleatorios y sistemas cooperativos que incentivan volver a jugar.

Desde la perspectiva del desarrollo de producto, la colaboración también amplía el ciclo comercial de Star Wars. Cada nuevo videojuego permite que la franquicia permanezca presente incluso en periodos donde no existen estrenos cinematográficos o series nuevas, mientras que Monopoly encuentra una vía para acercarse a consumidores que probablemente nunca comprarían una edición física del tablero.

Una estrategia que fortalece el valor de ambas marcas

Las grandes propiedades intelectuales ya no utilizan las licencias únicamente para vender merchandising. Hoy funcionan como plataformas que permiten desarrollar videojuegos, contenidos digitales, juguetes, experiencias inmersivas y nuevos modelos de negocio alrededor de una misma marca.

En ese contexto, Monopoly Star Wars representa mucho más que una colaboración entre Hasbro y Lucasfilm. También ilustra cómo las compañías buscan extender la vida comercial de sus franquicias mediante productos capaces de atraer audiencias distintas sin perder el reconocimiento construido durante décadas.

El lanzamiento confirma que el futuro de las licencias pasa por ofrecer experiencias completas, donde la propiedad intelectual deja de ser un elemento decorativo para convertirse en parte del diseño del producto.

Esa lógica explica por qué las alianzas entre marcas de entretenimiento y desarrolladores de videojuegos ocupan un lugar cada vez más relevante dentro de la estrategia de crecimiento de la industria.

Principales diferencias con el Monopoly tradicional son:

• Dos equipos enfrentados: héroes vs. villanos, en lugar de competir todos individualmente.
• Habilidades especiales: cada personaje (Luke Skywalker, Darth Vader, Leia, Darth Maul, etc.) tiene poderes que modifican la partida.
• Eventos dinámicos: el tablero cambia durante el juego con situaciones inspiradas en Star Wars.
• Escenarios temáticos: las propiedades son reemplazadas por lugares icónicos de la saga.
• Estrategia cooperativa: el trabajo en equipo es tan importante como administrar los recursos.
• Mecánicas adaptadas al videojuego: partidas más ágiles e interactivas que el Monopoly tradicional.
• Disponible con juego en línea y multijugador en PlayStation 5, Xbox Series X|S, Nintendo Switch, Nintendo Switch 2 y PC.

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• Uniqlo apuesta por calidad, tecnología textil y básicos para diferenciarse del fast fashion.
• La compañía acelera su expansión en Europa y Norteamérica para competir con Zara y H&M.
• América Latina aparece como el siguiente mercado natural si la marca consolida su crecimiento occidental.

La industria global de la moda vive un momento de transformación. Durante casi dos décadas, la velocidad marcó el ritmo del negocio: lanzar más colecciones, reducir los tiempos de producción y multiplicar la oferta se convirtió en la fórmula dominante.

Zara perfeccionó ese modelo desde España y Shein lo llevó al extremo con un ecosistema digital capaz de producir miles de nuevos artículos cada día. Sin embargo, una tercera propuesta comienza a ganar espacio con una lógica completamente distinta.

Uniqlo, la cadena japonesa perteneciente a Fast Retailing, acelera una estrategia internacional que busca convertirla en el mayor retailer de moda del mundo.

Su apuesta no consiste en competir por cantidad de prendas o velocidad de lanzamiento, sino en convencer al consumidor de que un guardarropa construido sobre básicos funcionales, materiales de alto desempeño y precios accesibles puede generar un vínculo mucho más duradero con la marca.

El cambio resulta especialmente interesante porque coincide con un momento en el que parte de los consumidores comienza a cuestionar el consumo impulsivo de ropa, la baja calidad de algunas prendas y el impacto ambiental asociado al fast fashion.

En ese contexto, la empresa japonesa busca ocupar un espacio que durante años quedó relativamente vacío: el de la innovación aplicada a prendas esenciales.

De acuerdo con un amplio análisis publicado este miércoles por el Financial Times, las ventas de Uniqlo en Europa y Norteamérica se triplicaron desde 2021 y la empresa planea abrir alrededor de 40 nuevas tiendas al año en ambos mercados.

La publicación también destaca que la compañía pretende acercarse al tamaño de H&M y, posteriormente, competir por el liderazgo global con Inditex, matriz de Zara.

El negocio detrás de los básicos

Desde la perspectiva del branding, el principal acierto de Uniqlo consiste en haber construido una categoría propia. Mientras buena parte de la industria vende tendencias, la empresa japonesa vende utilidad.

Su concepto LifeWear no gira alrededor de temporadas, sino de prendas que permanecen vigentes durante varios años y cuya evolución depende de mejoras técnicas más que de cambios estéticos.

Esa diferencia modifica por completo la conversación con el consumidor.

• Zara busca que el cliente regrese constantemente porque siempre existe una colección nueva.
• Shein incentiva visitas diarias mediante una oferta prácticamente infinita y recomendaciones impulsadas por algoritmos.
• Uniqlo, en cambio, pretende que el consumidor vuelva porque confía en la calidad del producto y porque sabe exactamente qué encontrará cuando necesite reemplazar una camiseta, un suéter o una chamarra.

La estrategia también transforma la economía del negocio. Al trabajar con un catálogo mucho más reducido, la empresa produce volúmenes muy superiores por referencia, lo que reduce costos de fabricación, simplifica la cadena de suministro y permite invertir más recursos en investigación y desarrollo de materiales.

Uno de los pilares menos visibles de esa estrategia es la alianza con la empresa japonesa Toray. Gracias a esa colaboración surgieron tecnologías textiles como Heattech, AIRism y Ultra Light Down, desarrolladas durante años de investigación conjunta.

En lugar de diferenciarse mediante estampados o colaboraciones constantes, Uniqlo convierte la innovación textil en un atributo de marca que el consumidor puede experimentar directamente.

Desde la óptica del marketing, la compañía dejó de competir únicamente en precio para construir una percepción de valor.

El mensaje deja de ser “ropa barata” y pasa a ser “ropa mejor diseñada para el uso cotidiano”. Esa diferencia resulta especialmente relevante en un escenario donde los consumidores comienzan a privilegiar durabilidad sobre cantidad.

Zara y Shein representan dos caminos distintos del fast fashion

Comparar a Uniqlo con Zara y Shein permite entender por qué la competencia ya no depende únicamente del precio.

Zara desarrolló durante décadas uno de los sistemas logísticos más eficientes del mundo. Su ventaja radica en detectar tendencias, producir rápidamente y abastecer sus tiendas con enorme agilidad. Ese modelo mantiene un fuerte componente aspiracional: el consumidor sabe que las prendas permanecerán poco tiempo disponibles y eso incentiva decisiones de compra inmediatas.

Shein llevó esa lógica un paso más allá. Su operación depende mucho menos de tiendas físicas y mucho más de inteligencia artificial, análisis de datos y producción bajo demanda. Miles de nuevos diseños aparecen diariamente en su plataforma después de analizar búsquedas, redes sociales y comportamiento digital. La velocidad se convirtió en su principal ventaja competitiva.

Sin embargo, ambos modelos enfrentan presiones crecientes. El escrutinio sobre sostenibilidad, condiciones laborales, calidad de los materiales y sobreproducción aumenta en diferentes mercados.

Al mismo tiempo, diversos consumidores muestran señales de fatiga frente a un consumo basado exclusivamente en novedades permanentes.

Ahí aparece la oportunidad para Uniqlo. La marca no intenta convencer al consumidor de comprar más prendas, sino mejores prendas. Es una estrategia que comunica una idea, pero también diseña un comportamiento: construir un guardarropa compuesto por básicos versátiles que puedan utilizarse durante más tiempo.

Ese posicionamiento también fortalece la rentabilidad. Cuando una empresa deja de depender exclusivamente de cambios constantes de colección, puede invertir más recursos en perfeccionar un producto que venderá durante varios años y aprovechar economías de escala mucho mayores.

La estrategia de Uniqlo podría encontrar terreno fértil en América Latina

Aunque el crecimiento inmediato se concentra en Europa y Norteamérica, el siguiente movimiento natural podría incluir mercados latinoamericanos.

La región presenta características interesantes para una empresa cuyo posicionamiento combina calidad, funcionalidad y precios relativamente accesibles. Las grandes ciudades latinoamericanas cuentan con una creciente clase media urbana que busca productos duraderos sin entrar en el segmento del lujo.

Además, el clima de muchos países favorece prendas ligeras, capas y básicos versátiles, precisamente el tipo de producto que distingue a Uniqlo.

México aparece como uno de los mercados con mayor potencial por tamaño, capacidad de consumo y cercanía logística con Estados Unidos.

Brasil también representa una oportunidad por la dimensión de su mercado interno, aunque las barreras regulatorias y fiscales exigen estrategias específicas. Chile y Colombia podrían funcionar como mercados de entrada por la consolidación de centros comerciales y consumidores acostumbrados a marcas internacionales.

En este escenario, la empresa probablemente no competiría frontalmente contra Zara o Shein mediante descuentos permanentes. Su estrategia podría centrarse en instalar la categoría LifeWear como una alternativa para consumidores que valoran diseño discreto, innovación textil y una mejor relación entre precio y duración de las prendas.

Desafío para la comunicación

La comunicación también tendría que adaptarse. Mientras en Asia la funcionalidad tecnológica de los tejidos constituye un argumento ampliamente reconocido, en América Latina sería necesario invertir en educación del consumidor para explicar por qué materiales como Heattech o AIRism representan beneficios concretos frente a prendas tradicionales.

Otro elemento favorable consiste en que Europa funciona como un laboratorio reputacional para la compañía.

Si logra consolidarse entre consumidores europeos (un mercado históricamente exigente en diseño y calidad) esa validación fortalecerá su expansión hacia otras regiones, incluida América Latina.

Más que competir directamente contra el fast fashion, Uniqlo parece estar construyendo una categoría propia dentro del mercado masivo. Su objetivo no consiste en vender la mayor cantidad de tendencias posibles, sino convertirse en la marca que el consumidor elige cuando busca prendas esenciales capaces de durar varios años.

Si esa propuesta mantiene el crecimiento observado en Occidente, la siguiente batalla comercial podría librarse en mercados donde todavía existe espacio para una marca que combine tecnología, funcionalidad y accesibilidad sin depender de la velocidad como principal argumento de venta.

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Por Rodrigo Isaac Bautista

Michelob Ultra anunció la expansión de su portafolio con el lanzamiento de Michelob Ultra Zero, una nueva propuesta sin alcohol que incorpora electrolitos y sólo 18 calorías por presentación.

El producto busca responder a nuevas tendencias de consumo enfocadas en bienestar, balance y flexibilidad, dentro de una categoría en crecimiento: las bebidas sin alcohol. Con más de una década de presencia en México, Michelob Ultra se ha consolidado como líder en el segmento de cervezas ligeras y ahora refuerza su estrategia con esta innovación.

De acuerdo con la compañía, Michelob Ultra Zero está diseñada para consumidores mayores de 18 años que buscan alternativas con menor contenido calórico, sin renunciar a la experiencia social del consumo. La inclusión de electrolitos representa uno de los principales diferenciadores del producto dentro del mercado.

Opción de “recarga”

Rodolfo Vargas, director de marcas premium de Grupo Modelo, destacó que el lanzamiento busca ofrecer una opción de “recarga” para los consumidores, alineada con la evolución de los hábitos de consumo y con el objetivo de liderar la transformación de la categoría hacia propuestas más funcionales.

De acuerdo con datos de Fortune Business Insights, la industria global de la cerveza continúa mostrando una expansión sostenida y alcanzará un valor estimado de 916 mil 120 millones de dólares en 2026, impulsada por el aumento del consumo, la diversificación de productos y la creciente preferencia por bebidas premium y de bajo contenido alcohólico en los principales mercados del mundo.

En México, la distribución comenzará principalmente a través de tiendas Oxxo en presentación de lata de 355 ml.
De esta forma, Michelob Ultra busca posicionarse no solo como una cerveza ligera, sino como una marca vinculada al estilo de vida activo y a las grandes experiencias deportivas globales.

Con este lanzamiento, la compañía se une a la tendencia de marcas como Corona y su Sunbrew 0.0 por ciento, enfocada en aportar Vitamina D, al igual que la Heineken 0.0, la cerveza sin alcohol más vendida con 69 calorías por botella/lata y 0.0 por ciento alcohol.

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• La experiencia de Peaky Blinders abrirá sus puertas en agosto cerca del London Bridge.
• Los visitantes recorrerán escenarios inspirados en la serie y participarán en misiones guiadas por actores.
• El proyecto confirma una tendencia: las franquicias monetizan sus universos mediante experiencias inmersivas, merchandising y eventos.

La experiencia de Peaky Blinders dará un nuevo paso fuera de la pantalla. En agosto abrirá en Londres “Peaky Blinders: Underworld”, una atracción inmersiva que permitirá a los visitantes adentrarse en el universo de Thomas Shelby y poner a prueba si tienen lo necesario para formar parte de la organización criminal que convirtió a la serie británica en un fenómeno internacional.

El proyecto, desarrollado por KMJ Entertainment en alianza con Banijay Rights, transforma parte del imaginario de la producción en una experiencia presencial donde el público deja de ser espectador para convertirse en protagonista.

La propuesta combina escenarios recreados, actores en vivo, desafíos interactivos y espacios gastronómicos inspirados en la ficción.

Uno de los principales atractivos será la recreación del Garrison Tavern, el emblemático pub de la serie. El lugar estará abierto incluso para quienes no adquieran una entrada para la experiencia completa y ofrecerá cerveza de barril, vino, destilados, alimentos ligeros y música en vivo.

Quienes compren un boleto accederán a “Underworld”, un recorrido que se extenderá por espacios como Garrison Lane, The Bookies, Chinatown y Small Heath Fairground.

Cada ambiente incluirá pruebas, alianzas y misiones guiadas por actores que pondrán a los asistentes en el centro de una historia inspirada en el universo creado por Steven Knight.

Las franquicias buscan que el público viva sus historias

La experiencia de Peaky Blinders refleja una evolución dentro de la industria del entretenimiento. Las grandes propiedades intelectuales ya no dependen únicamente de las audiencias en televisión o plataformas de streaming.

Ahora buscan generar nuevas fuentes de ingresos mediante experiencias presenciales capaces de extender la relación con los consumidores.

El objetivo deja de ser únicamente recordar una serie. También consiste en ofrecer una actividad que combine entretenimiento, hospitalidad, gastronomía, espectáculos y venta de productos oficiales en un mismo espacio.

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En el caso de Peaky Blinders, el recorrido concluye con una oferta de mercancía inspirada en la estética que convirtió a la producción en un referente de estilo.

La moda de los Shelby, desde las gorras hasta los abrigos y accesorios, forma parte de una estrategia que amplía el valor comercial de la marca mucho después de la emisión de sus episodios.

Steven Knight, creador de la serie, explicó que el proyecto no pretende limitarse a recrear el mundo de la familia Shelby, sino convertirse en un destino donde tanto los seguidores como quienes no conocen la producción encuentren motivos para disfrutar la experiencia.

Stranger Things y Friends muestran que el modelo funciona

Peaky Blinders no es la primera franquicia que apuesta por esta estrategia. Uno de los casos más exitosos es Stranger Things: The Experience, desarrollado por Netflix para trasladar el universo de Hawkins a distintas ciudades del mundo.

La propuesta combina una historia original con actores, efectos especiales y espacios inspirados en la serie. Después del recorrido, los asistentes ingresan a una zona ambientada con lugares emblemáticos como Scoops Ahoy y Palace Arcade, donde pueden consumir alimentos, comprar productos licenciados y generar contenido para redes sociales.

Más que promocionar una nueva temporada, la experiencia mantiene viva la conversación alrededor de la franquicia incluso cuando no existen episodios inéditos. La propiedad intelectual continúa generando ingresos mediante actividades físicas que fortalecen la conexión emocional con la audiencia.

Otro ejemplo es The FRIENDS Experience, impulsada por Warner Bros. Discovery. La iniciativa recrea escenarios icónicos como el Central Perk, el departamento de Monica y Rachel y otros espacios que marcaron a varias generaciones de espectadores.

Aunque la serie terminó hace más de dos décadas, miles de visitantes siguen pagando por recorrer esos escenarios, tomarse fotografías y adquirir productos exclusivos.

El caso demuestra que una franquicia puede conservar su valor comercial durante años cuando logra transformar la nostalgia en una experiencia tangible.

Del streaming al negocio de las experiencias

Los tres casos responden a un mismo patrón estratégico. Ya no basta con producir una serie exitosa; el verdadero potencial aparece cuando ese universo puede trasladarse al mundo real.

En lugar de limitarse a comunicar una historia, estas iniciativas diseñan comportamientos. Los visitantes recorren escenarios, interactúan con personajes, consumen alimentos y bebidas, compran mercancía oficial y comparten fotografías o videos en redes sociales, multiplicando el alcance de la marca de manera orgánica.

Para las empresas propietarias de estas franquicias, cada punto de contacto representa una oportunidad adicional de monetización. Una misma propiedad intelectual puede generar ingresos mediante licencias, hospitalidad, retail, espectáculos y experiencias inmersivas sin depender exclusivamente de nuevas temporadas o estrenos.

En América Latina, donde el mercado de experiencias inmersivas continúa creciendo, este tipo de proyectos también ofrece una referencia para marcas de entretenimiento, estudios y titulares de licencias interesados en ampliar el ciclo de vida de sus contenidos.

Con la apertura de “Peaky Blinders: Underworld”, la serie británica confirma que el valor de una franquicia ya no termina cuando concluye una temporada. También puede expandirse hacia espacios donde los consumidores dejan de observar la historia desde una pantalla para convertirse, al menos por unas horas, en parte de ella.

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• Nascar y The Rolling Stones presentaron una colección de productos oficiales y vinilos de edición limitada.
• La campaña incluye un automóvil convertido en listening lounge que recorrerá Chicago antes del fin de semana de carreras.
• La estrategia refleja una tendencia en la que las experiencias inmersivas ganan terreno frente a la publicidad convencional.

Las colaboraciones entre marcas deportivas y figuras del entretenimiento evolucionan hacia formatos donde la experiencia pesa tanto como el producto. Bajo esa lógica, la colaboración de marca Nascar con The Rolling Stones reúne el automovilismo y el rock en una iniciativa que incluye merchandising, contenido audiovisual, vinilos de colección y una activación itinerante diseñada para acercar ambos universos a sus comunidades de seguidores.

La iniciativa acompaña el lanzamiento del nuevo álbum de la banda y se desarrollará durante los días previos al fin de semana de carreras de Nascar en Chicago.

Como parte de la estrategia, un auto de exhibición se transformó en un listening lounge donde los asistentes podrán escuchar el disco dentro de un vehículo personalizado con elementos visuales que mezclan la identidad del campeonato estadounidense y la estética de The Rolling Stones.

La colaboración también contempla una colección de ropa con licencia oficial encabezada por una chamarra inspirada en los tradicionales uniformes de competencia, además de dos ediciones limitadas en vinilo para coleccionistas y una serie de contenidos digitales protagonizados por pilotos de Nascar y el creador de contenido Cleetus McFarland.

Las experiencias inmersivas ganan espacio dentro del marketing

La propuesta muestra cómo las marcas buscan construir momentos memorables en lugar de limitarse a presentar un producto.

En este caso, el automóvil deja de ser un objeto de exhibición para convertirse en un espacio donde los aficionados interactúan con la música, la identidad visual de la banda y el ambiente característico de una competencia de automovilismo.

La campaña también incluye un cortometraje protagonizado por Jesse Love, Connor Zilisch y Carson Hocevar.

El video presenta a los pilotos como si integraran una banda de rock de gira, estableciendo un paralelismo entre los viajes constantes de los músicos y el calendario competitivo de Nascar.

El mensaje comunica una idea, pero también diseña un comportamiento: invita a los seguidores a vivir la experiencia presencial, compartirla y extender la conversación en redes sociales.

Para las marcas latinoamericanas, el principal aprendizaje consiste en aprovechar activos propios para crear experiencias. Un punto de venta, un vehículo promocional o un espacio temporal pueden transformarse en escenarios capaces de generar interacción, contenido orgánico y mayor tiempo de contacto con el consumidor.

Porsche y Dua Lipa apostaron por una lógica similar

La colaboración entre Porsche y Dua Lipa representa uno de los ejemplos recientes de esta tendencia. La automotriz utilizó la figura de la cantante para desarrollar contenidos audiovisuales, eventos especiales y acciones de comunicación alrededor del Porsche 911 GT3 RS.

La estrategia buscó conectar con audiencias interesadas en la cultura pop sin perder el vínculo con el desempeño deportivo de la marca.

En lugar de centrar la conversación únicamente en las especificaciones del automóvil, Porsche construyó una narrativa donde la música, el diseño y la experiencia adquirieron el mismo peso que el producto.

Este tipo de colaboraciones demuestra que el entretenimiento puede ampliar el alcance de una marca cuando existe una identidad compartida entre ambas comunidades.

Fórmula 1 convirtió el entretenimiento en un ecosistema

Otro ejemplo aparece con la Fórmula 1 y Apple Music, que impulsaron distintas activaciones relacionadas con la película F1. La estrategia integró playlists oficiales, contenido exclusivo y presencia durante algunos Grandes Premios para conectar el campeonato con la industria musical y cinematográfica.

La lógica detrás de estas acciones coincide con la propuesta de Nascar y The Rolling Stones. En lugar de presentar un patrocinio convencional, las marcas crean un ecosistema donde deporte, música y entretenimiento conviven dentro de una misma experiencia.

La colaboración de marca Nascar refleja esa evolución. Más que vender una colección de ropa o un vinilo, construye una plataforma donde los aficionados encuentran distintos puntos de contacto con ambas propiedades, desde contenido digital hasta una instalación itinerante que convierte un automóvil en el eje de una experiencia cultural.

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• El término creator marketing comenzó a desplazar al influencer marketing en eventos, agencias y estrategias de marca.
• La industria debate si se trata de una nueva disciplina o de una evolución del marketing de influencia.
• Especialistas coinciden en que las marcas hoy buscan mucho más que alcance: también compran creatividad, contenido y conocimiento de las plataformas.

Durante más de una década, influencer marketing fue el concepto que definió la relación entre las marcas y quienes construían comunidades en redes sociales. Sin embargo, en los últimos meses, y en especial en el último Cannes Lions comenzó a instalarse otro término con fuerza creciente: creator marketing.

El cambio no responde únicamente a una cuestión semántica. Refleja una discusión más amplia sobre cómo evolucionó el papel de los creadores de contenido dentro de las estrategias de comunicación y qué esperan hoy las marcas cuando trabajan con ellos.

La conversación tomó impulso en distintas publicaciones especializadas y también llegó a espacios de debate de la industria.

Uno de ellos fue el newsletter La Cuarta Mano, donde los publicistas argentinos Santiago Olivera y Juan Marenco analizaron el fenómeno a partir de un artículo publicado en Dossier.

Según el análisis, el concepto influencer comenzó a resultar insuficiente para describir el trabajo que realizan actualmente muchos creadores. Allí se sostiene que, además de construir comunidades, estos perfiles participan en la creación de campañas, desarrollan narrativas adaptadas a cada plataforma y producen contenido que las marcas utilizan en múltiples formatos.

Como explica el artículo, “reducir su aporte únicamente a la capacidad de influir sobre una decisión de compra ya no alcanza para explicar el valor que generan”.

Del alcance a la creación de contenido

La expansión del contenido generado por usuarios (UGC) aceleró esta transformación. Mientras que durante los primeros años del influencer marketing el valor principal estaba asociado al alcance y a la capacidad de recomendación, hoy muchas compañías también buscan perfiles capaces de producir piezas creativas que luego pueden amplificar mediante pauta digital.

Esta evolución llevó a que el concepto de creator marketing comenzara a aparecer con mayor frecuencia en presentaciones, festivales, agencias y estrategias de comunicación.

Sin embargo, el cambio de terminología todavía genera diferencias dentro de la industria.

En La Cuarta Mano, Juan Marenco sostiene que los creadores de contenido aportaron capacidades que tradicionalmente no estaban asociadas a los influencers.

“Efectivamente, los creadores vinieron a traer algo que los influencers no necesariamente traían: creatividad, innovación, narrativas propias de las plataformas”, afirma.

No obstante, el especialista introduce una distinción que ayuda a entender el debate.

“Por lo general, no traen audiencias y ahí aparece el creator como fuente de un contenido pautable. En ese camino seguimos trabajando al influencer desde el lugar del impacto orgánico y con comunidades generadas, versus el creator que hoy viene a ser el generador de un buen contenido para pauta”.

La diferencia, entonces, ya no pasa exclusivamente por la cantidad de seguidores, sino por el tipo de valor que aporta cada perfil dentro de una estrategia de marketing.

El debate detrás del creator marketing

La discusión va más allá de una etiqueta. Para Santiago Olivera, presentar el creator marketing como una evolución natural del influencer marketing simplifica un fenómeno mucho más complejo.

El publicista considera que los influencers siguen desempeñando un papel central como amplificadores de mensajes y advierte que producir contenido no convierte automáticamente a una persona en un profesional de la publicidad.

“Los content creators son potencialmente buenos creando contenido, pero eso no los transforma en buenos publicitarios y, por lo tanto, su producto no necesariamente responde a las exigencias de la publicidad”, señala.

Olivera también relaciona esta tendencia con la expansión del branded content y cuestiona la idea de que ese tipo de contenidos pueda sustituir por completo a la publicidad tradicional.

Marenco coincide en que el ecosistema atraviesa una transformación impulsada por el cambio en la forma en que las personas consumen contenidos, aunque advierte que eso no implica la desaparición del influencer marketing.

“La lógica de seguidor-seguido está rota y la algoritmización de todo trae un nuevo esquema de consumo de contenidos”, explica. Al mismo tiempo, agrega que “lo que sí dejará de funcionar, parece ser, es el influencer vago que se saca una selfie y con eso resuelve”.

Las declaraciones muestran que el debate no gira alrededor de si los creadores reemplazarán a los influencers, sino sobre cuáles serán las funciones que cada uno ocupará dentro de las campañas.

Lo que realmente buscan hoy las marcas

Más allá de la discusión conceptual, existe un consenso cada vez más amplio sobre un punto: las expectativas de las marcas cambiaron.

En la actualidad ya no alcanza con contar con una comunidad numerosa. Las empresas también buscan perfiles capaces de interpretar tendencias, adaptar mensajes al lenguaje de cada plataforma, producir contenido de calidad y colaborar en el desarrollo creativo de las campañas.

Ese cambio explica por qué creator marketing comenzó a ganar presencia en conversaciones, festivales y documentos de la industria.

Sin embargo, el concepto todavía está en construcción. Mientras algunos especialistas consideran que representa una nueva etapa dentro de la comunicación comercial, otros creen que simplemente amplía las herramientas disponibles para el influencer marketing sin reemplazarlo.

La discusión probablemente continúe durante los próximos años. Lo que parece claro es que el rol de los creadores dentro del marketing dejó de limitarse a la amplificación de mensajes y comenzó a incorporar funciones que hace pocos años pertenecían casi exclusivamente a agencias, productoras y equipos creativos.

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• Mattel anunció la expansión global de los clubes sociales de UNO a 14 ciudades.
• La iniciativa combina juego presencial, experiencias en vivo y fortalecimiento de comunidades de marca.
• El caso refleja una tendencia creciente: las marcas buscan conectar con las audiencias más allá de sus productos.

Durante décadas, UNO ocupó un lugar privilegiado dentro del entretenimiento familiar. Sin embargo, Mattel busca que el popular juego de cartas trascienda el espacio doméstico para convertirse en una experiencia social capaz de reunir comunidades enteras alrededor de una misma actividad.

Con ese objetivo, la compañía anunció la expansión de los clubes sociales de UNO a 14 ciudades del mundo, incluyendo Ciudad de México.

La iniciativa llega después de la recepción positiva que tuvieron los primeros eventos organizados por la marca. Ahora, Mattel llevará el concepto a cinco ciudades de Estados Unidos (Filadelfia, Brooklyn, Miami, Houston y Los Ángeles) y a nueve destinos internacionales: Barcelona, Berlín, Londres, Ciudad de México, París, Río de Janeiro, Sídney, Tokio y Toronto.

Según informó la compañía, cada encuentro incluirá partidas tradicionales de UNO, dinámicas especiales, premios exclusivos y actividades acompañadas por DJs y conductores locales para incorporar elementos culturales propios de cada ciudad.

Cuando el juego se convierte en una experiencia de marca

El crecimiento de los clubes sociales de UNO refleja una transformación más amplia dentro de la industria del entretenimiento y el marketing.

Las marcas ya no dependen únicamente de sus productos para generar valor. Cada vez con mayor frecuencia desarrollan espacios físicos, eventos y activaciones que permiten a los consumidores interactuar directamente con ellas.

En este contexto, Mattel convierte un juego de cartas en un punto de encuentro. La propuesta no gira únicamente alrededor de jugar una partida, sino de compartir una experiencia colectiva que mezcla entretenimiento, socialización y pertenencia.

La decisión resulta especialmente relevante porque UNO cuenta con más de cinco décadas de historia. Para una marca con semejante trayectoria, mantener la conexión con nuevas generaciones implica crear formatos capaces de adaptarse a hábitos de consumo cada vez más orientados hacia las experiencias compartidas.

La estrategia también responde a una realidad del mercado actual: las personas buscan actividades que combinen interacción presencial y potencial de contenido para redes sociales.

Los clubes sociales de UNO encajan dentro de esa lógica al ofrecer espacios diseñados para jugar, convivir y compartir momentos con otros participantes.

Más que comunicar una idea, Mattel diseña un comportamiento

Uno de los elementos más interesantes del caso es que la iniciativa va más allá de transmitir un mensaje publicitario. En lugar de limitarse a comunicar que UNO une a las personas, Mattel crea un entorno donde esa interacción ocurre de forma tangible.

La diferencia es importante desde una perspectiva de marketing. Muchas campañas buscan asociar una marca con determinados valores.

En cambio, los clubes sociales de UNO construyen una experiencia que permite a los consumidores vivir esos valores directamente.

El patrón estratégico detrás de la iniciativa consiste en transformar un producto de consumo en una plataforma social. El juego funciona como el detonador de una actividad colectiva que fomenta encuentros, conversaciones y relaciones entre participantes.

Este enfoque gana relevancia porque las audiencias actuales suelen responder mejor a las experiencias que a los mensajes tradicionales. Cuando una marca logra facilitar comportamientos reales, incrementa las posibilidades de generar afinidad, recordación y recomendación orgánica.

Para Mattel, el beneficio va más allá de la venta de cartas. Cada encuentro fortalece la relación emocional con los jugadores y ayuda a mantener vigente una propiedad intelectual que compite por la atención dentro de un ecosistema cada vez más saturado de opciones de entretenimiento.

La construcción de comunidad se vuelve un activo estratégico

Los clubes sociales de UNO también muestran cómo la construcción de comunidad se convirtió en uno de los activos más valiosos para las marcas contemporáneas.

Durante años, muchas compañías concentraron sus esfuerzos en aumentar alcance y visibilidad. Actualmente, la conversación se orienta hacia la capacidad de reunir grupos de consumidores que compartan intereses, hábitos y experiencias alrededor de una marca.

En el caso de UNO, la comunidad ya existía. Millones de personas conocen las reglas del juego y mantienen una relación emocional con él.

La expansión internacional permite convertir esa afinidad en encuentros físicos que fortalecen los vínculos entre los propios jugadores.

Además, la llegada a ciudades como Ciudad de México confirma la importancia de América Latina dentro de las estrategias globales de entretenimiento.

La región cuenta con una fuerte cultura de convivencia presencial y una elevada adopción de experiencias vinculadas al ocio y la interacción social.

Para las marcas latinoamericanas, el caso ofrece una enseñanza aplicable más allá del sector del entretenimiento.

El crecimiento no siempre depende de lanzar nuevos productos. En muchos casos, la oportunidad consiste en crear espacios donde los consumidores puedan interactuar entre sí utilizando la marca como punto de conexión.

La expansión de los clubes sociales de UNO también evidencia una tendencia que gana fuerza en distintas industrias: las empresas buscan pasar de vender productos a facilitar experiencias. En ese escenario, el valor surge tanto de la comunidad que se construye alrededor de la marca como del artículo que originalmente dio origen a esa relación.

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• Electrolux activa descuentos durante las pausas de hidratación de los partidos de Brasil en el Mundial 2026.
• La estrategia convierte un momento reglamentario del juego en un disparador de compra en tiempo real.
• El caso ofrece lecciones para retailers, supermercados y marcas que buscan nuevas formas de conectar contexto y conversión.

Las grandes citas deportivas suelen convertirse en plataformas de visibilidad para las marcas. Sin embargo, algunas compañías buscan ir más allá de la exposición y utilizan esos momentos para generar acciones comerciales concretas.

Ese es el camino que eligió Electrolux en Brasil con una iniciativa desarrollada junto a la agencia DPZ durante el Mundial 2026.

La acción, denominada “Promo na Pausa”, aprovecha las pausas de hidratación de los partidos de Brasil para activar descuentos temporales en el Home Bar Electrolux.

La mecánica es sencilla: cuando el encuentro se interrumpe para que los jugadores se hidraten, la marca libera promociones exclusivas durante esos pocos minutos.

Aunque la iniciativa parece una promoción tradicional, detrás existe una lógica estratégica que refleja cómo está evolucionando el marketing en tiempo real dentro del retail y las categorías de bienes durables.

Cómo Electrolux convirtió una pausa de hidratación en una oportunidad de venta

La decisión de utilizar las pausas de hidratación se debe a que por primera vez, el Mundial 2026 incorpora este tipo de interrupciones de manera sistemática debido a las condiciones climáticas previstas en varias sedes del torneo.

DPZ identificó en esos momentos una oportunidad poco explorada. Mientras millones de personas siguen la transmisión, la atención permanece concentrada en el partido, pero la acción deportiva se detiene durante algunos minutos.

En lugar de considerar ese espacio como tiempo muerto, la agencia lo transformó en una ventana comercial.

La elección del producto también revela una lectura inteligente del contexto. El Home Bar Electrolux está asociado al almacenamiento y enfriamiento de bebidas para reuniones, encuentros sociales y consumo en el hogar.

La relación entre una pausa para hidratación dentro de un partido y un equipo diseñado para mantener bebidas frías genera una conexión natural entre el evento y la categoría.

Por esa razón, la campaña no depende exclusivamente de un descuento. La relevancia surge de la coincidencia entre el momento, el producto y la necesidad que la marca busca activar.

El Mundial 2026 muestra una evolución del marketing en tiempo real

Durante años, el marketing en tiempo real se apoyó principalmente en publicaciones oportunistas en redes sociales. Las marcas reaccionaban a noticias, eventos deportivos o conversaciones virales para ganar visibilidad.

La estrategia de Electrolux muestra una evolución de ese modelo.

En este caso, la acción no se limita a comunicar una idea. Diseña un comportamiento específico. El consumidor observa el partido, espera la pausa de hidratación, ingresa a la plataforma y recibe una oportunidad de compra disponible durante un período muy limitado.

La diferencia parece sutil, pero tiene implicaciones importantes.

Las campañas tradicionales suelen utilizar mensajes para captar atención. En cambio, esta iniciativa utiliza una condición del entorno para activar una conducta comercial. El evento deportivo funciona como un gatillo de conversión.

Desde una perspectiva estratégica, el verdadero activo no es la creatividad del mensaje sino el sistema construido alrededor de un acontecimiento en vivo. La marca permanece preparada para actuar cuando ocurre una situación determinada.

Ese enfoque comienza a ganar terreno en distintos mercados porque permite conectar intención, contexto y compra en un mismo momento.

Del calendario al contexto: por qué el retail busca nuevos disparadores de compra

Gran parte del retail todavía depende de fechas establecidas para impulsar ventas.

Black Friday, Hot Sale, Cyber Monday, Navidad o regreso a clases continúan siendo pilares de muchas estrategias comerciales. Sin embargo, estas fechas presentan un desafío creciente: la competencia es cada vez mayor y la atención del consumidor se fragmenta entre cientos de ofertas simultáneas.

Por ese motivo, algunas marcas están explorando un enfoque diferente.

En lugar de construir promociones alrededor de una fecha fija, buscan activarlas cuando ocurre un evento relevante para la audiencia.

La ventaja es que el contexto genera urgencia de forma natural. No es necesario crear artificialmente la sensación de escasez porque el propio acontecimiento determina cuánto tiempo permanece disponible la oferta.

La acción de Electrolux representa un ejemplo de esta transición. La promoción existe porque ocurre una pausa de hidratación. Cuando termina la interrupción, desaparece la oportunidad.

En consecuencia, el reloj del partido se convierte en el principal motor de la campaña.

Qué pueden aprender las marcas latinoamericanas de esta estrategia

La principal enseñanza del caso es que la lógica puede adaptarse a múltiples categorías sin depender del fútbol ni del Mundial 2026.

Un primer ejemplo aparece en supermercados y plataformas de delivery.

Las alertas meteorológicas podrían convertirse en disparadores comerciales automáticos. Durante una ola de calor, una cadena podría activar promociones temporales en bebidas, hielo, ventiladores o sistemas de climatización. Del mismo modo, ante una tormenta intensa podrían liberarse descuentos en pilas, linternas o productos esenciales.

En ambos escenarios, la marca no determina el momento de la promoción. El contexto activa la oportunidad.

Un segundo ejemplo puede encontrarse en retailers de tecnología y entretenimiento.

Una cadena especializada en electrónica podría vincular descuentos a situaciones específicas de eventos deportivos, como goles, definiciones por penales o tiempos extra. De igual forma, plataformas asociadas a lanzamientos de streaming podrían liberar beneficios cuando se estrene un episodio esperado o cuando una conversación alcance determinados niveles de interacción digital.

Cómo identificar momentos de atención

La lógica estratégica es la misma que utiliza Electrolux.

El objetivo consiste en identificar momentos donde la atención y la intención de compra convergen. Cuando ambas variables coinciden, las posibilidades de conversión suelen aumentar.

Por eso, el verdadero valor de la iniciativa creada por DPZ no radica únicamente en aprovechar una pausa de hidratación. La campaña muestra cómo el retail puede evolucionar desde promociones basadas en calendario hacia sistemas comerciales impulsados por comportamiento y contexto. En un entorno donde captar atención resulta cada vez más complejo, esa diferencia puede convertirse en una ventaja competitiva para las marcas que logren detectar el momento adecuado para actuar.

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• Netflix considera que su alianza con TF1 puede convertirse en un modelo para otros mercados.
• La compañía busca crecer mediante acuerdos de distribución sin modificar su estrategia de adquisiciones.
• El movimiento anticipa cambios para cadenas de televisión, plataformas y anunciantes en América Latina.

Netflix abrió una nueva etapa en su estrategia de crecimiento. Tras anunciar un acuerdo con TF1, la mayor cadena comercial de Francia, la plataforma dejó claro que la iniciativa no será un caso único.

Greg Peters, director ejecutivo de Netflix, afirmó al Financial Times que la compañía está dispuesta a explorar acuerdos similares con otros grupos de medios si estos permiten ampliar la oferta para sus suscriptores.

La alianza permitirá que los usuarios de Netflix en Francia accedan tanto a los canales lineales de TF1 como a su catálogo bajo demanda desde una misma plataforma.

Se trata de un movimiento poco habitual para una empresa que históricamente apostó por producir contenido propio o licenciar títulos de terceros sin integrar canales de televisión tradicionales dentro de su ecosistema.

El mensaje detrás de la operación va más allá de Francia. Netflix parece estar probando una nueva vía para fortalecer su posición en un mercado cada vez más competitivo y fragmentado.

Una estrategia de crecimiento sin adquisiciones

Durante los últimos meses, Netflix apareció vinculada a distintos rumores de adquisiciones dentro de la industria del entretenimiento. Entre ellos figuraron conversaciones relacionadas con Roku y especulaciones sobre posibles movimientos en torno a estudios de Hollywood.

Sin embargo, Peters descartó un cambio de rumbo. Según explicó, la compañía evaluó distintas alternativas, pero mantiene su convicción de que su fortaleza está en la distribución y no en la fabricación de dispositivos o la compra masiva de activos.

La lógica detrás de las alianzas entre Netflix y TV responde precisamente a esa visión. En lugar de adquirir cadenas o grupos audiovisuales, la empresa puede incorporar contenido, audiencias y capacidades comerciales mediante acuerdos estratégicos.

Para Netflix, la ventaja es evidente. La plataforma suma programación local, eventos en vivo, noticias o formatos televisivos que históricamente quedaron fuera de su propuesta sin asumir los costos y riesgos de una adquisición multimillonaria.

Al mismo tiempo, los broadcasters encuentran una nueva ventana de distribución en un contexto donde la televisión lineal enfrenta una caída sostenida de audiencias, especialmente entre los consumidores más jóvenes.

El cambio que representa la convergencia entre streaming y televisión

El aspecto más relevante del acuerdo no es el contenido que incorpora Netflix, sino el comportamiento que impulsa dentro de la industria.

Durante años, las plataformas de streaming y las cadenas de televisión operaron como competidores directos.

El crecimiento de una categoría parecía producirse a costa de la otra. Ahora comienza a emerger un escenario diferente, en el que ambos actores pueden colaborar para concentrar audiencias dentro de una misma experiencia.

La operación con TF1 refleja una tendencia que también aparece en otros mercados: el valor ya no reside únicamente en producir contenido, sino en controlar el punto de acceso desde el cual el usuario consume entretenimiento.

En este contexto, Netflix busca convertirse en una plataforma capaz de reunir distintas ofertas audiovisuales bajo una misma suscripción o interfaz. El movimiento se asemeja más al papel histórico de los operadores de televisión de paga que al de una plataforma de streaming tradicional.

La estrategia comunica una idea, pero también diseña un comportamiento. El objetivo es que el usuario permanezca dentro del ecosistema de Netflix para acceder a una variedad creciente de contenidos, independientemente de quién los produzca.

Para la industria, esto representa un cambio relevante porque desplaza la competencia desde el contenido individual hacia la capacidad de agregar y organizar múltiples ofertas de entretenimiento.

Lo que podría significar para América Latina

Aunque el acuerdo fue anunciado en Francia, sus implicaciones podrían extenderse a otros mercados, incluida América Latina.

La región cuenta con grandes grupos de medios que poseen bibliotecas locales, canales abiertos y señales de televisión de paga con fuerte reconocimiento de marca.

Empresas como TelevisaUnivision, Globo o Caracol Televisión podrían observar con interés modelos que amplíen el alcance de sus contenidos entre audiencias digitales.

Para los anunciantes, una integración de este tipo también tendría implicaciones. Si las plataformas comienzan a concentrar programación de múltiples proveedores, aumentará la capacidad para segmentar audiencias y desarrollar ofertas publicitarias más sofisticadas.

El avance de los planes con publicidad dentro del streaming refuerza esa posibilidad. Cuanto más tiempo pasen los usuarios dentro de una misma plataforma, mayor será el volumen de datos y oportunidades comerciales disponibles para los anunciantes.

Por otra parte, los broadcasters latinoamericanos enfrentan desafíos similares a los de Europa: fragmentación de audiencias, migración hacia plataformas digitales y presión sobre los ingresos tradicionales de publicidad.

Las alianzas entre Netflix y TV podrían convertirse en una alternativa para ampliar distribución sin asumir inversiones tecnológicas de gran escala.

Todavía es temprano para anticipar acuerdos concretos en la región. Sin embargo, las declaraciones de Peters sugieren que Netflix considera este modelo como una herramienta de crecimiento potencial.

Si los resultados en Francia son positivos, el experimento podría transformarse en una referencia para otros mercados.

En una industria donde la escala vuelve a ganar importancia, la capacidad de reunir contenidos, audiencias y publicidad dentro de un mismo entorno podría convertirse en una de las principales ventajas competitivas de los próximos años.

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Colaboración de marcas: convierten un helado icónico en sandalias para niños

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• Sanuk y Dippin’ Dots presentaron una colección de sandalias infantiles inspirada en los sabores y la estética del famoso helado estadounidense.
• La iniciativa combina licensing, diseño de producto y construcción de marca más allá de las categorías tradicionales.
• Casos de Crocs y Bimbo muestran cómo otras marcas también trasladaron sus activos visuales a categorías distintas para ampliar su alcance.

La colaboración de marcas sigue ganando terreno como una herramienta para ampliar la relevancia de las compañías fuera de sus mercados tradicionales. El ejemplo más reciente llega desde Estados Unidos, donde Sanuk y Dippin’ Dots lanzaron una colección de sandalias para niños inspirada en el icónico helado de pequeñas esferas congeladas.

La colección toma como base las Bubblecush Flip Flops de Sanuk, una marca estadounidense especializada en calzado casual y productos orientados al estilo de vida al aire libre.

Aunque cuenta con presencia en Estados Unidos y Canadá, su reconocimiento en México y América Latina todavía es limitado frente a competidores más masivos del segmento.

Por su parte, Dippin’ Dots es una empresa conocida por comercializar helado elaborado mediante congelación criogénica, lo que produce pequeñas bolitas que se convirtieron en el principal elemento distintivo de la marca.

Durante décadas, sus productos estuvieron presentes en parques de diversiones, centros comerciales y espacios recreativos de Estados Unidos.

La nueva línea incluye versiones inspiradas en sabores como Mint Chocolate y Rainbow Ice. Además de los colores asociados con esos productos, las sandalias incorporan una plantilla con pequeñas esferas que remite visualmente al aspecto característico del helado.

Más que un producto: una transferencia de activos de marca

Lo interesante del caso no está únicamente en el lanzamiento de una edición limitada. La operación muestra cómo las empresas buscan trasladar activos visuales y emocionales a categorías distintas para mantener vigente la relación con los consumidores.

En este caso, Dippin’ Dots no vende helado dentro de la colaboración. Lo que comercializa es reconocimiento de marca.

Su textura, colores y apariencia funcionan como elementos suficientemente identificables para convertirse en parte del diseño de otro producto.

Sanuk, por su parte, encuentra una oportunidad para diferenciar una categoría altamente competitiva como la del calzado infantil. En lugar de competir únicamente por precio o funcionalidad, incorpora una narrativa asociada con diversión, verano y experiencias familiares.

La campaña comunica una idea, pero también diseña un comportamiento. El objetivo no es únicamente recordar una marca de helados, sino transformar ese recuerdo en una decisión de compra dentro de una categoría completamente diferente.

El crecimiento del licensing apunta a experiencias, no sólo a personajes

Durante años, buena parte de las colaboraciones de licensing estuvieron dominadas por franquicias de entretenimiento, personajes animados y propiedades intelectuales del cine o la televisión. Sin embargo, el mercado muestra una evolución hacia marcas de consumo cotidiano que poseen códigos visuales reconocibles.

Lo que Sanuk y Dippin’ Dots ponen sobre la mesa es una tendencia donde las empresas ya no necesitan un personaje famoso para construir una colaboración atractiva. Un producto, una textura o incluso una experiencia pueden convertirse en el activo principal.

Para las marcas latinoamericanas, el aprendizaje resulta relevante porque permite monetizar elementos propios que muchas veces pasan desapercibidos.

Colores, empaques, formas o rituales de consumo pueden extenderse hacia nuevas categorías sin necesidad de grandes inversiones en desarrollo de propiedad intelectual.

La lógica estratégica de la colaboración de marcas consiste en identificar aquello que hace reconocible a una marca y transformarlo en una experiencia tangible para el consumidor.

Dos ejemplos que muestran cómo esta estrategia también funciona en la región

Un ejemplo cercano para México y América Latina es la colaboración entre Crocs y Bimbo.

La marca de calzado lanzó una edición especial inspirada en el pan más emblemático de la empresa mexicana, incorporando elementos visuales asociados con el empaque del producto y accesorios decorativos relacionados con la marca.

La importancia de ese caso radica en que Bimbo no trasladó el producto alimenticio al calzado. Lo que exportó fue su identidad visual.

El oso Bimbo, los colores corporativos y los símbolos asociados al consumo cotidiano se transformaron en elementos de moda. La colaboración permitió que una marca tradicionalmente vinculada con alimentos apareciera en conversaciones relacionadas con estilo de vida, moda y cultura pop.

Otro ejemplo proviene de Brasil con las múltiples colaboraciones desarrolladas por Havaianas junto a marcas de alimentos y bebidas.

Entre ellas destacan ediciones inspiradas en productos de consumo masivo que aprovecharon la enorme capacidad de reconocimiento construida durante décadas.

En estos casos, la sandalia funciona como una plataforma donde las marcas exhiben sus códigos visuales frente a consumidores que quizás no interactúan diariamente con sus productos originales.

La diferencia frente a las colaboraciones tradicionales es que el valor ya no depende de un personaje o una celebridad. Depende de la familiaridad que el consumidor tiene con una marca y de la capacidad de trasladar esa familiaridad a nuevos contextos de compra.

Lo que enseña la colaboración de marcas entre Sanuk y Dippin’ Dots

La alianza entre ambas compañías refleja una tendencia cada vez más visible en marketing: las marcas buscan convertirse en plataformas capaces de extenderse hacia categorías inesperadas.

Más allá de las ventas que pueda generar la colección, la colaboración permite que Sanuk gane visibilidad mediante una asociación emocional con el verano y que Dippin’ Dots permanezca presente en momentos de consumo donde normalmente no tendría participación.

Para las empresas latinoamericanas, el caso demuestra que los activos de marca pueden generar valor mucho más allá de la categoría donde nacieron cuando hacen colaboración de marcas.

Cuando un logotipo, una textura, un empaque o una experiencia son fácilmente reconocibles, pueden convertirse en la base de nuevas oportunidades comerciales y de comunicación.

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• Netflix anunció una nueva ola de productos y experiencias para celebrar el primer aniversario de KPop Demon Hunters.
• La iniciativa muestra cómo las plataformas de streaming buscan extender el valor comercial de sus propiedades intelectuales más allá de la pantalla.
• El caso se suma a estrategias similares vistas en franquicias como Stranger Things y The Mandalorian.

Cuando KPop Demon Hunters llegó a Netflix, el proyecto parecía seguir el camino habitual de muchas producciones animadas: captar audiencia, generar conversación y fortalecer el catálogo de la plataforma.

Un año después, la estrategia alrededor de la película apunta en una dirección mucho más ambiciosa.

Netflix anunció una nueva expansión de productos licenciados para celebrar el primer aniversario de la producción.

La iniciativa incluye nuevas colecciones de moda, juguetes, artículos de belleza y activaciones presenciales en distintas ciudades del mundo. Más allá de los lanzamientos puntuales, el movimiento refleja una tendencia cada vez más visible dentro de la industria del streaming: convertir una producción exitosa en una franquicia capaz de generar ingresos y relevancia cultural durante años.

Entre las novedades anunciadas, y sobre las que te hemos contado en Merca2.0, se encuentran una colección inspirada en la canción “Golden” desarrollada junto a Vans, nuevas muñecas de Mattel, figuras Furblets de Hasbro, peluches de Jazwares y una expansión de la colaboración con la marca coreana de skincare Anua.

Además, la compañía Bemyfriends continuará organizando pop-ups oficiales de la franquicia en ciudades como Seúl, Hong Kong, Yakarta, Taipéi, Frankfurt, Dubái, Los Ángeles y Tokio.

La diversidad de categorías involucradas revela que el objetivo ya no se limita al entretenimiento. Netflix busca que KPop Demon Hunters funcione como una propiedad intelectual capaz de habitar distintos espacios del consumo cotidiano.

El nuevo negocio del streaming va más allá de las suscripciones

Durante años, el principal indicador de éxito para una plataforma de streaming estuvo asociado al crecimiento de suscriptores. Sin embargo, el mercado actual obliga a las compañías a diversificar fuentes de ingresos y a extender el ciclo de vida de sus contenidos.

En ese contexto, el licensing adquiere una relevancia cada vez mayor. Una propiedad intelectual exitosa puede generar ventas de productos, colaboraciones de marcas, eventos en vivo, experiencias inmersivas y acuerdos comerciales que continúan produciendo valor mucho después del estreno.

KPop Demon Hunters encaja perfectamente en esa lógica. La película combina música, personajes fácilmente identificables, una estética visual reconocible y una comunidad de fans activa.

Esos elementos facilitan la creación de productos que pueden comercializarse en distintos mercados y categorías.

La estrategia también permite que Netflix mantenga la conversación alrededor de la franquicia incluso cuando no existe un nuevo lanzamiento audiovisual. Cada colaboración comercial funciona como un nuevo punto de contacto con la audiencia.

De contenido exitoso a franquicia de entretenimiento

El caso recuerda otros ejemplos recientes dentro de la economía del entretenimiento.

Uno de ellos es Stranger Things. La serie se convirtió en una de las propiedades intelectuales más valiosas de Netflix gracias a una estrategia que incluyó colaboraciones con marcas como Nike, Lego, Burger King, Doritos y Casetify, entre muchas otras.

La clave no estuvo únicamente en vender productos. Netflix logró transformar la estética ochentera de la serie en un activo comercial capaz de adaptarse a múltiples categorías de consumo.

Otro referente es The Mandalorian, de Disney+. La aparición de Grogu permitió desarrollar una enorme operación de licensing global que incluyó juguetes, ropa, artículos para el hogar y experiencias en parques temáticos.

En ambos casos, las compañías identificaron elementos narrativos capaces de trascender la pantalla y convertirse en productos con valor propio. KPop Demon Hunters parece recorrer un camino similar.

La diferencia es que esta franquicia combina dos fenómenos particularmente atractivos para las marcas: la fuerza global de la cultura pop coreana y la capacidad de movilización de los fandoms digitales.

El verdadero activo es la comunidad de fans

Más que comunicar una idea, la estrategia alrededor de KPop Demon Hunters busca sostener un comportamiento: mantener activa a la comunidad de seguidores durante todo el año.

Los pop-ups internacionales, las ediciones especiales y las colaboraciones con marcas permiten que los fans sigan interactuando con la franquicia incluso cuando no están consumiendo la película.

Este aspecto resulta especialmente relevante para las compañías de entretenimiento. Un fandom activo puede convertirse en un motor constante de ventas, conversación orgánica y generación de contenido en redes sociales.

Para las marcas latinoamericanas, el aprendizaje es claro. Las propiedades intelectuales más valiosas ya no dependen exclusivamente del contenido original.

Su fortaleza está en la capacidad de construir comunidades que participen, compartan experiencias y mantengan vivo el interés mucho después del lanzamiento inicial.

Lo que podría venir después para KPop Demon Hunters

Si se analiza la evolución reciente de las franquicias de entretenimiento, existen al menos dos movimientos que podrían aparecer en la siguiente etapa de crecimiento de KPop Demon Hunters.

El primero sería una experiencia inmersiva itinerante.

Netflix ya desarrolla activaciones físicas en distintos mercados y podría escalar el concepto hacia espacios interactivos donde los fans participen en dinámicas inspiradas en el universo narrativo de la película, adquieran mercancía exclusiva y generen contenido para redes sociales.

El segundo escenario apunta a una expansión musical independiente. 

Dado que la historia está estrechamente vinculada al universo del K-pop, la compañía podría desarrollar conciertos especiales, colaboraciones con artistas reales o lanzamientos musicales diseñados para funcionar como productos autónomos.

Ambas posibilidades responden a una misma lógica estratégica: ampliar la presencia de la franquicia más allá del consumo audiovisual y convertirla en una plataforma de entretenimiento con múltiples fuentes de ingresos.

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• DoorDash convirtió su logo en un marcador que se actualiza en tiempo real durante el Mundial de la FIFA 2026.
• La campaña forma parte de “Deliver Us To Fútbol”, desarrollada por GUT Los Angeles.
• La iniciativa refleja una tendencia en la que las marcas adaptan sus activos de identidad para integrarse a las conversaciones que ya capturan la atención de las audiencias.

El Mundial de la FIFA 2026 representa una de las mayores oportunidades de exposición para las marcas. Sin embargo, también plantea un desafío evidente: durante los partidos, la atención de millones de personas está concentrada en el juego, los resultados y los momentos que pueden cambiar el rumbo de un encuentro en cuestión de segundos.

Frente a ese escenario, DoorDash decidió modificar una de las piezas más reconocibles de su identidad visual.

La compañía de entrega a domicilio presentó una ejecución que transforma su logo en un marcador en tiempo real, incorporando los resultados de los partidos directamente dentro de su nombre.

La iniciativa forma parte de “Deliver Us To Fútbol”, la plataforma creativa desarrollada por GUT Los Angeles para acompañar la participación de DoorDash como patrocinador oficial de la Copa Mundial de la FIFA 2026.

Cuando el marcador ocupa el lugar del logo

La ejecución parte de una observación sencilla: durante el Mundial, las personas prestan más atención a los resultados. Mucha atención.

En respuesta, DoorDash sustituyó la parte central de su logotipo por un marcador dinámico que muestra el resultado de los encuentros en tiempo real junto con las banderas de las selecciones participantes.

El recurso mantiene la identidad visual de la marca, pero adapta su estructura para incorporar la información que los aficionados buscan de manera constante durante el torneo.

La acción se desplegará en espectaculares digitales de ciudades como Nueva York, Los Ángeles y Miami, donde los marcadores se actualizarán a lo largo de los 104 partidos programados para la competencia.

La propuesta permite que la marca permanezca visible sin intentar competir directamente con el evento deportivo. En lugar de reclamar atención adicional, integra dentro de su propio sistema visual el contenido que domina la conversación global.

El branding en tiempo real busca relevancia más que protagonismo

La campaña refleja una evolución dentro del branding en tiempo real. Durante años, muchas marcas aprovecharon eventos deportivos para lanzar mensajes temáticos, promociones especiales o anuncios vinculados a la conversación del momento.

En este caso, DoorDash adopta una estrategia diferente. La marca no utiliza el Mundial únicamente como contexto publicitario, sino que modifica un activo central de su identidad para alinearlo con el comportamiento de la audiencia.

La lógica detrás de la acción consiste en reconocer que el resultado de cada partido concentra gran parte de la atención pública. En lugar de competir contra ese interés, la marca lo incorpora a su comunicación.

Este enfoque resulta relevante porque muestra cómo los activos visuales pueden adaptarse a situaciones específicas sin perder reconocimiento. El logo sigue siendo identificable, pero adquiere una función adicional vinculada al contexto deportivo.

Más allá del fútbol: una tendencia aplicable para otras marcas

El caso también ofrece una lectura más amplia para el marketing y la publicidad.

La campaña comunica una idea, pero también modifica la manera en que la identidad visual interactúa con el entorno.

El valor no se encuentra únicamente en mostrar apoyo al Mundial, sino en utilizar un elemento corporativo tradicional como un espacio capaz de reflejar información relevante para la audiencia.

Para las marcas en América Latina, el aprendizaje va más allá del fútbol. La iniciativa demuestra que el branding en tiempo real puede construirse a partir de activos existentes, siempre que exista una conexión clara entre la identidad de la empresa y el comportamiento de las personas.

A medida que las plataformas digitales, la publicidad exterior y los sistemas de datos permiten actualizaciones instantáneas, es probable que más compañías exploren formas de convertir logos, empaques, aplicaciones o interfaces en elementos dinámicos capaces de adaptarse a conversaciones específicas.

En el caso de DoorDash, la apuesta consiste en aceptar que durante el Mundial los aficionados miran primero los marcadores. La respuesta de la marca fue convertir ese comportamiento en parte de su propia identidad visual.

Algo como esto hizo Krispy Kreme en España. Por el Mundial, encontró una forma poco habitual de capitalizar uno de los momentos más frustrantes del fútbol: los empates sin goles.

La marca activó una dinámica que convierte cada marcador 0-0 en una oportunidad para regalar donuts gratis en tiendas participantes. Te lo contamos en Merca2.0.

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La noticia sobre la venta de Pizza Hut por 2,700 millones de dólares provocó incertidumbre entre miles de clientes, quienes comenzaron a preguntarse si la cadena de restaurantes abandonará México o si sus sucursales dejarán de operar. La realidad es que, aunque Yum! Brands, empresa propietaria de la marca, confirmó la venta de todo el negocio de Pizza Hut, esto no significa que la franquicia desaparezca de México, ya que la operación corresponde a un cambio de propietarios y no al cierre de la cadena.

¿Pizza Hut se va de México?

Hasta el momento, Pizza Hut México continúa funcionando de manera habitual y no existe ningún anuncio sobre el cierre de sus restaurantes o el fin de sus operaciones en el país.

La transacción anunciada por Yum! Brands contempla la venta de la marca a nivel global mediante dos operaciones. La firma de inversión estadounidense LongRange Capital adquirirá el negocio internacional de Pizza Hut —con excepción de China continental— por 1,500 millones de dólares, mientras que Yum China Holdings comprará las operaciones en China por 1,200 millones de dólares.

Esto significa que los restaurantes seguirán abiertos, aunque pasarán a formar parte de nuevos propietarios una vez que la operación concluya, algo previsto para el tercer trimestre de 2026 tras recibir las autorizaciones regulatorias correspondientes.

¿Por qué Yum! Brands decidió vender Pizza Hut?

La decisión llega después de varios años en los que Pizza Hut registró un desempeño inferior al de otras marcas del grupo, como KFC y Taco Bell.

Los reportes financieros mostraron una desaceleración en las ventas, especialmente en Estados Unidos, donde la cadena enfrentó una competencia cada vez más fuerte por parte de otras pizzerías y de las plataformas de entrega a domicilio.

A ello se suman factores como la inflación, el aumento en los costos de los alimentos y un consumo más moderado por parte de los clientes, quienes han reducido su gasto en restaurantes de comida rápida.

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Los cierres de restaurantes ocurrieron únicamente en Estados Unidos

Como parte de su estrategia para mejorar la rentabilidad antes de concretar la venta, Yum! Brands anunció el cierre de alrededor de 250 sucursales en Estados Unidos.

Sin embargo, la empresa mantiene más de 6,000 restaurantes en ese país y cerca de 19,000 establecimientos distribuidos en más de 100 países y territorios, por lo que la marca continuará operando a nivel internacional.

¿Quiénes serán los nuevos dueños de Pizza Hut?

La mayor parte del negocio quedará bajo el control de LongRange Capital, firma de inversión estadounidense conocida por participar en la recuperación de diversas empresas del sector restaurantero.

Su fundador, Bob Berlin, aseguró que trabajará de la mano con el equipo directivo y los franquiciatarios para impulsar una nueva etapa de crecimiento para la cadena.

Por su parte, Yum China Holdings, empresa que administra varias marcas de comida rápida en China desde que se independizó de Yum! Brands en 2016, asumirá el control de Pizza Hut en ese mercado.

¿Pizza Hut desaparecerá?

Por ahora, no. La venta representa un cambio de propietarios y de estrategia empresarial, pero no implica la desaparición de la marca.

De hecho, los nuevos dueños buscarán fortalecer el negocio en un mercado donde Pizza Hut enfrenta una competencia creciente de cadenas como Domino’s, además del auge de plataformas de entrega como Uber Eats y DoorDash, que han cambiado la forma en que los consumidores compran pizza.

La histórica cadena, fundada en 1958 en Wichita, Kansas, inicia así una nueva etapa con el objetivo de recuperar terreno en la industria de la comida rápida, mientras que en países como México sus restaurantes continúan operando con normalidad bajo el modelo de franquicias.

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• La campaña recupera el primer partido de Lionel Messi con la Selección Argentina Sub-20.
• TyC Sports construye la épica a partir de una historia olvidada y una cancha casi vacía.
• El caso deja lecciones de storytelling, estrategia y construcción de marca para el Mundial 2026.

Mientras gran parte de la conversación mundial alrededor de Lionel Messi se concentra en los tres goles en su debut en el Mundial 2026 frente a Argelia, TyC Sports decidió mirar en otra dirección. En lugar de sumarse a la narrativa del “Last Dance”, y de que sea la última Copa FIFA del jugador argentino, eligió contar el primero.

La campaña First Dance, desarrollada por Mercado McCann, recupera el debut de Messi con la Selección Argentina Sub-20. No se trata de una final, un gol histórico ni una consagración.

El punto de partida es un partido que muy pocas personas recuerdan y que, en aquel momento, parecía uno más dentro del calendario juvenil.

La pieza reconstruye aquella jornada mediante testimonios de periodistas, jugadores y personas que estuvieron presentes.

Los relatos revelan detalles que hoy parecen difíciles de creer: la cancha estaba prácticamente vacía, el encuentro se organizó con poco tiempo de anticipación, existía la preocupación de que España convocara al jugador y hasta su apellido apareció escrito incorrectamente en la planilla oficial.

Con el paso de los minutos, esos elementos dejan de funcionar como simples anécdotas. Se convierten en pruebas de autenticidad. La campaña demuestra que los momentos que cambian la historia rara vez parecen históricos cuando ocurren.

Cuando la épica nace de lo ordinario

Uno de los aspectos más interesantes del trabajo es la manera en que construye emoción.

La mayoría de las campañas deportivas recurren a imágenes de triunfo, estadios llenos o momentos de gloria colectiva. First Dance utiliza la estrategia contraria.

En lugar de mostrar a Messi como una leyenda consolidada, lo presenta como un joven que ingresa con el número 17 en un partido que casi nadie observaba. El contraste entre lo que el espectador sabe hoy y lo que los protagonistas sabían entonces genera una poderosa ironía dramática.

La campaña aprovecha una ventaja narrativa poco frecuente: la audiencia conoce perfectamente el desenlace de la historia. Lo que desconoce son las condiciones bajo las cuales comenzó.

Esa decisión transforma cada detalle aparentemente irrelevante en una pieza fundamental del relato. La cancha vacía, la convocatoria improvisada o el error en la planilla adquieren valor porque permiten observar el origen de una figura que posteriormente se convirtió en uno de los deportistas más influyentes del planeta.

Más que comunicar una idea, la campaña diseña una nueva forma de observar la historia deportiva.

El patrón estratégico que puede influir en el Mundial 2026

Desde una perspectiva de marketing, First Dance representa una tendencia que probablemente gane fuerza durante el Mundial 2026.

Durante años, las marcas deportivas construyeron campañas alrededor de récords, victorias y momentos de máxima exposición. Sin embargo, las audiencias muestran cada vez más interés por historias que revelan el proceso detrás del éxito.

En ese contexto, el trabajo de TyC Sports funciona como una referencia para futuras campañas.

Un ejemplo hipotético podría ser una iniciativa de Nike centrada en Lamine Yamal. En lugar de utilizar sus actuaciones más conocidas con la Selección Española, la marca podría reconstruir uno de sus primeros partidos juveniles ante una audiencia mínima.

La historia se apoyaría en entrenadores, familiares y compañeros que recuerdan detalles aparentemente menores que hoy adquieren otro significado.

Otro caso podría surgir alrededor de Jude Bellingham. Una campaña de Adidas podría enfocarse en el día de su debut profesional en Birmingham.

En lugar de mostrar estadísticas o trofeos, la narrativa podría apoyarse en testimonios de empleados del estadio, aficionados o integrantes del club que vivieron aquel momento sin imaginar la dimensión que alcanzaría posteriormente su carrera.

Ambos ejemplos comparten el mismo principio estratégico que utiliza First Dance: desplazar la atención desde el éxito hacia el origen.

Lo que esta campaña enseña a las marcas latinoamericanas

El principal aprendizaje del caso es que las historias más potentes no siempre se encuentran en los momentos más visibles.

Durante años, muchas estrategias de comunicación buscaron amplificar la grandeza de una marca, una celebridad o un acontecimiento. First Dance demuestra que también existe valor en explorar aquello que pasó desapercibido.

La campaña convierte un partido olvidado en un activo narrativo capaz de competir dentro de una conversación global dominada por el Mundial y por Lionel Messi.

Para las marcas latinoamericanas, la lección resulta especialmente relevante. En mercados donde competir por presupuesto y visibilidad suele ser complejo, encontrar historias humanas y poco exploradas puede generar una ventaja más efectiva que intentar replicar formatos tradicionales de gran escala.

El caso también evidencia una diferencia importante entre mensaje y comportamiento. Muchas campañas deportivas comunican admiración hacia una figura. TyC Sports construye una experiencia que invita al público a reconsiderar cómo nacen las leyendas.

Una idea con potencial de reconocimiento internacional

Desde una perspectiva de festivales, el trabajo posee varios atributos valorados por los jurados internacionales.

La ejecución combina material de archivo, testimonios documentales y una estructura narrativa sólida. Sin embargo, el elemento más fuerte se encuentra en la estrategia.

Mercado McCann identifica una conversación global centrada en el supuesto último Mundial de Messi y decide intervenir desde el extremo opuesto. Mientras otros relatos observan el final de una trayectoria, la campaña recupera un momento que prácticamente había desaparecido de la memoria colectiva.

Esa inversión narrativa convierte una historia conocida en algo nuevo.

Por esa razón, First Dance tiene características que podrían encontrar espacio en categorías como Film, Entertainment o Creative Strategy.

Su fortaleza no radica únicamente en contar una historia emotiva, sino en revelar un comportamiento cultural: las personas recuerdan dónde estaban cuando ocurre la gloria, pero pocas veces saben dónde comenzó realmente.

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• Inglaterra lanzó una colección inédita de figuras Funko con 11 futbolistas de la selección.
• Panini presentó nuevas tarjetas y productos coleccionables vinculados al Mundial 2026.
• La estrategia refleja cómo las federaciones utilizan el licensing para ampliar ingresos y fortalecer sus marcas.

Mientras Inglaterra se prepara para su debut frente a Croacia en el Mundial 2026 este miércoles 17 de junio, la Football Association (FA) impulsa una serie de lanzamientos comerciales que buscan aprovechar el entusiasmo de los aficionados más allá de los 90 minutos.

La organización presentó nuevas figuras coleccionables junto a Funko y una línea especial de tarjetas con Panini, dos iniciativas que forman parte de una estrategia más amplia de marketing del Mundial 2026.

La apuesta refleja una tendencia cada vez más visible en el deporte internacional. Las selecciones nacionales ya no dependen exclusivamente de la venta de camisetas o productos tradicionales.

Ahora buscan expandir su presencia hacia categorías que conectan con públicos distintos y generan nuevas fuentes de ingresos.

En el caso de Inglaterra, la estrategia coincide con uno de los momentos de mayor visibilidad para la selección. El inicio de la Copa del Mundo ofrece una oportunidad única para captar la atención de millones de aficionados y transformarla en consumo de productos oficiales.

Funko y Panini se convierten en aliados de la selección inglesa

Uno de los lanzamientos más destacados es la nueva colección desarrollada junto a Funko. La línea incluye 11 futbolistas de Inglaterra y representa la primera vez que la compañía crea una colección completa de una selección nacional de fútbol.

Además, la marca puso en marcha una versión personalizada que permite a los aficionados crear su propia figura utilizando la camiseta inglesa.

La iniciativa combina personalización, cultura pop y pasión deportiva, tres elementos que suelen impulsar la demanda de artículos coleccionables.

Por su parte, Panini amplió su presencia en torno al torneo con una colección especial vinculada a Inglaterra. La propuesta incluye tarjetas y discos coleccionables que celebran tanto a la selección masculina como a la femenina.

La compañía también participa en el álbum oficial del Mundial 2026, una de las tradiciones comerciales más consolidadas del fútbol internacional. Para muchas marcas, la relación entre aficionados y coleccionables comienza precisamente con este tipo de productos, que mantienen vigencia incluso en un entorno dominado por plataformas digitales.

El auge de los coleccionables deportivos durante los grandes torneos

La estrategia de Inglaterra se apoya en una tendencia que gana fuerza desde hace varios años. Los artículos coleccionables dejaron de ser un producto dirigido únicamente a niños o aficionados especializados.

Actualmente forman parte de un mercado que combina entretenimiento, nostalgia y cultura de consumo.

Durante los grandes eventos deportivos, estos productos adquieren una relevancia especial porque permiten a los aficionados conservar un recuerdo tangible de jugadores, equipos y momentos asociados al torneo.

La lógica detrás de este fenómeno es sencilla. Mientras un partido dura apenas unas horas, una figura, una tarjeta o una estampa pueden permanecer durante años en manos del consumidor. Para las organizaciones deportivas, esto representa una oportunidad para prolongar la relación emocional con los seguidores.

Además, los coleccionables permiten llegar a públicos que quizá no compren una camiseta oficial, pero sí están dispuestos a adquirir productos vinculados con sus jugadores favoritos o con una edición limitada relacionada con el Mundial.

Argentina y Francia muestran el potencial de esta estrategia

La apuesta inglesa encuentra antecedentes recientes en otras selecciones que lograron convertir el entusiasmo mundialista en oportunidades comerciales.

Uno de los ejemplos más visibles ocurrió con Argentina tras el Mundial de Qatar 2022. El álbum oficial de Panini se transformó en un fenómeno de consumo que generó largas filas, agotamiento de sobres y un intenso mercado de intercambio entre aficionados.

La conquista del título por parte de la selección argentina impulsó aún más el interés por estampas y productos relacionados con figuras como Lionel Messi.

El fenómeno confirmó que los artículos coleccionables pueden mantener vivo el vínculo entre aficionados y selección incluso después de terminado el torneo.

Otro caso relevante es el de Francia. Tras conquistar el Mundial de Rusia 2018, varios de sus futbolistas comenzaron a protagonizar líneas especiales de merchandising y productos coleccionables vinculados con figuras como Kylian Mbappé y Antoine Griezmann.

La federación francesa aprovechó la popularidad de sus jugadores para expandir su presencia comercial en categorías alejadas de la indumentaria tradicional. El resultado fue una mayor exposición de la marca Francia en segmentos relacionados con entretenimiento, cultura pop y productos para coleccionistas.

Más allá de la cancha: el negocio del licensing deportivo

La estrategia de Inglaterra demuestra que el valor comercial de una selección nacional ya no depende únicamente de los resultados deportivos.

El licensing se convirtió en una herramienta para construir marca, generar nuevas experiencias y ampliar la presencia de una organización en distintas categorías de consumo.

En este contexto, las alianzas con Funko y Panini permiten que la selección inglesa participe en mercados que combinan deporte, entretenimiento y cultura popular. El objetivo no es simplemente vender productos.

Se trata de mantener a los aficionados conectados con la marca Inglaterra durante todo el ciclo del Mundial.

Para las federaciones deportivas, el desafío consiste en transformar la atención que generan los grandes torneos en relaciones de largo plazo con sus seguidores. Los coleccionables aparecen como una de las herramientas más efectivas para lograrlo, especialmente en un escenario donde la experiencia del aficionado se extiende mucho más allá de los estadios.

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• Krispy Kreme España lanzó una promoción que regala donuts cada vez que un partido termina 0-0.
• La activación apuesta por el real time marketing y transforma resultados aburridos en tráfico físico.
• Otras marcas también aprovecharon resultados del Mundial para activar promociones inmediatas y conversación digital.

La promoción de Krispy Kreme por el Mundial encontró una forma poco habitual de capitalizar uno de los momentos más frustrantes del futbol: los empates sin goles.

La marca activó en España una dinámica que convierte cada marcador 0-0 en una oportunidad para regalar donuts gratis en tiendas participantes.

Alberto de Santos, Creative Director en SAMY y fundador de TABACO, compartió una pieza inspirada en el empate entre España y Cabo Verde dentro del Mundial 2026. El creativo escribió que “cada 0-0 es un 🍩-🍩”, una asociación visual inmediata entre el marcador y el producto estrella de Krispy Kreme.

La mecánica es sencilla: por cada empate 0-0 durante el Mundial, Krispy Kreme regala 100 donuts glaseados originales por tienda.

La promoción aprovecha un comportamiento habitual del futbol global: millones de personas comentan en redes sociales los partidos más aburridos del torneo. En lugar de evitar esa conversación negativa, la marca decide apropiarse de ella.

El movimiento resulta interesante porque transforma un resultado decepcionante en una recompensa inmediata para el consumidor. El usuario pasa de sentir que perdió 90 minutos frente al televisor a recibir una compensación tangible en forma de producto gratuito.

El Mundial se convirtió en terreno ideal para el real time marketing

Las grandes competencias deportivas llevan años funcionando como laboratorio para campañas publicitarias basadas en velocidad cultural.

Sin embargo, el caso de Krispy Kreme muestra un cambio importante: las marcas ya no necesitan pagar millones en patrocinio oficial para participar de la conversación global.

La promoción funciona porque utiliza un código visual extremadamente reconocible. El “0-0” ya parece dos donuts. La marca prácticamente no necesita explicar el concepto porque el cerebro del consumidor completa la asociación de manera automática.

Además, la campaña diseña comportamiento y no sólo comunicación. El objetivo no es únicamente generar likes o interacción social. También busca llevar personas a las tiendas físicas después de cada empate sin goles.

Ese enfoque se volvió cada vez más frecuente durante eventos masivos. Las marcas detectan patrones repetitivos del torneo y los convierten en disparadores automáticos de promociones, descuentos o recompensas inmediatas.

El Mundial ofrece condiciones ideales para este tipo de activaciones:

• partidos diarios,
• conversación constante en redes,
• memes en tiempo real,
• y audiencias masivas comentando simultáneamente.

Por eso muchas campañas publicitarias actuales dejan de centrarse exclusivamente en el storytelling tradicional y empiezan a funcionar como sistemas dinámicos conectados con lo que ocurre en vivo.

 

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Otras marcas ya utilizaron resultados deportivos como motor promocional

Otras marcas internacionales desarrollaron estrategias similares durante Mundiales anteriores, utilizando marcadores o situaciones del torneo para activar consumo inmediato.

Uno de los ejemplos más conocidos ocurrió en Brasil 2014 con McDonald’s y su campaña vinculada a los goles de la selección local. En algunos mercados, la cadena lanzó promociones donde determinados resultados activaban descuentos automáticos o productos gratis mediante apps y cupones digitales.

La lógica detrás de esas acciones es convertir cada partido en una expectativa comercial. El consumidor no sólo seguía el encuentro deportivo. También esperaba saber qué beneficio podía desbloquear el resultado final.

Otro caso relevante surgió durante Qatar 2022, cuando varias plataformas de delivery y apuestas deportivas en América Latina utilizaron promociones ligadas a marcadores específicos.

Rappi, por ejemplo, activó descuentos temporales cada vez que ciertas selecciones anotaban goles o avanzaban de ronda en mercados como México y Colombia.

Ese tipo de campañas publicitarias funcionan especialmente bien porque transforman el evento deportivo en una interfaz promocional permanente. El partido deja de ser únicamente entretenimiento y se convierte en una secuencia de posibles recompensas para el usuario.

En el caso de Krispy Kreme, el hallazgo creativo aparece justamente en utilizar el resultado menos atractivo del futbol.

Mientras la mayoría de las marcas premian goles, victorias o momentos épicos, la cadena convierte el aburrimiento en beneficio.

Las marcas buscan participar culturalmente sin ser patrocinadores oficiales

El caso también refleja un cambio más amplio en marketing deportivo. Durante años, las marcas necesitaban grandes contratos de patrocinio para tener presencia relevante durante el Mundial.

Hoy muchas compañías logran visibilidad a partir de creatividad contextual y velocidad en redes sociales.

Krispy Kreme encuentra un espacio cultural propio sin necesidad de utilizar logos oficiales de FIFA ni campañas multimillonarias de producción. La activación depende más de un insight social que de inversión masiva en medios.

Ese tipo de estrategias suele funcionar especialmente bien entre audiencias jóvenes acostumbradas a consumir contenido desde el humor, los memes y la interacción inmediata. La campaña adopta un tono liviano, cercano a internet y alejado de la épica tradicional del futbol.

Además, la idea tiene otra ventaja para la marca: puede repetirse durante todo el torneo. Cada nuevo empate 0-0 reactiva automáticamente la conversación y vuelve a poner a Krispy Kreme dentro del ciclo social del Mundial.

La activación también muestra cómo el retail y las cadenas de comida rápida utilizan cada vez más el real time marketing para generar tráfico físico.

En lugar de depender únicamente de campañas institucionales, las marcas buscan convertir eventos culturales masivos en mecanismos de visita inmediata a tienda.

Al final, la promoción demuestra que incluso el partido más aburrido del Mundial puede convertirse en una oportunidad comercial cuando una marca logra detectar el comportamiento correcto detrás de la conversación social.

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• Dunkin llevó su colaboración con Barbie a una experiencia física inmersiva en Nueva York.
• La estrategia transforma una cafetería en un espacio pensado para contenido social y tráfico urbano.
• Marcas como Starbucks y McDonald’s ya utilizaron activaciones similares para conectar con audiencias jóvenes.

La colaboración entre Dunkin’ y Barbie dio un nuevo paso en Nueva York. Después del lanzamiento de bebidas temáticas y productos inspirados en el universo rosa de la muñeca más famosa del mundo, la cadena convirtió una cafetería de Manhattan en una experiencia inmersiva diseñada para redes sociales, cultura pop y consumo visual.

La marca abrió la “Dunkin’ Barbie DreamHouse” en el local ubicado en 265 West 37th Street, en Manhattan.

La intervención incluye una fachada completamente rosa, menús personalizados, donas glaseadas en tonos Barbie, espacios para fotografías y merchandising exclusivo que transforma el punto de venta en una activación de marketing experiencial.

La iniciativa llega días después de que Dunkin’ presentara su nueva línea de bebidas inspiradas en Barbie, una estrategia que Merca2.0 documentó previamente con el lanzamiento de la espuma fría “Barbie Pink Strawberry Cold Foam” y un menú de temporada diseñado para reforzar la identidad visual de la colaboración.

Ahora, la marca lleva esa narrativa un paso más allá al convertir el espacio físico en parte central de la campaña.

Del co-branding al retail convertido en experiencia

La colaboración entre Dunkin’ y Barbie funciona como un ejemplo de cómo el co-branding evolucionó hacia modelos de retailtainment, una estrategia que combina consumo, entretenimiento y contenido digital en un mismo espacio.

La campaña ya no se limita a comunicar una idea. Diseña un comportamiento. La cafetería está pensada para que los visitantes tomen fotografías, graben videos y compartan contenido en TikTok e Instagram mientras consumen productos temáticos de edición limitada.

La lógica detrás de este tipo de activaciones responde a un cambio en la forma en que las marcas generan relevancia cultural.

En categorías como fast food y bebidas, el punto de venta dejó de funcionar únicamente como espacio de transacción para convertirse en una plataforma de contenido.

La estética rosa dominante, los elementos inspirados en la DreamHouse y las experiencias visuales dentro del local buscan aumentar el tiempo de permanencia de los consumidores y multiplicar el alcance orgánico de la campaña en redes sociales.

Además, la estrategia aprovecha el reconocimiento global de Barbie como propiedad intelectual. Después del impacto cultural y comercial que la franquicia alcanzó en los últimos años, distintas marcas comenzaron a utilizar su universo visual para conectar con consumidores jóvenes y audiencias nostálgicas.

 

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Las marcas de comida rápida buscan espacios “instagrammeables”

Dunkin’ no es la primera marca de la categoría en transformar un restaurante o cafetería en una experiencia inmersiva. En los últimos años, varias cadenas utilizaron activaciones físicas para convertir el consumo cotidiano en entretenimiento compartible.

Uno de los casos más conocidos fue el de Starbucks junto a BLACKPINK. La cadena lanzó bebidas inspiradas en el grupo de K-pop y acompañó la campaña con espacios tematizados, vasos coleccionables y una identidad visual diseñada para redes sociales.

La estrategia permitió a Starbucks capitalizar el enorme alcance digital del fandom de BLACKPINK y transformar una bebida temporal en un fenómeno de conversación global.

Otro ejemplo llegó con McDonald’s y su colaboración con la película Barbie en distintos mercados internacionales. La compañía intervino algunos restaurantes con decoraciones rosas, empaques especiales y experiencias visuales asociadas con la estética de la película.

La campaña funcionó como una extensión física de la conversación cultural alrededor del estreno cinematográfico y convirtió a los restaurantes en puntos de interacción para fans y creadores de contenido.

En ambos casos, las marcas entendieron que las colaboraciones más efectivas ya no dependen únicamente del producto. El valor aparece cuando el consumidor puede participar, fotografiar y compartir la experiencia.

El espacio físico vuelve a ganar valor para las campañas de marketing

La activación de Dunkin’ también refleja un cambio más amplio dentro del marketing contemporáneo. Después de años dominados por estrategias digitales, las marcas vuelven a invertir en espacios físicos capaces de generar experiencias memorables y viralidad orgánica.

La diferencia es que ahora esos espacios están diseñados para convivir con plataformas sociales. Cada rincón de la cafetería funciona como un escenario visual adaptable a TikTok, Instagram Reels o fotografías compartidas por usuarios.

En ese contexto, el diseño del punto de venta adquiere un rol estratégico dentro de las campañas de marketing.

La experiencia física deja de ser un complemento y se integra directamente en la narrativa de marca.

Para las marcas latinoamericanas, el caso ofrece un aprendizaje claro: las colaboraciones culturales tienen mayor impacto cuando trascienden el producto y se convierten en experiencias participativas. El consumidor actual busca espacios que pueda vivir, documentar y compartir.

Dunkin’ entendió esa lógica al convertir una cafetería tradicional de Manhattan en una DreamHouse temporal que mezcla nostalgia, entretenimiento y consumo visual dentro de una misma estrategia.

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• Pokémon Center presentó su primera colección oficial de accesorios para mascotas.
• La estrategia amplía el universo de la marca hacia el consumo cotidiano y emocional.
• Otras compañías como IKEA y Marvel también exploraron el mercado pet como extensión de fandom.

Pokémon Center presentó una nueva línea de accesorios para mascotas inspirada en algunos de los personajes más reconocibles de la franquicia.

La colección incluye camas, correas, arneses, platos y juguetes con diseños basados en Pikachu, Snorlax y Magikarp, entre otros Pokémon populares.

La iniciativa forma parte de Pokémon Playful Partners, una colección exclusiva que comenzó a venderse en Estados Unidos, Canadá, Australia, Nueva Zelanda, Alemania y Reino Unido a través de Pokémon Center, la tienda oficial online de The Pokémon Company.

Los productos fueron diseñados con ilustraciones originales del artista James Turner, conocido por su trabajo dentro del universo Pokémon.

La marca presentó la colección por primera vez durante el Pokémon North America International Championships 2026, celebrado en Nueva Orleans entre el 11 y el 14 de junio.

Más allá del lanzamiento comercial, la empresa también organizó un evento de adopción junto con Louisiana SPCA, organización dedicada a la protección animal. La activación conectó el lanzamiento de producto con una experiencia presencial vinculada al cuidado de mascotas y la comunidad fan.

El fandom ya no se limita al entretenimiento

La nueva línea muestra cómo las franquicias de entretenimiento buscan expandirse hacia espacios cotidianos de consumo. En lugar de quedarse dentro del gaming, el anime o los coleccionables, Pokémon ahora entra al mercado pet, una categoría que crece en distintos países y que combina funcionalidad con identidad emocional.

La estrategia no se centra únicamente en vender accesorios. Lo que diseña es una extensión del vínculo entre fan y marca.

Los productos convierten una actividad diaria, como pasear a un perro o elegir una cama para una mascota, en una expresión de pertenencia al universo Pokémon.

Ese movimiento también responde a un cambio en la lógica del merchandising. Durante años, las licencias funcionaron alrededor de juguetes, ropa o artículos escolares.

Ahora las marcas buscan integrar sus personajes en hábitos adultos y espacios domésticos donde el consumo tiene mayor permanencia.

El caso de Pokémon comunica una idea emocional, pero también diseña un comportamiento: incorporar la marca en rutinas vinculadas al cuidado animal. Ahí aparece una de las claves estratégicas detrás del lanzamiento.

Otras marcas también encontraron negocio en el mercado pet

Pokémon no es la primera compañía que convierte a las mascotas en una extensión de marca.

En los últimos años, distintas empresas de entretenimiento y retail desarrollaron líneas similares para conectar con consumidores que consideran a sus animales de compañía parte de su estilo de vida.

Uno de los ejemplos más visibles fue IKEA. La compañía sueca lanzó la colección Utsådd, una línea global de muebles y accesorios para mascotas desarrollada a partir de estudios sobre comportamiento animal en el hogar. La propuesta incluyó camas, mantas, juguetes y estaciones de alimentación diseñadas con la estética minimalista de la marca.

La estrategia de IKEA no apuntó únicamente a vender productos para perros y gatos. También buscó integrar a las mascotas dentro de la experiencia de diseño del hogar, un territorio históricamente asociado a la compañía.

De esa manera, el consumo pet dejó de verse como una categoría separada y pasó a formar parte de la identidad visual de la casa.

Otro caso relevante apareció con Marvel y Disney. Ambas compañías impulsaron colecciones de ropa y accesorios para mascotas inspiradas en personajes como Spider-Man, Loki o Grogu, especialmente a través de retailers como Target y Petco en Estados Unidos.

En ese caso, la lógica comercial se apoyó en la cultura fan. Los productos permitieron que los consumidores extendieran su vínculo con las franquicias hacia sus mascotas, convirtiendo a perros y gatos en parte visible del fandom.

Las campañas publicitarias alrededor de estas colecciones utilizaron redes sociales y contenido generado por usuarios para amplificar el alcance de forma orgánica.

Las mascotas se convierten en territorio estratégico para las marcas

El crecimiento del mercado pet transformó a las mascotas en un espacio atractivo para las marcas de entretenimiento, retail y lifestyle.

En distintos mercados, el gasto destinado a animales domésticos aumentó junto con una percepción más emocional sobre su lugar dentro de las familias.

Para las compañías, eso abre oportunidades de branding y consumo recurrente. Un juguete o una correa tienen una lógica distinta a la de un coleccionable: forman parte de rutinas diarias y generan mayor exposición visual de la marca.

Además, las mascotas funcionan especialmente bien en plataformas como TikTok e Instagram, donde el contenido relacionado con animales mantiene altos niveles de interacción. Eso permite que productos funcionales también operen como piezas de contenido compartible.

La colección de Pokémon aparece en ese contexto. La empresa toma uno de los activos más fuertes de la franquicia (el vínculo entre entrenadores y criaturas) y lo traduce al mercado real de mascotas.

El movimiento amplía el alcance comercial de la marca sin depender directamente de nuevos videojuegos, series o películas.

Para marcas latinoamericanas, el caso deja un aprendizaje concreto: el licensing ya no depende exclusivamente del entretenimiento tradicional. Las franquicias que logran integrarse en hábitos cotidianos tienen más posibilidades de sostener relevancia cultural y consumo continuo.

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• LEGO amplió su estrategia hacia consumidores adultos y fandoms de cultura pop.
• Sets inspirados en Disney, Shrek y Fast & Furious dominan las tendencias actuales.
• Las líneas decorativas y botanicals muestran cómo LEGO entró al segmento del diseño y colección.

Desde siempre, LEGO ocupó el lugar de los juguetes infantiles vinculados con creatividad y construcción. Sin embargo, la compañía danesa transformó parte de su negocio hacia consumidores adultos, coleccionistas y fanáticos de franquicias de entretenimiento.

El resultado aparece en una nueva generación de productos donde conviven autos deportivos, personajes de cine, flores decorativas y referencias a la cultura pop.

Actualmente, algunos de los sets más populares de LEGO reflejan cómo la marca mezcla nostalgia, diseño y fandoms globales para ampliar su mercado.

La estrategia ya no depende únicamente de niños y familias. También apunta a consumidores de entre 25 y 45 años que utilizan estos productos como piezas de exhibición, decoración o colección.

El crecimiento de líneas como LEGO Botanicals, LEGO Icons y los sets inspirados en cine y televisión confirma ese cambio. Además, la empresa logró convertir muchos lanzamientos en eventos digitales capaces de generar conversación orgánica en redes sociales y comunidades de coleccionistas.

Disney, Shrek y franquicias que conectan con adultos

Entre los sets más populares de LEGO aparecen productos ligados directamente a franquicias que crecieron junto con millennials y generación Z.

Uno de los casos más visibles es Magic of Disney, un set que reúne personajes clásicos y referencias visuales de distintas películas de la compañía.

La lógica detrás de estos lanzamientos no se limita a reproducir escenas conocidas. LEGO utiliza la nostalgia como un mecanismo de engagement emocional que transforma al producto en una pieza de colección.

Algo similar ocurre con el set de Shrek, Donkey & Puss in Boots, inspirado en la franquicia de DreamWorks, que recupera personajes con fuerte presencia en internet y cultura meme.

También aparecen colaboraciones vinculadas con otras comunidades específicas. The Fast and The Furious Toyota Supra MK4 conecta directamente con fanáticos del tuning, videojuegos y cine de acción.

En paralelo, Peanuts: Snoopy’s Doghouse apunta a consumidores atraídos por personajes clásicos y diseño vintage.

En todos los casos, LEGO trabaja sobre propiedades intelectuales que ya cuentan con audiencias consolidadas. La marca no vende únicamente bloques de construcción. Comercializa pertenencia cultural, identidad visual y objetos asociados con entretenimiento global.

Los 12 set más populares de LEGO

1. Project Hail Mary
2. Peanuts: Snoopy’s Doghouse
3. Main Street, U.S.A.
4. Minifigure Factory
5. Derpy Tiger and Sussie Bird
6. Magic of Disney
7. The Fast and The Furious Toyota Supra MK4
8. Water Lilies
9. Shrek, Donkey & Puss in Boots
10. Woodland Mushrooms
11. SEGA® Genesis™ Console
12. Ken Block’s ’65 Ford Mustang Hoonicorn V1

El auge de LEGO como objeto de diseño y decoración

Otra parte del crecimiento de los sets más populares de LEGO se explica por el avance de líneas enfocadas en decoración y lifestyle. Productos como Water Lilies o Woodland Mushrooms muestran cómo la empresa comenzó a competir indirectamente con artículos decorativos para hogar y oficina.

La línea Botanicals representa uno de los mejores ejemplos de esa estrategia. LEGO detectó que muchos consumidores adultos buscan experiencias relajantes vinculadas con creatividad manual, pero también objetos visualmente atractivos para exhibir en espacios personales.

El cambio modifica incluso la forma en que se comunican los productos. Las campañas publicitarias y el contenido digital de LEGO ya no muestran sólo niños jugando.

En muchos casos aparecen escritorios minimalistas, salas modernas o ambientes similares a los utilizados por marcas de diseño interior.

La compañía también aprovecha tendencias vinculadas con bienestar y hobbies offline. En un contexto marcado por fatiga digital y consumo acelerado de pantallas, construir sets complejos funciona para muchos consumidores como actividad recreativa y antiestrés.

Además, los sets decorativos tienen otra ventaja comercial: permanecen visibles dentro del hogar durante largos períodos. Eso convierte al producto en una pieza permanente de branding doméstico.

Los sets más populares de LEGO reflejan un cambio en el consumo

El crecimiento de estos productos también ayuda a entender cómo evolucionó la industria del juguete y entretenimiento. Hoy, muchas marcas buscan construir ecosistemas culturales más amplios donde el consumidor participa como fan, coleccionista y creador de contenido.

LEGO logró insertarse en esa dinámica mediante colaboraciones con estudios de cine, automotrices y franquicias históricas. Los sets funcionan como objetos físicos, pero también como contenido para TikTok, Instagram, YouTube y comunidades online.

El caso de Main Street, U.S.A., por ejemplo, muestra cómo LEGO capitaliza experiencias aspiracionales y referencias ligadas con parques temáticos y nostalgia familiar.

Mientras tanto, líneas más técnicas o artísticas permiten atraer consumidores interesados en arquitectura, diseño o ingeniería.

La estrategia también tiene impacto en América Latina. Aunque muchos sets pertenecen a segmentos premium, el crecimiento del coleccionismo y la cultura geek abrió nuevas oportunidades para marcas que trabajan con licencias, edición limitada y experiencias de fandom.

Para las empresas de la región, el fenómeno deja una enseñanza clara: los consumidores actuales valoran productos capaces de combinar historia, identidad cultural y participación emocional.

En ese contexto, LEGO encontró una manera de extender su relevancia mucho más allá del juguete tradicional.

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• Netflix y LEGO presentaron un set de 825 piezas inspirado en KPop Demon Hunters.
• La colaboración refleja cómo el fandom digital impulsa nuevas oportunidades de licensing.
• El caso muestra cómo LEGO fortalece su estrategia con franquicias de streaming y cultura pop.

Netflix y LEGO presentaron un nuevo set inspirado en “KPop Demon Hunters”, la película animada que se convirtió en uno de los mayores fenómenos recientes de la plataforma.

El producto recrea a Derpy Tiger y Sussie Bird, dos de los personajes más populares entre la comunidad de fans, en un modelo de exhibición de 825 piezas que estará disponible en preventa global y llegará a tiendas el 1 de agosto.

La colaboración aparece en un momento clave para Netflix. Durante Licensing Expo 2026, Marian Lee, chief marketing officer de la compañía, explicó que el gigante del streaming evitó cerrar acuerdos de productos licenciados antes del estreno de la película para negociar desde una posición más fuerte después de validar el éxito del contenido.

La ejecutiva sostuvo que los acuerdos posteriores resultaron más rentables una vez que “KPop Demon Hunters” alcanzó el puesto de la película más vista en la historia de Netflix. La decisión refleja un cambio dentro de la industria del entretenimiento, donde las plataformas ya no dependen únicamente de campañas previas al lanzamiento, sino de la capacidad de convertir fenómenos culturales en franquicias de largo plazo.

El fandom se convierte en motor de negocio

El nuevo set de LEGO muestra cómo las comunidades digitales pueden transformar personajes secundarios en activos comerciales de alto valor.

Derpy Tiger y Sussie Bird no funcionan únicamente como figuras decorativas dentro de la historia: el fandom los convirtió en símbolos virales mediante memes, fan art, clips y contenido compartido en redes sociales.

Ese comportamiento modifica la lógica tradicional del licensing. Antes, muchas compañías apostaban por productos derivados incluso antes de medir la reacción del público.

Ahora, plataformas como Netflix utilizan datos de conversación, engagement y consumo cultural para detectar qué elementos tienen potencial comercial real.

La estrategia también demuestra que el merchandising ya no depende exclusivamente de protagonistas o íconos clásicos. En muchos casos, las audiencias construyen sus propios favoritos y las marcas reaccionan a esa dinámica para acelerar colaboraciones de marcas, coleccionables y productos exclusivos.

Para LEGO, este tipo de asociaciones permiten conectar con consumidores jóvenes y adultos que consumen anime, gaming, K-pop y contenido de streaming como parte de una misma cultura digital.

Netflix apuesta por franquicias construidas después del estreno

El caso de “KPop Demon Hunters” también evidencia un cambio dentro de la estrategia de marketing de Netflix.

Durante años, las grandes compañías de entretenimiento desarrollaron líneas de juguetes, ropa y productos antes de estrenar películas o series para asegurar ingresos inmediatos.

Netflix optó por el camino contrario. La empresa esperó a medir el impacto cultural del contenido antes de expandir el universo comercial de la propiedad intelectual.

Ese modelo reduce riesgos y permite negociar acuerdos con mejores condiciones una vez que el fenómeno ya está validado por la audiencia.

La lógica se parece más a la economía de internet que al Hollywood tradicional. Primero aparece la conversación social; después llegan los productos físicos, colaboraciones y experiencias derivadas.

En este caso, la iniciativa comunica una idea de expansión de franquicia, pero también diseña un comportamiento: transformar el entusiasmo digital de los fans en consumo coleccionable y participación continua alrededor de la marca.

Para América Latina, el caso funciona como referencia sobre cómo las audiencias actuales pueden acelerar el valor comercial de contenidos aparentemente nicho.

El K-pop, la animación y las comunidades online ya forman parte del consumo masivo entre públicos jóvenes en México y otros mercados de la región.

LEGO fortalece su lugar dentro de la cultura pop global

La colaboración con Netflix también confirma cómo LEGO amplió su posicionamiento más allá del juguete tradicional.

La compañía danesa construyó durante la última década una estrategia centrada en franquicias culturales capaces de conectar con distintas generaciones.

La marca mantiene asociaciones con propiedades de entretenimiento como Star Wars, Harry Potter, Marvel, Nintendo y videojuegos populares.

Ahora suma una producción vinculada al streaming y al fandom asiático, dos segmentos con fuerte crecimiento global.

Ese movimiento permite que LEGO permanezca dentro de conversaciones culturales que nacen en TikTok, YouTube y comunidades digitales, donde el coleccionismo funciona como extensión de identidad personal y pertenencia.

Además, la decisión de lanzar un modelo orientado a exhibición confirma el crecimiento del mercado adulto dentro del negocio de juguetes y entretenimiento.

Muchas de estas piezas ya no se venden únicamente como juego infantil, sino como objetos de diseño, decoración y cultura pop.

La colaboración entre Netflix y LEGO funciona entonces como un ejemplo de cómo las campañas de marketing actuales dependen menos de publicidad tradicional y más de la capacidad de detectar comportamientos culturales en tiempo real.

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Grupo Palacio de Hierro informó al público inversionista una serie de cambios en su estructura directiva como parte de un proceso de transición y fortalecimiento de áreas estratégicas para el negocio.

La compañía detalló que los movimientos involucran posiciones relevantes relacionadas con ventas, cadena de suministro, tecnología y recursos humanos, funciones que resultan fundamentales para la operación de una de las cadenas departamentales más importantes de México.

La información fue divulgada mediante un comunicado dirigido a la Bolsa Mexicana de Valores, en cumplimiento de la Ley del Mercado de Valores y las disposiciones aplicables a emisoras que participan en el mercado bursátil mexicano.

Entre los principales ajustes destaca la salida de Pedro Luna, quien iniciará un proceso de transición hacia su jubilación después de desempeñarse como Director de Ventas Tienda de El Palacio de Hierro. En su lugar llegará Alexandra Jeanneau, quien asumirá el cargo a partir del 31 de agosto de 2026.

La nueva directora  cuenta con experiencia internacional en operaciones de retail y servicio al cliente, dos áreas que han cobrado relevancia para las empresas que buscan fortalecer la experiencia de compra en tiendas físicas.

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El Palacio de Hierro: Cambios en áreas estratégicas para el negocio

Otro de los movimientos anunciados corresponde a Oscar Palomares, Director de Tecnología, Cadena de Suministro, Seguridad y Sostenibilidad, quien dejará la organización para emprender una nueva etapa profesional.

Como parte de la reestructura, las responsabilidades de tecnología y seguridad serán distribuidas dentro de la organización actual, mientras que José Antonio del Ángel asumirá la Dirección de Cadena de Suministro y Sostenibilidad a partir del 31 de agosto.

El nuevo directivo cuenta con trayectoria en logística, planeación, operaciones comerciales y gestión de cadenas de suministro, una función que ha ganado importancia en el sector retail debido a los desafíos relacionados con inventarios, comercio electrónico y eficiencia operativa.

De acuerdo con datos de la consultora Deloitte, más del 70% de los ejecutivos del sector minorista considera que la optimización de la cadena de suministro será una de las principales prioridades estratégicas para los próximos años, impulsada por la digitalización y los cambios en los hábitos de consumo.

Recursos humanos toma protagonismo en la estrategia empresarial

La compañía también anunció la salida de Angélica García, quien se desempeñaba como Directora de Recursos Humanos. Su posición será ocupada por Salvador Reyes a partir del 15 de junio de 2026.

El nombramiento ocurre en un momento en el que las empresas enfrentan nuevos retos relacionados con atracción de talento, capacitación y retención de colaboradores. Según cifras de la firma global Mercer, más de la mitad de las compañías en América Latina identifican la gestión de talento como una prioridad crítica para mantener competitividad.

Los cambios anunciados por El Palacio de Hierro reflejan una tendencia cada vez más frecuente entre grandes corporativos: renovar liderazgos para responder a las nuevas exigencias del mercado, la transformación digital y la evolución de las expectativas de los consumidores.

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• Marcas de bebidas lanzan productos enfocados en wellness, energía y consumo social.
• Mocktails funcionales, energéticas nootrópicas y bebidas tipo aguardiente marcan la tendencia.
• La premiumización y las ocasiones de consumo impulsan la innovación en bebidas durante 2026.

La industria global de bebidas atraviesa una nueva etapa de innovación impulsada por cambios en los hábitos de consumo, la búsqueda de bienestar y la necesidad de crear experiencias más flexibles para distintos momentos sociales.

Durante 2026, tanto las categorías alcohólicas como las no alcohólicas muestran una aceleración en lanzamientos que combinan funcionalidad, identidad cultural y formatos premium.

Las marcas ahora buscan ocupar espacios asociados al estado de ánimo, la energía mental, la moderación en el consumo de alcohol y la sofisticación cotidiana. El resultado es una ola de productos que mezclan ingredientes funcionales, referencias culturales y estrategias de posicionamiento más amplias.

De acuerdo con Beverage Daily, las categorías de energéticas funcionales, mocktails y bebidas premium continúan creciendo gracias a la demanda de productos vinculados con wellness, conveniencia y ocasiones de consumo más versátiles.

El medio también señala que ingredientes como adaptógenos, nootrópicos y fórmulas enfocadas en enfoque mental y relajación ganan terreno dentro de la innovación en bebidas.

Las nuevas bebidas buscan momentos de consumo más específicos

Uno de los lanzamientos más llamativos es Brisa Ardiente, una bebida estilo aguardiente desarrollada por Premium Blend.

El producto replica el perfil anisado tradicional del aguardiente colombiano, aunque utiliza una base vínica para operar dentro de marcos regulatorios distintos a los de los destilados tradicionales.

La marca orienta el producto hacia bares, restaurantes, tiendas de conveniencia y espacios ligados a eventos deportivos o celebraciones sociales. El contexto cultural también juega un papel importante.

La compañía relaciona el lanzamiento con el Mundial FIFA 2026 y con celebraciones vinculadas a la comunidad colombiana en Estados Unidos.

El caso muestra cómo las marcas utilizan referencias culturales latinoamericanas para crear propuestas accesibles en mercados internacionales sin depender necesariamente de categorías alcohólicas tradicionales. La estrategia no se limita a comunicar identidad; también diseña nuevas ocasiones de consumo.

Otra empresa que apuesta por la expansión de categorías es Mingle Mocktails con su nueva línea Mingle Mood.

La marca presentó un paquete de variedades con sabores como Berry Lemon Bliss, Serene Citrus Spritz, Juicy Watermelon Spritz y Subtly Spicy Margarita.

Cada bebida incorpora ingredientes asociados con relajación y enfoque mental, entre ellos ashwagandha, lion’s mane y L-theanine. El objetivo es ofrecer una experiencia cercana a la coctelería premium, pero dentro de una categoría sin alcohol y vinculada al bienestar.

La propuesta responde al crecimiento global de consumidores que buscan moderar el consumo alcohólico sin abandonar experiencias sociales o sabores asociados con la mixología. En este caso, el producto comunica una idea ligada al wellness y al equilibrio cotidiano.

La premiumización también transforma bebidas tradicionales

Dentro de las categorías alcohólicas tradicionales, Cockburn’s presentó Vat & Barrel Reserve Tawny Port, una bebida que combina vinos envejecidos en grandes depósitos con otros madurados en barricas pequeñas para generar perfiles más complejos y accesibles.

La estrategia forma parte de una tendencia de premiumización que atraviesa categorías históricas como el porto. En lugar de posicionarse únicamente desde la tradición, la marca intenta acercarse a consumidores jóvenes mediante formatos de consumo más casuales, bebidas servidas frías y aplicaciones en coctelería.

El lanzamiento también refleja cómo las marcas reinterpretan productos clásicos para mantener relevancia frente a nuevas generaciones. La innovación ya no depende exclusivamente de crear categorías inéditas; también pasa por actualizar códigos de consumo existentes.

Cockburn’s trabaja además con variedades tradicionales del valle del Duero como Touriga Nacional, Touriga Franca y Tinta Roriz, reforzando atributos asociados con herencia, origen y craft credentials.

Ese equilibrio entre autenticidad y modernización se vuelve cada vez más frecuente dentro del mercado premium.

Las bebidas funcionales expanden el terreno de las energéticas

Otro lanzamiento que muestra esta evolución es Natural Energy +Focus White Peach, de Tenzing. La marca amplía así su línea de energéticas funcionales con una fórmula enfocada en rendimiento mental y estabilidad energética.

La bebida combina cafeína natural con L-theanine y una base de matcha, té blanco y té verde. También incorpora ingredientes como extracto de sakura y magnesio, asociados con concentración y bienestar.

El crecimiento de este segmento muestra cómo las energéticas se alejan de la narrativa tradicional basada únicamente en estimulación física extrema. Ahora buscan posicionarse como herramientas de productividad, enfoque mental y balance diario.

La estrategia detrás de Tenzing también evidencia un cambio más amplio en la industria: las marcas intentan ocupar territorios relacionados con salud mental ligera, claridad cognitiva y bienestar emocional sin ingresar directamente al terreno farmacéutico.

La innovación en bebidas se mueve entre funcionalidad y cultura

Los lanzamientos de Brisa Ardiente, Mingle Mood, Cockburn’s y Tenzing muestran que la innovación en bebidas ya no depende de una sola tendencia dominante. El mercado actual mezcla wellness, premiumización, identidad cultural y ocasiones de consumo flexibles.

Las marcas construyen productos que pueden adaptarse tanto a reuniones sociales como a rutinas individuales, mientras utilizan ingredientes funcionales, formatos premium y referencias culturales para diferenciarse en categorías cada vez más saturadas.

Para las compañías latinoamericanas, estos casos también dejan una lectura clara: el crecimiento ya no pasa únicamente por lanzar sabores nuevos.

El verdadero diferencial está en construir propuestas conectadas con hábitos contemporáneos, consumo moderado y experiencias más personalizadas.

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El ambush marketing del Mundial 2026 ya no invade eventos: se esconde en el lenguaje

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• La campaña de Real transforma restricciones mundialistas en una idea creativa basada en mensajes ocultos.
• Heinz, Budweiser y Al Joumhouria utilizaron mecanismos similares para infiltrar mensajes en sistemas cerrados.
• Cannes Lions 2026 llega en un momento donde la industria premia campañas que esquivan filtros culturales, legales y algorítmicos.

Durante años, el ambush marketing funcionó como una invasión visible. Las marcas buscaban colarse en grandes eventos deportivos mediante referencias directas, activaciones paralelas o apropiaciones visuales que les permitieran entrar en la conversación sin pagar patrocinios oficiales.

Sin embargo, una nueva generación de campañas empieza a cambiar esa lógica. En lugar de irrumpir en el evento, las marcas ahora buscan infiltrarse en el lenguaje, los algoritmos y los códigos culturales que rodean esos acontecimientos.

La campaña “Apoyo Escondido”, creada por ParadaisDDB para la marca ecuatoriana Real, funciona como uno de los ejemplos de esa transición de cara al Mundial 2026.

La idea nace de una pregunta clásica dentro del marketing deportivo: ¿cómo apoyar a una selección nacional cuando la marca no posee derechos oficiales asociados al torneo?

La respuesta de la agencia no fue evitar el problema, sino convertir la restricción en el núcleo creativo de la campaña publicitaria.

Las piezas de vía pública esconden mensajes futboleros dentro de textos aparentemente relacionados con recetas, ingredientes y productos alimenticios. Frases como “Con la combinación tricolor puedes ser el campeón del mundo del sabor” o “Que no te detenga la plata. Mejor encara tu antojo” utilizan palabras asociadas al futbol y la competencia sin mencionar directamente el torneo.

Ahí aparece el mecanismo central de la campaña: transportar un mensaje restringido dentro de un formato permitido.

La operación parece simple desde el copywriting, pero en realidad responde a una lógica mucho más sofisticada de ambush marketing. La marca no invade el Mundial. Se infiltra en la gramática cultural que rodea al Mundial.

El nuevo ambush marketing funciona como camuflaje

La campaña de Real muestra cómo el ambush marketing empieza a abandonar la confrontación directa para adoptar estrategias de camuflaje cultural.

Ese cambio también aparece en “Mustard x Mustard”, desarrollada por The Kitchen North America para Heinz y reconocida en Clio Awards 2026. La marca aprovechó la coincidencia entre su producto y el productor musical DJ Mustard para insertarse orgánicamente en la conversación alrededor del Super Bowl.

El punto más comentado llegó cuando Kendrick Lamar mencionó al productor durante una presentación masiva y Heinz capitalizó el momento sin necesidad de comprar un anuncio oficial del evento.

Aunque las ejecuciones son diferentes, ambas campañas comparten la misma lógica estratégica: encontrar una grieta cultural que permita participar de un fenómeno global sin activar restricciones comerciales tradicionales.

La diferencia es que Real trabaja desde la semántica y Heinz desde el naming cultural.

En ambos casos, el mensaje logra circular porque adopta una forma distinta a la esperada.

Ese tipo de creatividad gana relevancia dentro de la industria en un contexto donde las grandes plataformas, los derechos deportivos y los sistemas publicitarios elevan cada vez más las barreras de acceso para marcas medianas o no patrocinadoras.

No resulta casual que este tipo de enfoques aparezcan con fuerza en festivales internacionales rumbo a Cannes Lions 2026, que se celebra este mes en Francia y donde la industria vuelve a debatir cómo la creatividad puede sobrevivir dentro de entornos cada vez más regulados.

La publicidad ya no busca impacto directo: busca complicidad

Otra transformación importante es la relación que estas campañas construyen con el espectador.

La publicidad tradicional apostaba por mensajes evidentes y visibles para todos. En cambio, campañas como “Apoyo Escondido” dependen de la participación cognitiva del público.

El consumidor debe detectar el doble sentido, interpretar el código y descubrir el guiño oculto.

La recompensa emocional ya no proviene únicamente del impacto visual. Surge de entender algo que otros podrían pasar por alto.

Ese mismo comportamiento aparece en “Barely Noticeable Promotions”, campaña desarrollada por Budweiser China y presentada en Spikes Asia 2026.

La marca creó anuncios urbanos casi imperceptibles que escondían promociones y beneficios accesibles únicamente para quienes lograban detectar ciertos detalles visuales mediante NFC.

La campaña convertía la atención en un juego de descubrimiento.

En el caso de Real, el mecanismo funciona desde el lenguaje. En Budweiser, desde la observación urbana. Sin embargo, ambas responden a una misma tendencia: la publicidad deja de comunicar mensajes explícitos para diseñar secretos compartidos con el consumidor.

Eso modifica incluso la manera en que las marcas generan engagement.

Ya no se trata únicamente de captar atención masiva. El objetivo pasa por construir complicidad cultural.

Cuando la restricción se convierte en sistema creativo

La campaña de ParadaisDDB también conecta con otro fenómeno global: la creatividad nacida de sistemas restrictivos.

Un ejemplo reciente aparece en “Uncensored Press: Breaching the Algorithm”, creada por TBWA\RAAD para el periódico libanés Al Joumhouria y reconocida en Dubai Lynx 2025 y Clio Awards 2026.

La iniciativa buscaba evitar la censura algorítmica sobre imágenes relacionadas con conflictos bélicos. Para lograrlo, las fotografías fueron reconstruidas mediante ilustraciones tipográficas hechas con máquina de escribir.

En términos operativos, el mecanismo comparte la misma estructura que “Apoyo Escondido”.

Las imágenes prohibidas sobreviven porque se convierten en texto. Los mensajes futboleros sobreviven porque se convierten en claims gastronómicos.

En ambos casos, la creatividad funciona como una tecnología de evasión.

Ese patrón empieza a repetirse en distintos mercados y categorías: campañas que mutan de forma para poder circular dentro de sistemas legales, algorítmicos o comerciales cada vez más cerrados.

Por eso la campaña de Real trasciende el contexto ecuatoriano o el entorno futbolero.

La idea permite entender cómo evoluciona el ambush marketing rumbo al Mundial 2026: menos invasión visible y más infiltración cultural.

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Mattel quiere que Hot Wheels deje de ser únicamente una marca de juguetes y se convierta en una comunidad digital global. Por lo que lanzó la aplicación Hot Wheels Showcase, la cual busca reunir a millones de coleccionistas en una sola plataforma, siguiendo una estrategia similar a la que han utilizado franquicias de entretenimiento como K-Pop Demon Hunters, Pokémon o LEGO para fortalecer la relación con sus seguidores.

La nueva APP permite registrar colecciones, crear listas de deseos, seguir a otros usuarios, ganar insignias y consultar una base de datos que ya supera los 30 mil modelos de Hot Wheels producidos desde 1968.

La apuesta no es menor si se considera que Hot Wheels es una de las marcas más importantes de Mattel y una de las líneas de juguetes más vendidas del mundo.

De acuerdo a datos de Mattel, desde su lanzamiento hace más de cinco décadas, Hot Wheels ha vendido más de 8 mil millones de vehículos a nivel global. Además, la empresa asegura que cada segundo se venden alrededor de 16 autos Hot Wheels en el mundo, una cifra que refleja el alcance de la marca.

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Hot Wheels apuesta por la economía de los fans

La aplicación Showcase llega en un momento en que las grandes marcas buscan construir ecosistemas digitales alrededor de sus productos. El objetivo es mantener a los consumidores conectados incluso cuando no están comprando.

La plataforma permite a los usuarios registrar los vehículos que poseen, identificar cuáles les faltan para completar una serie y organizar listas personalizadas.

También incorpora funciones sociales que permiten seguir a otros coleccionistas y mostrar públicamente las piezas más valiosas de cada colección.

La estrategia recuerda a fenómenos recientes como K-Pop Demon Hunters, cuya popularidad se impulsó gracias a una comunidad digital altamente activa en redes sociales, plataformas de streaming y espacios de interacción entre fanáticos.

No es un movimiento aislado, ya que LEGO cuenta con su plataforma LEGO Ideas para que los usuarios propongan nuevos productos; Pokémon opera una de las comunidades digitales más grandes del mundo mediante Pokémon GO y Pokémon Home; mientras que Nintendo ha fortalecido el ecosistema de personajes como Mario y Zelda mediante aplicaciones móviles y servicios en línea.

Una base de datos con más de 30 mil modelos

Uno de los principales atractivos de Hot Wheels Showcase es su enorme catálogo digital. La aplicación incluye información detallada de más de 30 mil vehículos fabricados desde 1968, incluyendo año de lanzamiento, color, serie, rareza y características específicas.

Además, incorpora herramientas impulsadas por inteligencia artificial para facilitar la búsqueda de modelos utilizando números SKU, nombres, colores o descripciones parciales.

Mattel también permitirá que la comunidad contribuya a mejorar la base de datos mediante reportes de errores, correcciones de imágenes y solicitudes para agregar vehículos faltantes.

La empresa informó que su objetivo es incorporar nuevos lanzamientos incluso antes de que lleguen a las tiendas y añadir ediciones especiales el mismo día de su lanzamiento oficial.

Mattel busca fortalecer una comunidad global

La importancia del coleccionismo para Mattel es cada vez mayor, y es que la consultora Circana, el mercado global de juguetes coleccionables continúa creciendo impulsado por consumidores adultos, un segmento que representa una parte importante de las ventas de marcas como Hot Wheels, LEGO, Funko y Pokémon.

Con Hot Wheels Showcase, Mattel busca capitalizar esa tendencia ofreciendo un espacio donde los coleccionistas puedan interactuar, compartir logros, obtener insignias y mostrar sus colecciones.

Más allá de una aplicación, la estrategia refleja una transformación en la industria del entretenimiento y los juguetes: las marcas ya no solo venden productos, también construyen comunidades.

LEE TAMBIÉN: Domino’s Pizza lanza promoción futbolera: Regalará 1 millón de pesos en pizzas si México avanza

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Domino’s Pizza anunció una promoción futbolera con la que regalará 1 millón de pesos en pizzas si la Selección Mexicana logra avanzar a la siguiente fase del torneo que inicia este 11 de junio.

La iniciativa forma parte de la campaña “Solo en México, solo en Domino’s”, con la que la empresa busca conectar con los aficionados durante la temporada futbolística.

La dinámica contempla la entrega de más de 5 mil cupones canjeables por pizzas grandes de un ingrediente, equivalentes a un millón de pesos en producto.

Para participar, los usuarios deberán contar con una cuenta registrada en la aplicación o sitio web de Domino’s México y haber realizado al menos una compra durante los 30 días previos al inicio de la promoción.

El periodo de participación estará vigente del 11 al 24 de junio y los ganadores serán notificados el 25 de junio.

La apuesta de Domino’s ocurre en un momento clave para el consumo de alimentos a domicilio y es que de acuerdo a la Asociación Mexicana de Venta Online (AMVO), la categoría de comida preparada se mantiene entre las más utilizadas por los consumidores digitales mexicanos, especialmente durante eventos deportivos y reuniones familiares.

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Más de 5 mil pizzas para celebrar un posible avance de México

La cadena de restaurantes explicó que la promoción está diseñada para premiar a sus clientes más frecuentes y acompañar a los aficionados durante los partidos de la Selección Mexicana.

Los más de 5 mil cupones serán distribuidos entre usuarios elegibles que cumplan con las condiciones establecidas por la marca.

La campaña también busca aprovechar el incremento en el consumo que suele registrarse durante las transmisiones deportivas.

Datos de la consultora NielsenIQ, las reuniones para ver futbol impulsan las ventas de alimentos listos para consumir, botanas y servicios de entrega a domicilio, especialmente durante competencias internacionales.

Domino’s señaló que esta estrategia forma parte de una campaña nacional que incluye publicidad digital y exterior en Ciudad de México, Guadalajara y Monterrey, tres de los mercados más importantes para la marca en el país.

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Las promociones que acompañarán la temporada futbolera

Además del sorteo de pizzas, Domino’s presentó dos productos especiales desarrollados junto con figuras reconocidas del futbol y la narración deportiva.

La primera es “La Inmortal”, creada por el exportero Jorge Campos, que combina pepperoni y jalapeño. La segunda es “Chorizo Power”, desarrollada junto al comentarista Christian Martinoli, con chorizo mexicano y jalapeño como ingredientes principales. Ambas estarán disponibles del 1 de junio al 19 de julio en las 983 tiendas que la cadena opera en México.

La empresa también lanzó los nuevos Croissant Rolls, una opción dulce elaborada con masa tipo croissant, azúcar y glaseado, con la que busca ampliar las alternativas para compartir durante los encuentros deportivos.

Domino’s amplía horarios durante el torneo

Como parte de la estrategia, la cadena anunció las “Noches con Domino’s”, iniciativa con la que extenderá sus horarios de operación para atender la demanda que generen los partidos.

Desde el 11 de junio, la mayoría de las sucursales operará de 09:00 a a 23:00 horas, mientras que algunas tiendas seleccionadas recibirán pedidos mediante aplicaciones de entrega hasta la 1:00 de la madrugada los viernes y sábados.

Con casi mil puntos de venta en México, promociones ligadas al desempeño de la Selección Mexicana y una estrategia enfocada en el consumo durante los partidos, Domino’s busca posicionarse como una de las marcas que aprovecharán el entusiasmo de los aficionados durante esta temporada futbolera.

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• Uber modificó temporalmente su sistema global de calificaciones para apoyar a Brasil en el Mundial.
• La acción desarrollada por Wieden+Kennedy Sao Paulo transforma una función diaria de la app en experiencia cultural.
• Otras marcas también alteraron dinámicas de uso de sus plataformas para conectar con audiencias y eventos sociales.

Brasil será el único país del mundo donde Uber permitirá otorgar seis estrellas a sus conductores. La modificación, temporal y vinculada al Mundial de Fútbol, forma parte de la estrategia de patrocinio de la compañía con la Confederación Brasileña de Fútbol (CBF) y busca capitalizar el deseo colectivo de conseguir el sexto campeonato mundial.

La plataforma adaptó su sistema de calificación para que los usuarios brasileños puedan sumar una estrella extra tras cada viaje.

Además, los conductores que alcancen esa puntuación recibirán una insignia especial dentro de la app con la leyenda “Conductor de 6 estrellas”.

La campaña publicitaria desarrollada junto a Wieden+Kennedy Sao Paulo convierte una dinámica funcional de la plataforma en una expresión simbólica del torneo. En lugar de limitarse a una pieza audiovisual o a una promoción tradicional, Uber alteró una mecánica cotidiana utilizada por millones de personas.

La acción estará activa durante junio y julio y también contará con presencia en publicidad exterior, influencers y contenidos protagonizados por Ronaldinho, embajador de la campaña “Chega junto”.

Las marcas ya no sólo comunican: modifican experiencias

La iniciativa de Uber refleja una tendencia cada vez más visible dentro del marketing contemporáneo: las marcas utilizan sus propios sistemas, plataformas y productos como espacios de comunicación.

La lógica detrás de esta estrategia es distinta a la publicidad tradicional. Aquí el mensaje no aparece únicamente en un anuncio; se integra dentro de la experiencia diaria del usuario. La campaña publicitaria funciona porque altera un comportamiento habitual y lo convierte en parte de una conversación cultural.

En este caso, Uber detecta un activo único de Brasil: ser la única selección con cinco títulos mundiales. La sexta estrella deja de ser una metáfora deportiva para transformarse en una funcionalidad concreta dentro de la aplicación.

La campaña también opera sobre un elemento emocional sencillo pero poderoso: el orgullo nacional.

Mientras otras marcas compiten por atención durante el Mundial con promociones o contenidos vinculados al futbol, Uber modifica temporalmente una regla global de producto para generar cercanía cultural.

Ese movimiento tiene valor estratégico porque demuestra flexibilidad. Las plataformas tecnológicas suelen sostener estructuras homogéneas en todos los mercados.

Alterar una mecánica internacional exclusivamente para un país transmite una idea de relevancia local que muchas compañías todavía no consiguen construir.

Cuando el producto se convierte en medio publicitario

Uber no es la única empresa que utilizó su funcionamiento diario como parte de una estrategia de marketing.

Uno de los ejemplos más recordados fue el de Spotify durante el estreno de la película “Barbie” en 2023. La plataforma musical incorporó una interfaz temporal en tonos rosas y activó playlists especiales inspiradas en los personajes del filme.

La experiencia modificó visualmente la navegación habitual de millones de usuarios y convirtió a la app en parte de la conversación alrededor de la película producida por Warner Bros.

Otro caso relevante ocurrió con Google durante la gira “The Eras Tour” de Taylor Swift. El buscador activó animaciones, efectos visuales y dinámicas interactivas relacionadas con la artista.

Cada vez que los usuarios realizaban búsquedas vinculadas a Swift aparecían elementos gráficos especiales y minijuegos asociados a su discografía. Más que una campaña de medios, Google alteró temporalmente la experiencia de uso de su principal producto.

La diferencia entre estas acciones y una campaña tradicional radica en el comportamiento que generan. No se limitan a comunicar una idea; diseñan una interacción concreta dentro de plataformas utilizadas todos los días.

Ese tipo de iniciativas suele producir conversación orgánica porque el usuario descubre la acción mientras navega, compra, escucha música o utiliza un servicio cotidiano. La publicidad aparece integrada al hábito.

El Mundial acelera una nueva competencia creativa

El Mundial funciona como uno de los escenarios más competitivos para las marcas globales. Sin embargo, las activaciones más comentadas ya no dependen exclusivamente de grandes producciones audiovisuales o patrocinios multimillonarios.

La campaña publicitaria de Uber muestra cómo las compañías tecnológicas buscan diferenciarse utilizando elementos propios de sus ecosistemas digitales. El objetivo es insertar el evento deportivo dentro de una experiencia real de uso.

Eso abre oportunidades para otras industrias más allá del futbol.

• Una aplicación bancaria podría desbloquear temporalmente beneficios o categorías visuales asociadas a celebraciones nacionales.
• Una plataforma de delivery podría transformar sus tiempos estimados en referencias culturales durante festividades locales.
• Incluso servicios de streaming o ecommerce podrían adaptar dinámicas internas según comportamientos colectivos o momentos sociales específicos.

La clave está en identificar qué función cotidiana puede reinterpretarse culturalmente sin afectar negativamente la experiencia principal del usuario.

Desde una perspectiva estratégica, estas campañas tienen otra ventaja: convierten el producto en inventario de medios propio. La marca ya no depende únicamente de comprar espacios publicitarios externos porque la plataforma se transforma en canal de comunicación.

Para América Latina, donde muchas marcas operan con presupuestos más limitados frente a competidores globales, este tipo de lógica abre posibilidades creativas relevantes. La oportunidad no pasa necesariamente por producir campañas más grandes, sino por intervenir inteligentemente experiencias ya instaladas en la vida diaria de las personas.

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Monster Energy acelera su expansión global con una estrategia adaptada a cada mercado

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• Monster Energy ya genera 45% de sus ventas fuera de Estados Unidos.
• La compañía adapta precios, productos y submarcas según cada región.
• Asia y mercados emergentes aparecen como el principal motor de crecimiento futuro.

Monster Energy acelera su expansión internacional mediante una estrategia cada vez más enfocada en segmentación regional, arquitectura de marcas y adaptación cultural.

La compañía busca crecer en mercados como India, China, Pakistán y el sudeste asiático mientras fortalece su presencia fuera de Estados Unidos.

La empresa de bebidas energéticas ya opera en 160 países y actualmente obtiene alrededor de 45% de sus ventas fuera del mercado estadounidense.

El crecimiento internacional se convirtió en una prioridad estratégica para Monster en un contexto donde el consumo de bebidas energéticas todavía tiene amplio margen de expansión en Asia, África y América Latina.

La compañía también aprovecha la infraestructura global de distribución de Coca-Cola, accionista relevante de Monster desde 2015. Esa red permite acelerar lanzamientos y ampliar cobertura en regiones donde construir operaciones propias requeriría más tiempo y capital.

Sin embargo, la expansión de Monster no depende únicamente de logística. El elemento más interesante del caso aparece en la manera en que adapta precios, sabores y submarcas según cada mercado.

Monster Energy ajusta su estrategia según el poder adquisitivo local

La compañía detectó rápidamente que replicar el modelo estadounidense no funcionaría en todos los países. En mercados emergentes, el precio de una bebida energética premium puede quedar fuera del alcance de gran parte de los consumidores.

Por eso Monster desarrolló una arquitectura de marcas más flexible. Además de sus líneas principales, la empresa impulsa opciones más accesibles como Predator, enfocada en consumidores de mercados emergentes.

India se convirtió en uno de los ejemplos más claros de esta estrategia. Mientras una bebida gaseosa tradicional cuesta alrededor de 20 rupias, Monster identificó que muchos consumidores jóvenes no podían pagar una lata premium. Predator aparece entonces como una alternativa intermedia con precio reducido y enfoque masivo.

La lógica detrás de esa decisión resulta similar a la utilizada históricamente por Coca-Cola en distintos mercados internacionales: crear escalas de precio y posicionamiento capaces de ampliar cobertura sin diluir el valor de la marca principal.

Monster también adapta formatos y sabores dependiendo del contexto cultural y hábitos de consumo. En China, por ejemplo, la empresa debió enfrentar un mercado donde las bebidas carbonatadas todavía tienen menor penetración que en Occidente.

La compañía incluso reconoce que en algunos países primero necesita construir la categoría antes de desarrollar lealtad de marca.

En Asia, el consumo anual promedio de bebidas energéticas todavía se encuentra muy por debajo de Estados Unidos, lo que abre oportunidades de crecimiento a largo plazo.

Las bebidas globales ya no utilizan una estrategia única

El caso de Monster refleja un cambio más amplio dentro de la industria de bebidas. Las grandes compañías internacionales abandonan cada vez más las estrategias homogéneas para construir modelos regionales más flexibles.

Uno de los ejemplos más visibles es Red Bull, que durante años consolidó su expansión global mediante una fuerte asociación con deportes extremos, música y cultura urbana.

Sin embargo, la compañía también desarrolló estrategias locales adaptadas a distintos países, patrocinando desde competencias de automovilismo hasta escenas musicales regionales y deportes específicos según cada mercado.

Otro caso relevante es Starbucks, que adaptó gran parte de su menú internacional para integrarse mejor a hábitos culturales locales.

En Asia incorporó bebidas con té matcha y sabores regionales, mientras en América Latina fortaleció productos relacionados con café local y consumo premium.

La compañía entendió que el crecimiento global no depende únicamente de reconocimiento de marca, sino de capacidad de integración cultural.

Monster parece avanzar en una dirección similar. La empresa mantiene una identidad visual global asociada con energía, deportes y lifestyle extremo, pero ajusta precios, formatos y submarcas según las características económicas de cada región.

Ese enfoque también ayuda a enfrentar la creciente competencia internacional. Empresas como Celsius y Alani Nu ganan terreno en segmentos específicos, especialmente entre consumidores jóvenes y públicos femeninos.

Monster podría fortalecer su presencia mediante alianzas regionales en Latinoamérica

Para América Latina, el crecimiento de Monster todavía presenta oportunidades importantes.

Aunque la marca ya tiene presencia regional, existen espacios donde podría aumentar visibilidad mediante alianzas locales más agresivas.

Una posibilidad sería desarrollar colaboraciones con cadenas de conveniencia, tiendas urbanas o marcas de streetwear latinoamericanas orientadas a audiencias jóvenes. Asociaciones limitadas con marcas culturales locales podrían ayudar a construir cercanía emocional más allá de la distribución tradicional.

Por ejemplo, Monster podría colaborar con festivales de música urbana en México, competencias de freestyle en Argentina o ligas regionales de esports para integrar la marca dentro de comunidades con fuerte engagement juvenil.

Otra estrategia interesante sería trabajar con marcas locales de snacks, apparel o gaming cafés para crear experiencias compartidas y productos de edición limitada.

Ese tipo de acciones permitiría regionalizar la identidad global de Monster sin perder coherencia de marca.

Incluso existen oportunidades en segmentos de precio más accesibles. La experiencia de Predator en India demuestra que Monster entiende la importancia de desarrollar arquitecturas de valor adaptadas a clases medias emergentes.

En mercados latinoamericanos, la compañía podría explorar líneas regionales con precios ajustados, formatos más pequeños o sabores inspirados en preferencias locales para competir mejor fuera de grandes centros urbanos.

La ventaja para Monster es que el consumo aspiracional de bebidas energéticas sigue creciendo entre jóvenes vinculados con gaming, música, deporte y cultura digital.

El desafío consiste en transformar esa afinidad global en relaciones culturales más cercanas dentro de cada mercado.

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• La Vaca que Ríe renovó su colaboración con la marca francesa Payote.
• La colección transforma la identidad visual del queso en productos de moda casual.
• Las marcas de alimentos amplían su presencia cultural mediante licensing y branding emocional.

“La Vaca que ríe” encontró una nueva forma de extender su presencia fuera del supermercado. La marca francesa de quesos renovó su colaboración con Payote para lanzar una colección de zapatos tipo espadrille inspirados en su identidad visual, una estrategia que confirma cómo las compañías de alimentos buscan convertirse en referentes culturales más allá de sus productos tradicionales.

La nueva línea incorpora tres diseños distintos (French Vache, Pop y All-Over) que retoman elementos gráficos históricos de La Vaca que ríe.

La colección mezcla colores intensos, referencias vintage y una estética casual alineada con tendencias actuales de moda lifestyle.

Las espadrilles son fabricadas en Occitania, Francia, región asociada históricamente con este tipo de calzado. Además de la versión clásica para clima cálido, la colaboración también incluye una edición invernal con forro interior.

El lanzamiento representa el segundo año consecutivo de colaboración entre ambas marcas tras el desempeño positivo de su primera edición.

Aunque Payote es una firma relativamente pequeña enfocada en moda francesa casual, La Vaca que Ríe aporta un activo mucho más potente: reconocimiento emocional y memoria colectiva.

La Vaca que ríe apuesta por el branding emocional

La estrategia detrás de esta colaboración va más allá del diseño de producto. La Vaca que Ríe utiliza uno de los recursos más valiosos dentro del marketing contemporáneo: la nostalgia.

Durante décadas, la marca construyó una identidad visual fácilmente reconocible gracias a su logotipo, colores y empaque circular. Ese capital simbólico permite que el consumidor identifique la marca incluso fuera de la categoría alimentaria.

La colección con Payote transforma esos códigos en objetos de uso cotidiano. El objetivo ya no consiste únicamente en vender queso; también busca mantener vigente la marca dentro de conversaciones culturales y estilos de vida asociados con autenticidad, diseño y consumo emocional.

Ese movimiento resulta cada vez más frecuente entre compañías de alimentos que detectan una oportunidad en el licensing lifestyle.

Las marcas entienden que los consumidores jóvenes no siempre generan vínculos profundos mediante publicidad tradicional, pero sí conectan con productos que integran identidad visual, cultura pop y sentido de pertenencia.

Además, el caso de La Vaca que Ríe funciona especialmente bien porque conserva coherencia estética. Las espadrilles mantienen el imaginario francés y artesanal asociado históricamente con la marca, evitando que la colaboración parezca forzada o desconectada de su identidad original.

Las marcas de alimentos expanden su presencia hacia la moda

La colaboración entre La Vaca que Ríe y Payote forma parte de una tendencia más amplia donde las marcas de alimentos buscan ampliar su alcance cultural mediante moda, accesorios y experiencias lifestyle.

Uno de los ejemplos más visibles fue Heinz, que en distintos mercados desarrolló colaboraciones con marcas de streetwear y artículos coleccionables inspirados en su icónica botella de ketchup. 

La compañía entendió que su identidad visual tenía suficiente reconocimiento para funcionar fuera del anaquel y convertirse en símbolo pop. Parte del atractivo radicó en el uso de códigos gráficos minimalistas y nostalgia vinculada al consumo cotidiano.

Otro caso relevante ocurrió con Pringles, marca que extendió su branding hacia ropa y sneakers mediante alianzas con compañías de moda urbana. En lugar de centrarse únicamente en producto, la estrategia apostó por transformar al personaje Mr. P y los colores del empaque en elementos de cultura visual asociados con entretenimiento y humor digital.

Eso permitió que la marca conectara con audiencias jóvenes acostumbradas a consumir colaboraciones limitadas y drops exclusivos.

Ambos ejemplos muestran una lógica similar a la de La Vaca que ríe: las marcas alimentarias buscan convertirse en propiedades culturales capaces de habitar distintos territorios de consumo.

El licensing lifestyle gana terreno dentro del marketing

El crecimiento de este tipo de colaboraciones también refleja un cambio más amplio dentro de la industria del branding. Durante años, las extensiones de marca se concentraban en productos cercanos a la categoría original. Hoy la lógica cambió.

Las compañías entienden que su valor ya no depende exclusivamente de lo que venden, sino también de lo que representan culturalmente.

En ese escenario, moda, gaming, diseño y entretenimiento aparecen como espacios ideales para construir relevancia entre consumidores jóvenes.

La colaboración entre La Vaca que ríe y Payote no comunica únicamente una colección de alpargatas. Diseña una experiencia de afinidad cultural donde los consumidores pueden incorporar la identidad de la marca a su estilo cotidiano.

Para las marcas latinoamericanas, el aprendizaje es claro. Las colaboraciones lifestyle funcionan mejor cuando existe una conexión emocional previa con el consumidor. La nostalgia, la memoria visual y la identidad gráfica pueden convertirse en activos comerciales capaces de extender una marca mucho más allá de su categoría original.

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Heinz y Heineken transforman un six-pack en una de las colaboraciones de marcas más simples del año

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• Heinz y Heineken presentaron una colaboración global basada en un simple juego visual entre ambas marcas.
• La campaña transforma un six-pack y una botella de ketchup en contenido social fácilmente replicable.
• El caso refleja cómo las marcas buscan crear objetos culturales compartibles más que nuevos productos.

Heinz y Heineken encontraron una forma inesperadamente simple de construir una de las colaboraciones de marcas más comentadas del verano.

Sin lanzar un nuevo producto ni modificar sus líneas tradicionales, ambas compañías presentaron una edición limitada que convierte un six-pack en una pieza de contenido diseñada para redes sociales, retail y earned media.

La campaña gira alrededor de una observación visual que probablemente millones de consumidores ya habían visto antes, aunque nunca convertida en plataforma creativa: Heinz y Heineken comparten algunos colores, estructura tipográfica y una sonoridad similar. El resultado es un key visual donde ambas marcas parecen fusionarse en una sola identidad.

La activación fue presentada por ejecutivos de The Kraft Heinz Company y The HEINEKEN Company a través de LinkedIn, donde describieron la colaboración como “the match we’ve all been waiting for”. El proyecto también marca la primera colaboración global de marca de Heinz, según explicó Julie Veryser, Senior Brand Director de Kraft Heinz.

La mecánica detrás de la campaña es todavía más simple que el visual principal. El “pack” consiste en reemplazar una cerveza del six-pack de Heineken por una botella de ketchup Heinz, creando así una combinación que cualquier consumidor puede replicar en casa.

Ese detalle cambia completamente la lógica del proyecto. La campaña no depende de una innovación industrial ni de una edición compleja. Su fuerza está en convertir una coincidencia visual y cultural en una acción compartible.

Cuando el packaging se convierte en contenido

Durante años, el packaging funcionó principalmente como herramienta de identificación en anaquel. Sin embargo, campañas recientes muestran que hoy también opera como formato de contenido social.

La colaboración entre Heinz y Heineken está diseñada exactamente bajo esa lógica. El empaque no busca explicar beneficios funcionales ni introducir una nueva categoría de producto. Busca generar reconocimiento instantáneo en feed.

El visual central de la campaña funciona en menos de un segundo: el rojo de Heinz y el verde de Heineken se unen en una sola composición, mientras los logos parecen encajar de manera natural. El cerebro del consumidor completa automáticamente la conexión.

Eso ayuda a explicar por qué la campaña se volvió rápidamente compartible entre marketers, creativos y usuarios de redes sociales. El concepto no requiere contexto previo ni storytelling complejo. La imagen comunica sola.

Además, la campaña utiliza un recurso muy contemporáneo dentro de la publicidad: la autoconciencia. Joseph Brophy, Global PR and Communication Lead – Brands en The HEINEKEN Company, describió la idea como “slightly silly” y “definitely unnecessary”, un tono que evita la solemnidad corporativa y acerca la colaboración al humor de internet.

La estrategia también aprovecha el contexto cultural del verano europeo y los eventos deportivos que dominan la conversación social durante esta temporada.

El vínculo entre cerveza, parrilladas, reuniones y ketchup permite que el concepto se integre naturalmente en hábitos de consumo ya existentes.

Las colaboraciones de marcas ya no necesitan productos nuevos

El caso Heinz y Heineken refleja una tendencia cada vez más visible dentro del marketing global: muchas colaboraciones de marcas actuales ya no buscan crear productos revolucionarios, sino objetos culturales fáciles de compartir.

Uno de los ejemplos más claros fue la colaboración entre Coca-Cola y Oreo. Ambas marcas lanzaron productos cruzados y una campaña que explotaba la familiaridad visual de sus identidades para generar conversación digital y coleccionismo.

Otro caso similar fue Heinz x Absolut, donde Kraft Heinz convirtió la famosa “vodka pasta” viral de TikTok en un producto listo para consumir. La campaña funcionó porque partía de un comportamiento cultural que ya existía entre consumidores y creadores de contenido.

Supreme también construyó parte de su modelo de negocio alrededor de colaboraciones inesperadas con objetos cotidianos. Desde galletas Oreo hasta ladrillos o herramientas, la marca demostró que el valor cultural muchas veces supera el valor funcional del producto.

McDonald’s siguió una lógica parecida con sus Adult Happy Meals junto a Cactus Plant Flea Market. La iniciativa no se apoyó en innovación gastronómica, sino en nostalgia, coleccionismo y contenido compartible.

En todos esos ejemplos aparece un patrón común: el producto deja de ser el centro absoluto de la campaña. Lo importante es la capacidad de generar conversación, participación y circulación social.

La simplicidad como ventaja creativa

La colaboración entre Heinz y Heineken también muestra otro cambio dentro de la industria publicitaria: las ideas más efectivas ya no siempre son las más complejas o costosas.

La campaña prácticamente funciona como un template de contenido generado por usuarios. Cualquier persona puede recrearla con productos disponibles en supermercados, fotografiar el resultado y compartirlo en redes sociales.

Eso convierte al consumidor en parte activa de la distribución de la campaña. En lugar de depender exclusivamente de pauta o producción audiovisual, la idea se expande mediante repetición cultural.

Además, el proyecto parece diseñado específicamente para earned media internacional. La combinación entre dos marcas globales extremadamente reconocibles facilita titulares, publicaciones en LinkedIn y reposts en medios especializados de marketing y publicidad.

La simplicidad visual también ayuda a que la campaña funcione en múltiples mercados sin necesidad de adaptación cultural profunda. El juego tipográfico y cromático entre Heinz y Heineken puede entenderse prácticamente en cualquier país.

Detrás del caso aparece además el modelo creativo híbrido que muchas compañías globales impulsan actualmente. Johann Schwella, Creative Director de The Kraft Heinz the Kitchen EU, participó en el lanzamiento junto a equipos internos de Heinz y Heineken, mientras que en los agradecimientos también apareció LITTLEBIG, lo que sugiere colaboración con partners creativos externos.

La campaña deja un aprendizaje importante para las marcas latinoamericanas. En un entorno saturado de contenido, muchas veces el diferencial no está en producir más piezas, sino en detectar asociaciones culturales que ya existen en la mente del consumidor y volverlas visibles mediante una ejecución simple.

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• A&W Canadá deformó un restaurante completo para promocionar la llegada de su smash burger.
• La campaña convirtió el concepto “smash” en una experiencia física, visual y social.
• Marcas como Barbie y IKEA también utilizaron intervenciones espaciales para traducir atributos de producto en experiencias memorables.

Las smash burgers se volvieron uno de los formatos más populares dentro del segmento de hamburguesas en los últimos años.

Su diferencial está en la técnica de cocción: la carne se aplasta directamente sobre la plancha para generar bordes caramelizados y una textura distinta a la de una hamburguesa tradicional.

A partir de esa lógica culinaria, A&W Canadá desarrolló una campaña de experiential marketing que llevó el concepto “smash” fuera de la cocina y lo transformó en arquitectura, mobiliario y publicidad.

La cadena de hamburgueserías, junto con la agencia creativa Rethink, convirtió uno de sus restaurantes en Toronto en un espacio visualmente comprimido para anunciar la llegada de las primeras smash burgers al menú nacional de la marca.

La activación se realizó el pasado 22 de mayo sobre King Street West y funcionó como un local pop-up temporal.

El espacio mostraba letreros deformados, mesas aplastadas, bandejas estiradas y objetos visualmente comprimidos, como si todo el restaurante hubiera quedado atrapado bajo una prensa para hamburguesas.

Incluso el logotipo de A&W y la mascota Rooty aparecían alterados para reforzar el concepto visual.

La instalación también incluyó degustaciones gratuitas antes del lanzamiento oficial del producto.

La experiencia fue amplificada en Instagram y otras plataformas sociales mediante piezas que mostraban el restaurante deformado y reforzaban el juego semántico alrededor de la palabra “smash”, utilizada tanto para describir el producto como para aludir coloquialmente al éxito o desempeño sobresaliente.

Cuando el producto se convierte en espacio físico

La campaña de A&W trabaja sobre una tendencia cada vez más visible en experiential marketing: convertir atributos funcionales de un producto en experiencias físicas inmersivas.

En lugar de limitarse a comunicar ingredientes o sabor, la marca tradujo la técnica culinaria en un entorno tridimensional capaz de generar interacción, contenido para redes sociales y recordación visual.

El valor estratégico de la acción está en que el mensaje no depende exclusivamente de un anuncio tradicional. El consumidor entiende el concepto incluso antes de probar el producto porque el espacio ya comunica la idea central de la hamburguesa.

La campaña no se limita a explicar qué es una smash burger; diseña una experiencia que permite “vivir” visualmente el concepto smash.

Ese enfoque también ayuda a diferenciarse dentro de una categoría saturada de promociones, colaboraciones con celebridades y lanzamientos constantes. “¿Cómo lanzas el primer Smash Burger de A&W y cómo atraviesas una categoría saturada de IPs y colaboraciones con celebridades?  Te apoyas en los activos únicos de marca y reimaginas lo que todo el mundo ama de A&W”, explicó Jacky Le, PR Account Director en Rethink.

Barbie y la casa tamaño real que convirtió una película en experiencia

El caso de A&W se conecta con otras campañas recientes donde las marcas utilizaron intervenciones físicas para traducir visualmente un concepto de producto o entretenimiento. Uno de los ejemplos más visibles fue la activación global de Barbie previa al estreno de la película dirigida por Greta Gerwig.

Warner Bros. y Mattel desarrollaron experiencias inmersivas en distintas ciudades del mundo replicando la famosa Dreamhouse de Barbie en tamaño real.

En ciudades como Malibú o Ciudad de México, los espacios utilizaron arquitectura rosa monocromática, mobiliario exagerado y escenografías diseñadas específicamente para generar fotografías y contenido social.

La estrategia convirtió un universo visual históricamente asociado al juguete en un entorno físico navegable. Más que comunicar la película mediante trailers o anuncios, la campaña permitió que los consumidores ingresaran literalmente dentro del código visual de Barbie.

La lógica es similar a la utilizada por A&W: ambos casos trasladan atributos reconocibles de marca hacia una experiencia espacial. Mientras Barbie convierte su estética artificial y colorida en arquitectura habitable, A&W transforma el efecto de aplastar una hamburguesa en mobiliario deformado y estructuras comprimidas.

IKEA y el apartamento pequeño como demostración de producto

Otro antecedente relevante dentro del experiential marketing fue la intervención urbana de IKEA en París y otras ciudades europeas para demostrar soluciones de almacenamiento en espacios reducidos.

La marca sueca instaló departamentos compactos en espacios públicos para mostrar cómo podían organizarse ambientes funcionales dentro de pocos metros cuadrados.

En lugar de describir ventajas mediante publicidad tradicional, IKEA permitió que las personas recorrieran físicamente microespacios equipados con muebles multifuncionales.

La estrategia tradujo un problema cotidiano (la falta de espacio) en una demostración tangible. El consumidor no recibía únicamente información sobre muebles; experimentaba directamente cómo esos productos modificaban la vida dentro de un entorno reducido.

Ese tipo de intervenciones comparte una característica con el caso de A&W: el mensaje deja de ser abstracto y se convierte en comportamiento o experiencia observable. La campaña no comunica solamente una idea; construye un sistema visual y físico alrededor del producto.

El experiential marketing busca ideas fáciles de compartir

La instalación de A&W también refleja cómo muchas campañas actuales son diseñadas desde el inicio para circular en redes sociales. El restaurante aplastado funciona tanto para quienes visitaron físicamente el pop-up como para quienes consumieron la campaña desde Instagram, TikTok o publicidad exterior.

La deformación visual del espacio genera un impacto inmediato porque simplifica el mensaje y lo vuelve reconocible en segundos.

Esa capacidad de síntesis visual resulta especialmente valiosa en plataformas donde las marcas compiten por atención dentro de feeds saturados de estímulos.

Para marcas latinoamericanas, el caso ofrece un aprendizaje concreto: las campañas de experiential marketing más efectivas no necesariamente dependen de grandes producciones tecnológicas. Muchas veces el diferencial surge de encontrar una traducción física clara para una característica específica del producto.

En el caso de A&W, toda la estrategia giró alrededor de una acción simple: aplastar. La marca tomó ese gesto, lo convirtió en arquitectura, humor, contenido social y activación urbana, y construyó una campaña publicitaria coherente en todos sus puntos de contacto.

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Crocs lanzó una colección inspirada en Oracle Red Bull Racing, equipo protagonista de la Fórmula 1, con la que busca conectar con millones de aficionados que siguen el automovilismo y consumen productos relacionados con sus escuderías favoritas.

La colaboración incluye modelos como el Oracle Red Bull Racing Crocband Clog y el Oracle Red Bull Racing Classic Runner, diseños que incorporan elementos visuales inspirados en los monoplazas del equipo, así como detalles y accesorios exclusivos de la escudería.

De acuerdo con datos de Liberty Media, propietaria de la categoría, la F1 cerró 2025 con más de 826 millones de seguidores a nivel mundial, mientras que la asistencia a los Grandes Premios continúa rompiendo récords año tras año.

Este crecimiento ha convertido a los aficionados en un mercado atractivo para marcas de moda, calzado y artículos de colección.

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Crocs busca capitalizar el boom de la Fórmula 1

La colección toma como inspiración la identidad visual de Oracle Red Bull Racing, uno de los equipos más exitosos de los últimos años. El Crocband Clog incorpora detalles que recuerdan a un auto de carreras, incluyendo elementos aerodinámicos, alerones y gráficos oficiales del equipo.

Por su parte, el Classic Runner apuesta por una silueta deportiva con la imagen de la escudería y accesorios Jibbitz temáticos.

La estrategia responde a una tendencia de que los aficionados ya no solo consumen deportes, también compran productos que les permiten identificarse con sus equipos favoritos.

Varios usuarios de redes sociales destacan el diseño llamativo de los modelos, mientras que otros los consideran piezas de colección más que un producto de uso cotidiano.

Las marcas que también quieren a los fans de la F1

Crocs no es la única compañía que busca aprovechar la popularidad del automovilismo. En los últimos años, Adidas, Puma y New Era han desarrollado colecciones oficiales con equipos como Mercedes-AMG Petronas, Ferrari, McLaren y Red Bull Racing.

Asimismo, Lego ha lanzado sets inspirados en monoplazas de Fórmula 1, mientras que Hot Wheels mantiene una línea de autos coleccionables basados en las principales escuderías de la categoría.

Estas colaboraciones permiten a las marcas acceder a una audiencia global con alto nivel de fidelidad.

Más allá del calzado: una estrategia de marca

La alianza entre Crocs y Oracle Red Bull Racing forma parte de una tendencia en la que las marcas buscan convertirse en parte de la cultura deportiva y del entretenimiento.

El objetivo no es únicamente vender zapatos, sino crear productos exclusivos capaces de generar conversación, coleccionismo y sentido de pertenencia.

En México, la colección ya se encuentra disponible a través de los canales oficiales de Crocs. El modelo que destaca es el Oracle Red Bull Racing Crocband Clog con un precio de 2 mil 399 pesos, convirtiéndose en uno de los lanzamientos más llamativos de la marca durante 2026.

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Los rumores terminaron. Microsoft aprovechó el Xbox Games Showcase 2026 para confirmar una noticia que cambiará el panorama para miles de jugadores: Gears of War: E-Day no llegará a PlayStation 5 y se lanzará exclusivamente en el ecosistema Xbox y PC. La compañía presentó el primer gameplay oficial del esperado título desarrollado por The Coalition y People Can Fly, revelando además que su lanzamiento está programado para el próximo 6 de octubre de 2026. Sin embargo, más allá de las espectaculares secuencias de acción y el regreso de algunos de los personajes más emblemáticos de la franquicia, la verdadera sorpresa fue la confirmación de su exclusividad.

¿Por qué Gears of War: E-Day no llegará a PS5?

Durante la presentación del evento, Asha Sharma, presidenta de Xbox, describió el videojuego como una “Xbox console exclusive”, dejando claro que la nueva entrega de la saga no formará parte del catálogo de PlayStation 5.

La noticia representa un cambio importante en la estrategia reciente de Microsoft. En los últimos años, la empresa había llevado varias de sus franquicias a plataformas rivales, lo que alimentó las especulaciones sobre una posible llegada de Gears of War a PlayStation. Sin embargo, con E-Day, Xbox parece apostar nuevamente por fortalecer el valor exclusivo de una de sus propiedades intelectuales más importantes.

Por ahora, los jugadores podrán disfrutarlo en Xbox Series X|S, PC y desde el primer día a través de Game Pass.

¿De qué trata Gears of War: E-Day?

La historia funcionará como una precuela de la saga original y llevará a los jugadores catorce años antes de los acontecimientos del primer Gears of War.

La campaña mostrará el llamado Día de la Emergencia, el momento en que la humanidad enfrentó por primera vez la invasión de la Horda Locust. Los protagonistas serán Marcus Fenix y Dominic Santiago, quienes deberán sobrevivir al surgimiento de una amenaza que emerge desde las profundidades del planeta Sera.

Las imágenes mostradas durante el Xbox Games Showcase dejaron ver una experiencia mucho más oscura y dramática, con ciudades devastadas, civiles intentando escapar y una guerra que marcará para siempre el destino de la humanidad.

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¿Qué novedades tendrá el multijugador?

Microsoft también reveló detalles sobre los modos competitivos y cooperativos.

Uno de los anuncios más destacados fue el regreso de Horde Siege, una evolución del clásico modo Horda que permitirá a equipos de cuatro jugadores elegir distintas clases, entre ellas asalto, francotirador, médico y asaltante.

Cada personaje podrá desbloquear mejoras, personalizaciones y equipamiento mientras cumple objetivos dentro de las partidas.

Por otro lado, el modo competitivo incluirá nuevos mapas y enfrentamientos 4 contra 4. The Coalition aseguró que el sistema de movimiento ha sido modernizado para ofrecer una experiencia más fluida, aunque manteniendo la esencia táctica basada en coberturas que convirtió a la franquicia en una referencia dentro de los shooters en tercera persona.

Unreal Engine 5 y el regreso de una franquicia histórica

Otro de los aspectos que más llamó la atención fue el apartado visual. Gears of War: E-Day está siendo desarrollado con Unreal Engine 5, motor gráfico que permitirá mostrar escenarios más detallados, efectos de iluminación avanzados y una destrucción ambiental mucho más realista.

La demostración de jugabilidad mostró uno de los avances técnicos más impresionantes vistos durante el Xbox Games Showcase 2026, posicionando al título como uno de los grandes referentes gráficos de la actual generación de consolas.

Xbox recupera una de sus exclusivas más importantes

La confirmación de que Gears of War: E-Day será exclusivo de Xbox llega en un momento clave para la industria. Mientras PlayStation y Nintendo continúan fortaleciendo sus catálogos exclusivos, Microsoft apuesta por recuperar parte de la identidad que históricamente construyó con franquicias como Halo, Forza y Gears of War.

Para los seguidores de Xbox, la noticia representa el regreso de una de las sagas más importantes de la marca. Para los usuarios de PlayStation, en cambio, significa quedarse fuera de uno de los lanzamientos más esperados de 2026.

Lo que es un hecho es que Gears of War: E-Day se perfila como uno de los videojuegos más relevantes del año y una pieza estratégica en la batalla por la atención de los jugadores en la nueva generación.

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Netflix reveló la primera imagen de Scooby-Doo en live-action y confirmó que la nueva serie basada en la popular franquicia llegará a nivel mundial en 2027.

La producción, titulada “Scooby-Doo: El origen”, marcará un cambio importante para la saga, ya que será la primera vez que el famoso gran danés aparecerá como un perro real dentro de una adaptación televisiva live-action.

El anuncio representa un nuevo paso para una de las propiedades intelectuales más importantes de la industria del entretenimiento. Durante más de cinco décadas, Scooby-Doo ha mantenido su presencia en televisión, cine y plataformas digitales, convirtiéndose en una marca reconocida por distintas generaciones.

La serie ya se encuentra en producción en Atlanta, Georgia, una de las ciudades que se ha consolidado como uno de los principales centros de filmación de Estados Unidos.

Netflix también confirmó que el estreno será global, siguiendo su estrategia de lanzamientos simultáneos para franquicias de alcance internacional.

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Scooby-Doo apuesta por una nueva generación de espectadores

La nueva producción funcionará como una historia de origen para los integrantes de Mystery Inc. La trama se desarrollará durante el último verano de campamento de los protagonistas, cuando Shaggy y Daphne se ven involucrados en un misterio sobrenatural relacionado con un cachorro perdido de raza gran danés.

A ellos se unirán Vilma, presentada como una joven científica, y Fred, el nuevo estudiante del grupo. Juntos intentarán resolver un caso que amenaza con sacar a la luz secretos ocultos.

El elenco principal está integrado por Mckenna Grace como Daphne Blake, Tanner Hagen como Shaggy Rogers, Abby Ryder Fortson como Velma Dinkley y Maxwell Jenkins como Fred Jones.

Además, Paul Walter Hauser participará en la producción, aunque Netflix aún no ha revelado todos los detalles de su personaje.

La apuesta de Netflix llega en un momento en el que las adaptaciones live-action de franquicias animadas se han convertido en una de las estrategias más utilizadas por las plataformas de streaming para atraer nuevas audiencias y mantener el interés de los seguidores históricos.

Una franquicia que sigue generando negocio más de 50 años después

Scooby-Doo debutó en 1969 y desde entonces se ha transformado en una de las franquicias más rentables de Warner Bros.

A lo largo de su historia ha acumulado tres películas para cine, más de una docena de series animadas y cerca de 40 películas animadas lanzadas para el mercado doméstico.

El personaje forma parte de una lista de propiedades intelectuales que continúan generando ingresos mediante nuevas versiones y productos derivados.

Casos similares son los de los personajes de Disney con adaptaciones como El Rey León y Lilo & Stitch, así como franquicias impulsadas por plataformas de streaming como Avatar: La leyenda de Aang, One Piece y Cómo entrenar a tu dragón.

De acuerdo con datos de la consultora Grand View Research, el mercado global del entretenimiento y medios superó los 2.8 billones de dólares en 2025, impulsado principalmente por contenidos basados en franquicias reconocidas y producciones para streaming.

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Atlanta fortalece su posición como centro de producción para Netflix

La elección de Atlanta confirma la importancia estratégica que tiene la ciudad para Netflix. La plataforma ha desarrollado múltiples producciones en esa región, incluyendo Stranger Things y otros proyectos originales.

La nueva serie también reúne a compañías con amplia experiencia en televisión. La producción está encabezada por Berlanti Productions, firma fundada por Greg Berlanti, creador y productor de más de 45 series televisivas, junto con Midnight Radio y Warner Bros. Television.

La primera imagen de Scooby-Doo deja claro que la plataforma apostará por una versión más realista del personaje, sin perder los elementos de misterio y aventura que han mantenido vigente a la franquicia durante más de medio siglo.

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• Ferrari enfrenta resistencia entre coleccionistas tras presentar su primer deportivo eléctrico.
• Algunos clientes creen que comprar el Luce podría mejorar su acceso a modelos exclusivos.
• La marca apuesta por nuevos compradores en China y Silicon Valley para impulsar su estrategia EV.

El Ferrari eléctrico ya provoca una discusión entre coleccionistas, distribuidores y clientes históricos de la marca italiana. El lanzamiento del Luce, el primer deportivo eléctrico de Ferrari, del que te contamos todos los detalles en Merca2.0, abrió una conversación que va mucho más allá de la movilidad sustentable: para muchos compradores, adquirir este vehículo podría convertirse en una señal de fidelidad con beneficios futuros dentro del ecosistema de la compañía.

La presentación del modelo en Roma reunió a unos 1,600 invitados entre clientes, entusiastas y potenciales compradores.

Aunque en redes sociales el diseño del vehículo generó críticas y reacciones divididas, dentro del evento el debate tomó otro rumbo: varios asistentes comenzaron a especular sobre si adquirir el nuevo Ferrari eléctrico mejoraría su posición dentro del sistema interno de prioridad de la marca, dice el Financial Times.

Ferrari negó públicamente cualquier vínculo entre la compra del Luce y el acceso preferencial a modelos limitados.

Incluso, según reportó el mismo medio, la compañía prohibió a distribuidores sugerir ese tipo de beneficios como argumento de venta.

Sin embargo, en distintos mercados persiste la percepción de que comprar el EV podría traducirse en ventajas futuras.

La exclusividad sigue siendo el principal activo de Ferrari

La estrategia de Ferrari durante décadas se apoyó en una lógica clara: producir menos autos de los que el mercado demanda para aumentar deseo, valor de reventa y prestigio entre clientes.

Esa política convirtió a modelos especiales como el Icona, el Daytona SP3 o el F80 en piezas extremadamente difíciles de conseguir.

Dentro de ese sistema, la lealtad funciona como moneda de cambio. Analistas y propietarios sostienen que Ferrari monitorea el historial completo de sus clientes: cuántos vehículos compran, cuánto tiempo los conservan, cómo los mantienen e incluso qué tan activos son en eventos organizados por la firma italiana.

En ese contexto, el Ferrari eléctrico aparece como un caso particular. Algunos distribuidores en China y Europa consideran que comprar el Luce podría enviar una señal positiva a la marca, especialmente en un momento donde Ferrari intenta acelerar su transición tecnológica sin romper con su identidad histórica.

Otros lanzamientos de deportivos EV

La situación del Ferrari eléctrico recuerda otros lanzamientos complejos dentro del segmento de autos deportivos de lujo.

Uno de los ejemplos más visibles fue el del Porsche Taycan. Cuando Porsche presentó su primer eléctrico deportivo, parte de los puristas cuestionó si un EV podía conservar el ADN de manejo de la marca alemana.

Sin embargo, el Taycan terminó convirtiéndose en un éxito comercial y ayudó a Porsche a atraer compradores más jóvenes y perfiles tecnológicos sin erosionar el valor de sus modelos tradicionales.

Otro caso fue el del Lamborghini Revuelto. El híbrido enchufable de Lamborghini también enfrentó dudas entre clientes acostumbrados a motores V12 tradicionales.

Aun así, la demanda inicial superó las expectativas y la marca aseguró pedidos vendidos para más de dos años tras su lanzamiento.

En ambos ejemplos, las marcas utilizaron la innovación tecnológica sin abandonar la lógica de exclusividad que sostiene el negocio del lujo automotriz.

El Ferrari eléctrico también funciona como prueba de fidelidad

Más allá de sus características técnicas, el Luce parece operar como un termómetro emocional para medir qué tan comprometidos siguen los clientes con la marca durante la transición eléctrica.

Esa dinámica resulta especialmente importante porque Ferrari enfrenta un desafío distinto al de fabricantes masivos. La compañía no necesita vender millones de autos eléctricos.

Su objetivo consiste en convencer a clientes históricamente vinculados al sonido del motor, la mecánica tradicional y la experiencia analógica de que la electrificación también puede formar parte del universo Ferrari.

Aquí aparece uno de los movimientos estratégicos más interesantes detrás del lanzamiento: Ferrari busca ampliar su base de consumidores hacia perfiles distintos a los coleccionistas tradicionales.

Según personas cercanas a la empresa citadas por Financial Times, la marca concentra parte de sus esfuerzos comerciales en mercados como China y Silicon Valley, donde existe una relación más abierta con la tecnología y los vehículos eléctricos.

En otras palabras, el Luce no sólo intenta vender un automóvil. También busca construir una nueva generación de clientes Ferrari.

La conversación alrededor del vehículo demuestra que la marca todavía depende fuertemente de mecanismos aspiracionales. Para muchos compradores, ingresar a Ferrari implica entrar a un sistema de acceso restringido donde cada compra puede influir en oportunidades futuras.

La transición eléctrica cambia el comportamiento del lujo automotriz

El caso del Ferrari eléctrico refleja un cambio más amplio dentro de la industria premium. Durante años, el lujo automotriz se apoyó en atributos tangibles como potencia, sonido del motor o desempeño mecánico.

Ahora, las marcas necesitan incorporar tecnología, software y electrificación sin perder exclusividad.

En ese escenario, Ferrari enfrenta un equilibrio delicado. Si la compañía acelera demasiado su transición eléctrica, corre el riesgo de alejar a parte de sus clientes históricos.

Pero si avanza demasiado lento, puede perder relevancia frente a nuevos consumidores premium acostumbrados a Tesla, Rimac o BYD.

La reacción al Luce también deja una enseñanza para otras marcas de lujo: el producto ya no funciona únicamente como objeto de consumo. Se convierte en una herramienta de pertenencia y validación dentro de comunidades altamente aspiracionales.

Eso explica por qué algunos clientes siguen interpretando la compra del Ferrari eléctrico como una posible inversión relacional con la marca, incluso cuando la empresa insiste en negar cualquier beneficio adicional.

El debate tampoco se limita al diseño o la autonomía del vehículo. Detrás de la conversación aparece una pregunta más profunda para la industria automotriz premium: cómo mantener intacto el deseo alrededor de una marca cuando cambia la tecnología que definió su identidad durante décadas.

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• Rubber Road introduce Mystery Eggs para llevar TUBBZ al segmento blind box.
• La colección debut incluye 12 personajes de Minions y figuras raras.
• La estrategia combina licensing, retail y comportamiento de coleccionismo.

La marca TUBBZ, conocida por transformar personajes de la cultura pop en patos coleccionables de goma, amplía su portafolio con una nueva apuesta enfocada en el mercado blind box.

Rubber Road presentó Mystery Eggs, una línea de figuras sorpresa que debuta con una licencia de Minions y busca aprovechar tanto el estreno de la película “Minions vs Monsters” como el crecimiento global de los coleccionables impulsados por escasez y sorpresa.

La nueva línea introduce un formato distinto dentro del ecosistema TUBBZ. En lugar de las tradicionales figuras visibles en caja, los personajes llegan dentro de empaques en forma de huevo que ocultan el contenido hasta el momento de apertura.

Cada exhibidor incluye 36 unidades individuales y un sistema de rarezas que agrega componentes de búsqueda y repetición de compra.

La colección inicial integra 12 personajes de Minions, incluyendo variantes especiales como Bob y Stuart en versiones plateadas con probabilidades limitadas, además de una edición ultra rara de Gru en acabado dorado.

La compañía también mantuvo detalles visuales característicos de la franquicia, desde los lentes hasta accesorios específicos de algunos personajes.

El licensing se mueve hacia formatos de compra impulsiva

La decisión de Rubber Road refleja un movimiento cada vez más visible dentro del negocio de licensing: trasladar propiedades conocidas hacia formatos de consumo asociados con sorpresa, colección y recompra.

Durante años, los productos licenciados dependieron principalmente de figuras tradicionales, juguetes estáticos o mercancía vinculada directamente al estreno de películas y series.

Ahora, las marcas buscan sistemas que prolonguen la interacción y aumenten la frecuencia de compra.

El mercado blind box creció especialmente entre consumidores jóvenes y adultos vinculados con la cultura pop, anime, gaming y entretenimiento digital.

Empresas como Pop Mart ayudaron a consolidar el modelo basado en figuras ocultas y probabilidades de rareza, una lógica que posteriormente adoptaron marcas de juguetes, retailers y compañías de licensing.

En este caso, Rubber Road aprovecha una propiedad con reconocimiento global como Minions para entrar a un segmento donde el comportamiento del consumidor no depende únicamente del personaje, sino también de la experiencia de descubrimiento.

El producto comunica una idea de colección, pero también diseña una acción concreta: incentivar compras múltiples para encontrar variantes difíciles.

La cercanía del estreno de “Minions vs Monsters”, programado para el 1 de julio, también funciona como acelerador comercial. La conversación alrededor de la franquicia incrementa visibilidad en retail y facilita que un producto derivado gane tracción entre públicos infantiles y coleccionistas.

TUBBZ expande su estrategia más allá de los patos coleccionables

TUBBZ construyó su identidad alrededor de reinterpretaciones humorísticas de personajes de videojuegos, cine y televisión convertidos en patos de goma.

Con el tiempo, la marca incorporó Mini TUBBZ, versiones XL y líneas de peluches para ampliar su presencia en distintas categorías de precio y formatos de colección.

Mystery Eggs representa otro paso en esa expansión. La compañía entra a una categoría donde el empaque tiene tanto peso como el producto y donde la compra impulsiva ocupa un lugar central dentro de la estrategia comercial.

Jack Fox, director de ventas y marketing de Rubber Road, explicó que el formato blind era una pieza pendiente dentro del universo TUBBZ y señaló que la empresa trabajó durante años en el desarrollo de esta línea.

También destacó que las figuras no repiten diseños únicamente mediante cambios de color, sino que cada personaje mantiene detalles propios dentro de la estética TUBBZ.

La estrategia también busca fortalecer presencia en retail físico. Entre los primeros socios comerciales en Reino Unido aparecen cadenas como Hamleys, Tesco, The Entertainer, Morrisons y HMV. Esto permite colocar el producto en espacios donde el formato sorpresa funciona especialmente bien por exhibición y compra espontánea.

El fenómeno blind box cambia la lógica del coleccionismo

El crecimiento de formatos blind box modificó parte del comportamiento tradicional del coleccionismo. Antes, muchos consumidores compraban figuras específicas sabiendo exactamente qué personaje adquirirían. Ahora, el atractivo incluye azar, rareza y posibilidad de intercambio.

Para las marcas, este sistema genera ventajas comerciales claras. Incrementa recurrencia, amplía tiempo de permanencia de una colección y crea dinámicas sociales alrededor de búsqueda y reventa.

También permite trabajar diferentes niveles de escasez sin necesidad de lanzar productos completamente nuevos.

En América Latina, donde el mercado de licensing sigue creciendo alrededor de entretenimiento, gaming y anime, este tipo de estrategias ofrece ejemplos aplicables para marcas que buscan construir comunidades de fans más activas.

El valor ya no depende únicamente del personaje licenciado, sino del sistema de experiencia que rodea la compra.

Rubber Road confirmó además que lanzará otras dos colecciones Mystery TUBBZ durante este año y planea expandir el formato en 2027.

Esto indica que la compañía no trata la línea como una edición aislada vinculada a Minions, sino como una nueva vertical de negocio dentro de su portafolio.

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• ELEGOO presentó una impresora 3D en colaboración con The emoji Company.
• La estrategia busca acercar la impresión 3D al consumo lifestyle y creativo.
• Otras marcas del sector también impulsan nuevos enfoques para ampliar el mercado.

La industria de impresión 3D atraviesa una nueva etapa en la que las marcas buscan salir del nicho técnico y acercarse al consumidor cotidiano.

En ese contexto, ELEGOO presentó una colaboración de marca junto a The emoji Company para lanzar una impresora 3D co-brandeada que apuesta por la personalización, el diseño emocional y la cultura digital.

El producto, llamado ELEGOO x emoji Centauri Carbon 2 Combo, debutó como una edición especial de la impresora insignia de la compañía. La campaña utiliza el lema “Your Vibe, Now in 3D” y plantea una idea clara: transformar símbolos digitales en objetos físicos mediante herramientas accesibles para consumidores creativos.

La impresora incorpora un diseño plateado y blanco con elementos visuales de emoji, una interfaz personalizada y archivos oficiales de impresión con modelos basados en emojis reconocibles.

La intención detrás del lanzamiento va más allá del hardware. La marca busca insertar la impresión 3D dentro de una conversación cultural vinculada a identidad visual, expresión personal y lifestyle tech.

ELEGOO es una compañía enfocada en manufactura inteligente y dispositivos de impresión 3D para consumidores y makers. En los últimos años ganó presencia internacional gracias a productos dirigidos a usuarios domésticos, creadores independientes y entusiastas de tecnología DIY.

Por su parte, The emoji Company expandió su negocio de licensing hacia distintas categorías de consumo, desde moda hasta accesorios, entretenimiento y tecnología.

La impresión 3D busca salir del espacio maker tradicional

La colaboración de marca entre ELEGOO y emoji refleja un cambio más amplio dentro de la categoría. Durante años, las impresoras 3D estuvieron asociadas principalmente con ingeniería, prototipado o comunidades maker especializadas.

Ahora, varias compañías intentan convertir estos dispositivos en productos aspiracionales y fáciles de integrar en la vida cotidiana.

La estrategia ya aparece en otros lanzamientos recientes del sector. Uno de los casos más visibles es el de Bambu Lab, empresa china que impulsó la expansión de impresoras 3D enfocadas en velocidad, automatización y facilidad de uso para consumidores masivos.

Su modelo Bambu Lab X1 Carbon ganó notoriedad entre creadores digitales y usuarios domésticos gracias a funciones que simplifican procesos técnicos tradicionalmente complejos, como calibración automática, impresión multicolor y monitoreo remoto desde aplicaciones móviles. La marca posicionó el producto más cerca del universo smart home que del ecosistema industrial tradicional.

Ese enfoque responde a una lógica clara: reducir la barrera técnica para ampliar el mercado.

Otra dirección distinta aparece en compañías como MakerBot, marca históricamente vinculada a educación y aprendizaje STEM. Su línea Sketch Sprint se orienta a escuelas y espacios formativos donde la impresión 3D funciona como herramienta pedagógica para diseño, creatividad y fabricación básica.

En este caso, el valor no está en la personalización estética ni en el lifestyle, sino en la integración educativa. La impresora se presenta como parte de un ecosistema de aprendizaje tecnológico accesible para estudiantes y docentes.

Los tres casos muestran cómo la categoría empieza a fragmentarse en territorios más específicos: entretenimiento creativo, automatización doméstica y educación tecnológica.

Colaboración de marca para diseñar comportamientos

La colaboración de marca entre ELEGOO y emoji también resulta interesante porque no se limita a comunicar un mensaje visual. La iniciativa intenta modificar el comportamiento del usuario frente a la impresión 3D.

La campaña no plantea únicamente que los emojis “se ven bien” dentro de una impresora. Lo que propone es una experiencia donde el consumidor pueda transformar códigos digitales cotidianos en objetos físicos para decorar, regalar o personalizar espacios.

Ese punto marca una diferencia estratégica importante.

Muchas campañas de tecnología todavía se apoyan en especificaciones técnicas como principal argumento comercial. Aquí, en cambio, la narrativa gira alrededor de emociones, identidad y creatividad simplificada.

La elección de emoji tampoco parece casual. Los emojis funcionan como uno de los lenguajes visuales más universales de internet y tienen una capacidad inmediata de reconocimiento global.

Al integrarlos dentro de una impresora 3D, la marca conecta con consumidores que quizá nunca se acercaron al mundo maker tradicional.

Además, la colaboración permite que ELEGOO se apoye en una propiedad intelectual conocida para ampliar visibilidad fuera de comunidades técnicas especializadas.

El licensing tecnológico gana espacio en consumo masivo

La alianza también confirma cómo el licensing empieza a expandirse hacia categorías tecnológicas que antes tenían poca relación con entretenimiento o cultura pop.

Durante años, las colaboraciones de marca entre propiedades intelectuales y tecnología se concentraron principalmente en smartphones, consolas, periféricos gamer o accesorios.

La impresión 3D abre un territorio distinto porque combina hardware, software y creatividad personalizada dentro de un mismo producto.

Para The emoji Company, la asociación representa una oportunidad para extender su presencia hacia experiencias físicas interactivas. Para ELEGOO, funciona como una vía para humanizar una categoría percibida como compleja o técnica.

El movimiento además coincide con una etapa donde distintas marcas tecnológicas intentan construir productos más visuales, coleccionables y compartibles en redes sociales.

En América Latina, este tipo de estrategia podría encontrar oportunidades especialmente entre audiencias jóvenes interesadas en creación de contenido, cultura geek, decoración personalizada y emprendimientos independientes. La impresión 3D empieza a presentarse menos como herramienta industrial y más como plataforma creativa para consumo cotidiano.

La impresora ya está disponible en mercados como Estados Unidos, Canadá, Reino Unido, Australia, Japón y países de la Unión Europea a través del sitio oficial de ELEGOO.

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La esperada salida a bolsa de SpaceX podría convertirse en uno de los acontecimientos financieros más importantes de la historia. La compañía aeroespacial fundada por Elon Musk planea recaudar hasta 75 mil millones de dólares en una Oferta Pública Inicial (OPI), una cifra que rompería todos los récords conocidos y que podría impulsar la fortuna del empresario hasta niveles nunca antes vistos.De concretarse la operación en los términos previstos, Musk estaría muy cerca de convertirse en la primera persona en alcanzar un patrimonio de un billón de dólares, un hito que hasta hace pocos años parecía imposible incluso para los multimillonarios más poderosos del planeta.

SpaceX busca romper récords con la mayor salida a bolsa jamás vista

De acuerdo con la documentación presentada ante la Comisión de Bolsa y Valores de Estados Unidos (SEC), SpaceX pretende vender alrededor de 555.6 millones de acciones a un precio de 135 dólares cada una.

La operación permitiría recaudar aproximadamente 75 mil millones de dólares, superando ampliamente el récord de 29 mil 400 millones de dólares obtenido por Saudi Aramco durante su salida a bolsa en 2019.

Con este movimiento, SpaceX alcanzaría una valoración cercana a los 1.77 billones de dólares, colocándose entre las empresas más valiosas del mundo. Incluso superaría el valor de mercado de numerosas compañías históricas que forman parte del índice S&P 500 y se acercaría a los gigantes tecnológicos más importantes del planeta.

Además, la empresa debutaría en los mercados bursátiles bajo el símbolo SPCX, en una operación encabezada por algunos de los bancos más influyentes de Wall Street.

Elon Musk está a un paso de hacer historia como el primer trillonario

La salida a bolsa tendría un impacto directo en la fortuna personal de Elon Musk. El empresario posee aproximadamente el 42% de las acciones ordinarias de SpaceX, además de cientos de millones de opciones sobre acciones.

Según diversas estimaciones financieras, esta participación tendría un valor cercano a los 688 mil millones de dólares si el precio de salida se mantiene en 135 dólares por acción.

A ello se suma su participación en Tesla, donde conserva cerca del 12% de la compañía, así como paquetes de compensación valorados en más de 120 mil millones de dólares ligados al desempeño futuro del fabricante de vehículos eléctricos.

Musk también mantiene inversiones en Neuralink, The Boring Company y otras empresas tecnológicas, por lo que su patrimonio podría acercarse rápidamente al billón de dólares. De hecho, algunos analistas consideran que bastaría un ligero aumento en el precio de las acciones de SpaceX durante sus primeros días de cotización para que el empresario alcance oficialmente la histórica marca.

Starlink, inteligencia artificial y Marte impulsan el valor de SpaceX

La confianza de los inversionistas no se basa únicamente en los lanzamientos espaciales.

Uno de los principales motores de crecimiento de la compañía es Starlink, la red global de internet satelital que ya opera en decenas de países y genera miles de millones de dólares en ingresos.

Además, SpaceX ha presentado ambiciosos planes relacionados con inteligencia artificial, incluyendo el desarrollo de centros de datos orbitales alimentados por energía solar y servicios de cómputo para empresas tecnológicas.

La compañía también busca expandir sus servicios de comunicación directa entre satélites y teléfonos móviles, así como fortalecer la producción de semiconductores para inteligencia artificial.

A largo plazo, Musk mantiene su visión de construir bases permanentes en la Luna y establecer una colonia humana en Marte, proyectos que continúan siendo parte fundamental del atractivo de la empresa para los inversionistas.

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Los riesgos ocultos detrás del debut bursátil de SpaceX

Pese al entusiasmo que rodea la oferta pública, algunos expertos advierten sobre los riesgos que enfrenta la compañía.

Durante 2025, SpaceX reportó pérdidas netas por aproximadamente 4 mil 940 millones de dólares, a pesar de generar ingresos cercanos a los 18 mil 700 millones de dólares.

Otro punto de preocupación es la estructura de gobierno corporativo. Tras la salida a bolsa, Elon Musk conservaría alrededor del 84% del poder de voto gracias a las acciones especiales que posee, lo que le permitiría mantener un control prácticamente absoluto sobre las decisiones estratégicas de la empresa.

Diversos grupos defensores de accionistas han cuestionado este modelo, argumentando que limita la capacidad de los inversionistas para influir en la dirección de la compañía.

Wall Street se prepara para una operación que puede cambiar el mercado global

La salida a bolsa de SpaceX no solo representa una oportunidad para Elon Musk. También podría marcar el inicio de una nueva ola de ofertas públicas de compañías vinculadas a la inteligencia artificial.

Analistas consideran que un debut exitoso abriría el camino para que empresas como OpenAI y Anthropic exploren operaciones similares en los próximos años, aprovechando el enorme apetito de los inversionistas por las tecnologías emergentes.

Por ahora, todas las miradas están puestas en SpaceX. Si la compañía logra cumplir las expectativas del mercado y las acciones mantienen una fuerte demanda, Elon Musk podría convertirse en cuestión de días en el primer trillonario de la historia, consolidando un imperio empresarial que abarca desde automóviles eléctricos e inteligencia artificial hasta satélites, cohetes y la futura exploración de Marte.

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Las marcas compiten por segundos de atención y relevancia emocional, OXXO decidió apostar por uno de los activos más poderosos —y difíciles de construir— del marketing contemporáneo: la memoria colectiva. La cadena de tiendas de conveniencia anunció una colaboración con Los Tucanes de Tijuana para lanzar “OXXO La Chona”, una adaptación del emblemático tema musical como parte de su estrategia “OXXO, anfitrión de todos”, una jugada que va mucho más allá de una campaña publicitaria tradicional.

Y es que “La Chona” se ha convertido en una pieza casi ritual dentro de la cultura mexicana. Presente en bodas, fiestas familiares, partidos de futbol, reuniones improvisadas y celebraciones populares, la canción trascendió su origen norteño para convertirse en un símbolo transversal de convivencia. En marketing, ese fenómeno tiene un enorme valor: las marcas buscan insertarse en momentos culturales que ya poseen una fuerte carga emocional en lugar de intentar crear nuevas conversaciones desde cero.

De acuerdo con el estudio “Why Brands Need Culture” de la consultora de branding Kantar, las marcas que logran conectar con códigos culturales relevantes tienen hasta cuatro veces más probabilidades de ser elegidas por los consumidores frente a aquellas que se limitan a mensajes funcionales. En otras palabras, las personas recuerdan más aquello que les provoca identidad, nostalgia o sentido de pertenencia.

¿Cómo será la apuesta de Oxxo?

Más que promocionar productos o servicios, la empresa parece reforzar un posicionamiento emocional: ser un espacio de encuentro cotidiano. Bajo el concepto de “anfitrión de todos”, la cadena busca consolidarse no únicamente como una tienda de conveniencia, sino como un actor presente en los rituales sociales de los mexicanos.

La estrategia también se alinea con un cambio importante en la publicidad contemporánea. Según el informe Meaningfully Different Brands 2025 de Kantar, las marcas con vínculos emocionales sólidos generan una mayor predisposición de compra y crecimiento sostenido, especialmente cuando logran integrarse a conversaciones culturales auténticas.

No es menor que esta campaña ocurra en un contexto donde México comienza a vivir un creciente ambiente internacional vinculado al futbol y a la llegada de visitantes extranjeros. El timing importa: OXXO está utilizando símbolos profundamente mexicanos —la hospitalidad, la música regional y la convivencia— para reforzar una narrativa de identidad nacional justo en un momento de alta visibilidad global.

Para Jorge Esquer, Gerente de Mercadotecnia de OXXO México, la colaboración representa un reconocimiento a aquello que une a los mexicanos. “Pocas canciones tienen el poder de unir a todo un país como ‘La Chona’. Es una pieza que vive en la memoria colectiva de las y los mexicanos”, señaló el directivo al presentar la iniciativa.

Desde la perspectiva de marca, la alianza también refleja una tendencia creciente: el uso de la música como vehículo de conexión emocional. Un estudio de Nielsen Music encontró que las campañas que incorporan canciones altamente reconocibles pueden incrementar significativamente el recuerdo publicitario y fortalecer asociaciones positivas hacia las marcas.

La participación de Los Tucanes de Tijuana también aporta legitimidad cultural. Con casi cuatro décadas de trayectoria, la agrupación mantiene una conexión intergeneracional que pocas figuras musicales conservan. Para OXXO, esto significa acceso a públicos diversos sin perder autenticidad, un elemento crucial en una era donde las audiencias castigan rápidamente las colaboraciones percibidas como forzadas.

La pregunta de fondo es si las marcas pueden convertirse en parte de la cultura sin parecer oportunistas. OXXO parece intentar responder afirmativamente al no apropiarse de un símbolo cultural, sino reinterpretarlo desde un territorio que ya ocupa: el de los encuentros cotidianos. Porque al final, en México, pocas cosas son tan comunes como una parada al OXXO antes de una reunión… y pocas canciones tan inevitables como “La Chona” cuando empieza la fiesta.

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La cuenta regresiva para la Copa Mundial de la FIFA 2026 ya comenzó y las grandes marcas buscan conectar con los aficionados a través de experiencias digitales. Ahora, WhatsApp pone el Trionda en el emoji del balón clásico de fútbol, una actualización temporal que transforma uno de los emojis más utilizados por los amantes del deporte en una versión inspirada en el balón oficial del torneo que se disputará en México, Estados Unidos y Canadá.

La iniciativa forma parte de una colaboración entre WhatsApp y adidas, fabricante oficial del balón mundialista, con el objetivo de acercar la emoción del campeonato a millones de usuarios que utilizan diariamente la plataforma para comunicarse. Aunque solo aparece en la versión Mobile, más no en texto.

Trionda y WhatsApp: así luce el nuevo emoji mundialista

Desde este 4 de junio y hasta la final de la Copa Mundial de la FIFA 2026, el tradicional emoji del balón de fútbol mostrará la apariencia del Trionda, el esférico oficial del torneo.

Los usuarios podrán enviarlo en mensajes individuales, grupos y también utilizarlo como reacción en conversaciones. La actualización busca convertir cada chat en una experiencia más cercana al evento deportivo más importante del planeta.

El cambio no modifica el funcionamiento del emoji, pero sí su apariencia visual, que ahora incorpora los colores y elementos característicos del nuevo balón desarrollado por adidas para el Mundial.

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¿Qué significa el nombre Trionda?

El nombre Trionda proviene de la expresión “tres ondas”, una referencia directa a la unión de los tres países anfitriones de la Copa Mundial 2026: Canadá, México y Estados Unidos. Su diseño destaca por incluir paneles en colores rojo, verde y azul, representando a cada una de las naciones organizadoras. Además, incorpora elementos gráficos inspirados en símbolos nacionales como la hoja de arce canadiense, el águila mexicana y las estrellas estadounidenses.

El balón también presenta una construcción innovadora basada en cuatro paneles principales que forman un triángulo central, una característica que busca mejorar la aerodinámica y el rendimiento dentro del terreno de juego.

Trionda y WhatsApp también apuestan por la tecnología

Más allá de su diseño, el Trionda destaca por integrar tecnología avanzada. Entre sus principales innovaciones se encuentra un sensor de movimiento capaz de registrar datos a una frecuencia de 500 Hz.

Esta tecnología permitirá proporcionar información en tiempo real a los sistemas de asistencia arbitral por video (VAR), ayudando a mejorar la precisión en jugadas polémicas y decisiones clave durante los encuentros mundialistas.

La apuesta tecnológica refleja la tendencia actual del fútbol de combinar innovación digital con la experiencia tradicional del deporte.

WhatsApp prepara más sorpresas para el Mundial 2026

La incorporación del Trionda al emoji de fútbol es solo una de las novedades que WhatsApp tiene preparadas para acompañar la fiesta mundialista.

La plataforma anunció además efectos especiales para llamadas, paquetes de stickers temáticos relacionados con el fútbol y un directorio de Canales enfocados en la cobertura del torneo, permitiendo que los aficionados sigan información, resultados y contenido exclusivo desde la aplicación.

El Mundial de 2026 arrancará oficialmente el próximo 11 de junio, cuando México enfrente a Sudáfrica en el partido inaugural programado para las 13:00 horas del centro de México. El encuentro se disputará en la Ciudad de México, en el histórico recinto conocido mundialmente como el Estadio Azteca, escenario que volverá a convertirse en protagonista de una Copa del Mundo.

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• LEGO y Pokémon lanzaron 12 nuevos sets SMART Play con tecnología interactiva.
• Los juguetes responden a movimientos, contacto y acciones mediante sensores, luces y sonido.
• La colección incluye personajes como Pikachu, Charizard, Mewtwo, Eevee y Gengar.

La alianza entre LEGO y Pokémon ya tiene forma definitiva. The LEGO Group y The Pokémon Company International presentaron oficialmente 12 nuevos sets SMART Play que incorporan sensores, luces, sonido y funciones interactivas diseñadas para jugar sin pantallas.

Como adelantó previamente Merca2.0, la colaboración entre ambas marcas busca llevar la experiencia Pokémon hacia un formato más inmersivo apoyado en la nueva tecnología LEGO SMART Brick.

Ahora, la compañía confirmó el lineup completo de productos que llegarán al mercado el próximo 1 de agosto.

La nueva línea permite que las construcciones respondan físicamente a las acciones de los usuarios. Los niños pueden alimentar personajes, activar movimientos, provocar reacciones y desbloquear sonidos mediante interacción directa con las piezas.

La tecnología SMART Play incorpora más de 20 innovaciones patentadas y funciona mediante SMART Bricks, sensores y SMART Tags distribuidos dentro de los sets.

Aunque LEGO ya exploraba experiencias conectadas en otros segmentos, esta es una de las apuestas más ambiciosas de la compañía para trasladar interacción digital al terreno del juego físico sin depender de apps o pantallas.

El comunicado oficial de LEGO.

Cómo funcionan los nuevos sets LEGO Pokémon

La propuesta gira alrededor de una idea sencilla: convertir los bloques físicos en juguetes capaces de reaccionar al comportamiento del usuario.

Los sets pueden detectar movimiento, contacto y determinadas acciones para activar respuestas visuales y sonoras. Entre las dinámicas disponibles aparecen entrenamientos Pokémon, batallas, alimentación de personajes y exploración de escenarios.

LEGO explicó que los usuarios podrán, por ejemplo, darle un sándwich construido con piezas a Pikachu o provocar reacciones en Charizard mediante interacción táctil.

La estrategia forma parte del crecimiento de LEGO SMART Play, una plataforma que la compañía presentó este año como una nueva etapa dentro de su ecosistema de juguetes interactivos.

Para Pokémon, la colaboración también representa una expansión natural de la franquicia hacia experiencias híbridas entre construcción, juego físico y entretenimiento inmersivo.

Uno por uno: todos los sets LEGO Pokémon SMART Play

La colección estará compuesta por dos sets All-in-One y 10 sets compatibles que expanden la experiencia interactiva.

Los All-in-One incluyen SMART Brick, cargador y SMART Tags integrados.

1. Training House with Pikachu (72164) Incluye una casa del árbol inspirada en Pikachu, objetos de entrenamiento, una Poké Ball y accesorios interactivos.
2. Charizard vs. Jolteon Ultimate Battle (72167) Presenta un escenario de combate entre Charizard y Jolteon con elementos de entrenamiento y efectos interactivos.

Los 10 sets compatibles funcionan como expansiones del ecosistema SMART Play.

1. Berry Bash with Bulbasaur and Bidoof (72155)
2. Trainer’s Buggy Adventure with Squirtle (72156)
3. Charmander and Geodude’s Cavern Clash (72157)
4. Sprigatito, Fuecoco and Quaxly Battle (72158)
5. Jigglypuff Concert (72159)
6. Drone Search for Mythical Mew (72161)
7. Eevee and Lapras’s Treasure Hunt (72162)
8. Mewtwo’s Lab Break (72163)
9. Umbreon vs. Garchomp Championship Battle (72165)
10. Cubone and Gengar’s Spooky Showdown (72166)

La colección reúne algunos de los personajes más reconocidos de la franquicia, incluyendo Pikachu, Charizard, Squirtle, Bulbasaur, Eevee, Mew, Gengar y Mewtwo.

LEGO apuesta por el juego interactivo sin pantallas

El lanzamiento también refleja un cambio más amplio dentro de la industria del juguete. Las compañías buscan mantener componentes tecnológicos sin depender completamente de teléfonos, tablets o consolas.

En lugar de trasladar el juego a una pantalla, LEGO apuesta por integrar sensores y respuestas físicas directamente dentro de los bloques.

La estrategia permite que la interacción ocurra sobre objetos tangibles, una tendencia que varias marcas infantiles exploran para combinar tecnología con creatividad manual.

Además del lanzamiento comercial, LEGO confirmó que algunas tiendas seleccionadas se convertirán temporalmente en PokéStops y Gyms inspirados en Pokémon GO para desbloquear recompensas y experiencias especiales.

Los compradores de determinados sets también podrán recibir como regalo promocional el set LEGO Pokémon SMART Play: Ditto as Squirtle Movie Night, disponible mientras duren existencias.

La preventa de los nuevos productos ya comenzó y el lanzamiento global está programado para el 1 de agosto.

Precios de los productos LEGO Pokémon

• Training House with Pikachu – US$69.99
• Charizard vs. Jolteon Ultimate Battle – US$119.99
• Berry Bash with Bulbasaur and Bidoof – US$19.99
• Trainer’s Buggy Adventure with Squirtle – US$29.99
• Charmander and Geodude’s Cavern Clash – US$19.99
• Sprigatito, Fuecoco and Quaxly Battle – US$34.99
• Jigglypuff Concert – US$14.99
• Drone Search for Mythical Mew – US$49.99
• Eevee and Lapras’s Treasure Hunt – US$59.99
• Mewtwo’s Lab Break – US$69.99
• Umbreon vs. Garchomp Championship Battle – US$79.99
• Cubone and Gengar’s Spooky Showdown – US$89.99

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• Javier Milei presentó en Financial Times una propuesta para crear “corporaciones no humanas” en Argentina.
• El proyecto busca atraer empresas de inteligencia artificial con baja regulación e incentivos fiscales.
• La iniciativa también abre interrogantes sobre empleo, automatización y el impacto laboral de la IA.

La inteligencia artificial volvió al centro de la estrategia internacional de Javier Milei. En una columna publicada este jueves 4 de junio en Financial Times, el presidente argentino presentó una propuesta para crear “corporaciones no humanas”, una nueva figura legal pensada para empresas operadas por agentes de IA o sistemas autónomos.

El texto, firmado junto a Federico Sturzenegger, ministro de Desregulación y Transformación del Estado, funciona como una mezcla de manifiesto ideológico, promoción económica y campaña de posicionamiento global para Argentina. 

La intención es atraer startups, compañías tecnológicas y capital internacional mediante baja regulación, beneficios fiscales y un marco jurídico especialmente diseñado para el desarrollo de inteligencia artificial.

La nota publicada en uno de los medios económicos más influyentes del mundo también busca instalar a Argentina como un territorio competitivo frente a mercados que avanzan hacia regulaciones más estrictas, como ocurre con la Unión Europea.

Según Milei, la inteligencia artificial necesita un entorno de libertad para desarrollarse sin “la mano muerta” de regulaciones prematuras. Por eso, el gobierno argentino ya envió al Congreso un proyecto para establecer un marco legal específico orientado al despliegue de IA.

Qué son las “corporaciones no humanas”

El punto más disruptivo de la propuesta es la creación de una categoría empresarial inédita dentro de la legislación argentina: las “corporaciones no humanas”.

La idea plantea compañías operadas por agentes de inteligencia artificial capaces de tomar decisiones autónomas en entornos impredecibles. En ese esquema, los accionistas humanos podrían existir, aunque no serían obligatorios para el funcionamiento de la entidad.

Milei compara este momento con el nacimiento de las sociedades de responsabilidad limitada en el siglo XVII. En la columna sostiene que el capitalismo moderno se expandió cuando las leyes permitieron limitar el riesgo legal de los inversores. Ahora, según su visión, la IA necesita una estructura similar para crecer sin restricciones.

El presidente incluso menciona un fallo judicial de Estados Unidos relacionado con organizaciones autónomas descentralizadas basadas en blockchain para argumentar que muchos sistemas legales todavía no están preparados para empresas gobernadas por algoritmos.

La propuesta argentina apunta a diferenciarse de esos modelos mediante un esquema favorable para el desarrollo tecnológico. Entre los incentivos aparecen impuestos corporativos bajos, flexibilidad regulatoria y libertad para elegir normas de gobierno corporativo.

La estrategia de branding internacional detrás de la IA

La publicación en Financial Times no parece casual. Más allá del contenido técnico, la columna funciona como una acción de branding político y económico orientada a inversores internacionales.

Milei intenta construir una narrativa donde Argentina deja atrás décadas de controles, restricciones y burocracia para convertirse en un país alineado con la innovación tecnológica.

En el artículo menciona la desaceleración de la inflación, el superávit fiscal y el avance en índices de libertad económica como señales de transformación.

El mensaje central es que Argentina quiere posicionarse como un “hub” global para empresas de inteligencia artificial en un momento donde muchos gobiernos discuten límites regulatorios para esta tecnología.

La referencia a Ámsterdam como capital financiera del siglo XVII también cumple una función simbólica. Milei plantea que Buenos Aires podría convertirse para la IA en lo que la ciudad neerlandesa representó para el comercio marítimo y el capitalismo moderno.

En términos de comunicación política, la estrategia apunta a conectar la identidad libertaria del gobierno con uno de los sectores de mayor crecimiento global: la inteligencia artificial.

La propuesta abre dudas sobre empleo y automatización

Aunque el artículo presenta la automatización como una oportunidad económica, la propuesta también genera interrogantes sobre sus consecuencias sociales y laborales.

Milei afirma que la IA liberará a la humanidad “de las limitaciones del cerebro” del mismo modo que la Revolución Industrial redujo la dependencia de la fuerza física.

Sin embargo, esa visión también alimenta uno de los principales debates actuales alrededor de la inteligencia artificial: el reemplazo de trabajadores humanos.

La creación de corporaciones operadas por IA podría acelerar procesos de automatización en sectores administrativos, creativos, financieros y de atención al cliente.

Distintos estudios internacionales ya advierten que millones de empleos podrían transformarse o desaparecer en los próximos años debido al avance de sistemas autónomos y agentes inteligentes.

En ese contexto, la propuesta argentina prioriza la competitividad y la atracción de capital antes que la protección laboral o la adaptación de trabajadores frente al cambio tecnológico.

El enfoque también contrasta con otros modelos regulatorios que intentan equilibrar innovación y protección social.

La Unión Europea, por ejemplo, impulsa marcos de IA centrados en transparencia, supervisión humana y evaluación de riesgos.

La estrategia argentina, en cambio, apuesta por una lógica de desregulación amplia con la intención de captar empresas que busquen operar con menos límites legales.

Para América Latina, el caso podría transformarse en un precedente relevante. Si Argentina avanza efectivamente con una legislación para “corporaciones no humanas”, el país entraría en una discusión global que todavía permanece abierta incluso en las principales economías tecnológicas del mundo.

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• El Mundial 2026 impulsa colaboraciones deportivas entre marcas, equipos, atletas y retailers.
• Nike, Adidas, Coca-Cola y Palace convierten el futbol en una plataforma cultural y comercial.
• El licensing deportivo gana peso como estrategia para ampliar audiencias y acelerar ventas.

El Mundial 2026 todavía no comienza, pero las marcas ya llevan meses compitiendo fuera de la cancha. Desde colecciones de streetwear hasta campañas digitales, las colaboraciones deportivas se consolidan como uno de los motores más rentables dentro de la industria del marketing y el licensing global.

Las alianzas entre marcas y propiedades deportivas dejaron de limitarse a patrocinios tradicionales. Ahora funcionan como plataformas de contenido, moda, retail y cultura pop capaces de extender el alcance comercial de un torneo mucho antes del silbatazo inicial.

De acuerdo con el medio especializado License Global, las colaboraciones vinculadas al Mundial comenzaron desde finales de 2025 con el lanzamiento de jerseys oficiales, cápsulas de moda y campañas comerciales impulsadas por Adidas, Nike, Puma y Coca-Cola.

La estrategia apunta a capitalizar el fan engagement durante meses, incluso antes del inicio oficial del torneo en México, Estados Unidos y Canadá.

La lógica detrás de estas asociaciones responde a un fenómeno cada vez más visible en marketing deportivo: las marcas buscan apropiarse de momentos culturales masivos para convertirlos en consumo cotidiano.

El futbol funciona como un lenguaje global capaz de conectar audiencias distintas mediante productos, experiencias y narrativas compartidas.

Un ejemplo apareció con la colección entre Palace Skateboards, Nike y la selección de Inglaterra. La campaña mezcla nostalgia futbolera, cultura urbana y moda streetwear con figuras como Wayne Rooney y Jill Scott. El proyecto no se limita a vender ropa. Diseña una conversación cultural alrededor de la identidad inglesa y la memoria colectiva del Mundial.

Otro caso es la colaboración entre Louis Vuitton y la Fórmula 1. La firma francesa desarrolló baúles personalizados para transportar trofeos y amplió su presencia en competencias internacionales como parte de una estrategia de lujo vinculada al deporte premium. La operación fortalece el posicionamiento aspiracional tanto de la marca como de la competencia automovilística.

También destaca la alianza entre Inter Miami y Adidas alrededor de Lionel Messi. Desde su llegada a la MLS, las ventas de jerseys, sneakers y productos lifestyle crecieron de manera acelerada en Estados Unidos y América Latina. El fenómeno demuestra cómo un atleta puede convertirse en plataforma de expansión comercial para distintas categorías de consumo.

Las colaboraciones deportivas ya no venden sólo mercancía

Durante años, muchas alianzas deportivas se enfocaban principalmente en camisetas, balones o productos coleccionables.

Hoy las colaboraciones deportivas funcionan como ecosistemas completos donde convergen entretenimiento, retail, redes sociales y experiencias presenciales.

Ahí aparecen ejemplos como la alianza entre Lego y la Fórmula 1 anunciada para 2025, que busca acercar el automovilismo a públicos infantiles y familiares mediante juguetes, contenido digital y activaciones comerciales.

La estrategia amplía la audiencia del deporte hacia segmentos donde tradicionalmente tenía menor penetración.

Otro movimiento relevante ocurrió con la NBA y Skims, la marca de Kim Kardashian, que lanzó colecciones de ropa interior masculina y apparel deportivo aprovechando la creciente relación entre moda, wellness y deporte profesional.

La colaboración permitió que Skims entrara con fuerza al mercado masculino mientras la NBA amplificó su conexión con audiencias jóvenes interesadas en lifestyle.

Este patrón muestra un cambio dentro de la industria: las colaboraciones deportivas ya no dependen exclusivamente del resultado competitivo. El verdadero valor aparece cuando las marcas convierten el deporte en una experiencia cultural transversal capaz de vivir en TikTok, retail, gaming, moda y entretenimiento.

El negocio empieza años antes del torneo

Las grandes alianzas deportivas requieren procesos largos de negociación, producción y distribución. Muchas campañas del Mundial 2026 comenzaron a estructurarse desde hace más de dos años para coordinar derechos de uso, fabricación, logística global y acuerdos comerciales con retailers.

Ese timing explica por qué eventos como Brand Licensing Europe ganaron peso dentro de la industria.

La feria, que se realizará en octubre en Londres, reúne a ligas, clubes, fabricantes, retailers y agencias que buscan cerrar acuerdos relacionados con torneos futuros como los Juegos Olímpicos de Los Ángeles 2028, la Eurocopa o los próximos Mundiales femeniles.

La planeación anticipada también reduce riesgos para fabricantes y retailers. Asociarse con propiedades deportivas permite lanzar productos con comunidades ya consolidadas, lo que acelera el sell-through y mejora márgenes comerciales.

Además, las colaboraciones deportivas generan ventanas comerciales mucho más largas que un evento tradicional. Una colección puede comenzar meses antes del torneo y extenderse hasta después de la competencia gracias a contenido digital, reventa, drops limitados y activaciones en tiendas.

El crecimiento del deporte femenil cambia el mapa comercial

Uno de los movimientos más observados por la industria es el crecimiento del deporte femenil como plataforma de licensing y marketing. La expansión de audiencias, patrocinios y cobertura mediática abrió nuevas oportunidades para marcas globales.

Nike, por ejemplo, fortaleció sus inversiones alrededor de selecciones femeniles y atletas como Alexia Putellas o Sophia Smith. Adidas también amplió líneas enfocadas en futbol femenil y lifestyle deportivo para nuevas consumidoras.

El fenómeno no se limita al futbol. La WNBA vive uno de sus momentos de mayor visibilidad comercial gracias al crecimiento de figuras como Caitlin Clark y Angel Reese, quienes atraen campañas publicitarias, acuerdos de moda y colaboraciones con firmas deportivas y tecnológicas.

La tendencia muestra que las marcas ya no observan el deporte femenil como una categoría secundaria. Lo entienden como una plataforma de crecimiento comercial con potencial para generar nuevas audiencias, engagement y ventas globales.

El marketing deportivo entra en una etapa más cultural

La evolución de estas colaboraciones refleja un cambio más amplio dentro del marketing global. Las marcas ya no buscan únicamente aparecer junto al deporte. Intentan integrarse en la cultura que rodea a los aficionados.

Por eso las campañas más exitosas mezclan música, moda, nostalgia, identidad local y storytelling.

El objetivo es construir productos y experiencias que parezcan auténticas para las comunidades deportivas y no simples operaciones publicitarias.

En América Latina, este fenómeno abre oportunidades para retailers, marcas de consumo y empresas de moda que buscan conectarse con generaciones jóvenes acostumbradas a consumir deporte como entretenimiento integral y fenómeno digital.

El Mundial 2026 representa el escenario perfecto para esa transformación. Y aunque el torneo todavía no comienza, la competencia comercial ya está en marcha.

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El Mundial de 2026 se acerca rápidamente y, con ello, el ecosistema comercial que rodea al torneo organizado por la FIFA comienza a tomar forma a través de múltiples lanzamientos de mercancía oficial. Las marcas deportivas y de moda han intensificado su actividad para posicionarse dentro de uno de los eventos más mediáticos del planeta, que en esta edición México, Estados Unidos y Canadá compartirán como sedes. En este contexto, New Era Cap presentó una nueva colección de gorras inspiradas en las selecciones nacionales que competirán en la justa mundialista.

La propuesta forma parte de una estrategia más amplia de la compañía para capitalizar el entusiasmo previo al torneo, incorporando diseños que hacen referencia a distintos equipos participantes y al imaginario visual del futbol internacional.

La colección busca conectar tanto con aficionados al deporte como con consumidores de moda urbana, un segmento en el que la marca ha construido una fuerte presencia global. Con esta línea, New Era no solo apuesta por el licenciamiento oficial del evento, sino que también busca consolidarse como una de las firmas clave dentro del mercado de merchandising vinculado al Mundial de 2026, en un entorno donde la competencia entre marcas por la atención del público será particularmente intensa.

¿Que gorras incluye la colección Mundial 2026 de New Era ?

Hasta el momento, se han filtrado cuatro diseños de gorras con visera plana y alargada que formarían parte de la línea Casual Classics. Los modelos incluyen dos versiones inspiradas en Estados Unidos (una en color rojo y otra en azul), así como propuestas dedicadas a Inglaterra y Alemania.

It’s the world’s most popular sport for a reason. Rep your country in the Global Goal collection, available now in Casual Classics, 19TWENTY®s, 59FIFTY®s, and more. https://t.co/GMWBVsfm0F pic.twitter.com/KKpsYWPa1s

— New Era Cap (@NewEraCap) June 2, 2026

Aunque estos primeros diseños ya han generado interés entre los aficionados, no se descarta que la marca amplíe la colección en las próximas semanas con nuevas piezas inspiradas en otras selecciones nacionales, en línea con la expectativa creciente rumbo al Mundial de 2026.

La estrategia de New Era para subirse al Mundial 2026 con sus gorras

El Marketing de Oportunidad, también conocido como Real-Time Marketing o Newsjacking, es una estrategia que consiste en aprovechar eventos, noticias, tendencias o coyunturas de alta relevancia pública para lanzar campañas, productos o mensajes de manera inmediata y contextual.

En lugar de construir una conversación desde cero, las marcas se integran a un tema que ya está captando la atención del público, sumándose a una ola informativa o cultural en tiempo real. Esta capacidad de reacción permite amplificar la visibilidad de los mensajes y aumentar su relevancia al conectarlos directamente con lo que está ocurriendo en el momento.

De acuerdo con datos de Gartner, el 64 por ciento de los consumidores percibe de forma positiva que las marcas recurran al humor, la creatividad o el ingenio para reaccionar a eventos de actualidad. Este tipo de intervenciones suele asociarse con una mayor cercanía y relevancia en la comunicación de las marcas.

Sin embargo, la misma consultora advierte sobre los riesgos de este tipo de estrategias. Sus indicadores señalan que cerca del 70 por ciento de los usuarios penaliza activamente a las empresas que intentan forzar su participación en conversaciones relacionadas con temas sensibles, políticos o tragedias, ya sea dejando de seguirlas o incluso abandonando la intención de compra. Este equilibrio entre oportunidad y sensibilidad se ha convertido en un factor clave dentro del marketing en tiempo real.

Otras líneas del Mundial 2026

A pocas semanas del torneo, Adidas Originals y Coca-Cola anunciaron una colaboración conjunta para lanzar una colección de ropa urbana y sneakers inspirada en la estética del fútbol de los años 2000.

La alianza resulta llamativa porque une a dos marcas con territorios de negocio completamente distintos: Coca-Cola no produce calzado y Adidas no forma parte de la industria de bebidas. Sin embargo, ambas compañías han decidido unir esfuerzos para desarrollar productos de edición limitada que capitalicen la llamada “fiebre futbolera” global en torno al Mundial.

La estrategia responde a un comportamiento de consumo cada vez más evidente: durante el mes del torneo, los aficionados buscan prendas y piezas específicas para construir outfits vinculados al evento, lo que convierte al Mundial en una ventana clave para la moda urbana y las colaboraciones entre marcas.

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• Nike y LEGO presentaron una colección inspirada en la herencia visual de Nike Football.
• La colaboración busca conectar con la Generación Alpha a través del juego, la creatividad y la autoexpresión.
• El caso muestra cómo las marcas pueden actualizar activos culturales históricos para nuevas audiencias.

Como adelantamos en Merca2.0, Nike y LEGO lanzarán una colección inspirada en la estética clásica de Nike Football. Pero detrás de los botines, jerseys y Air Max intervenidos con gráficos de bloques existe una operación de branding mucho más profunda: convertir un legado futbolero que pertenece a los millennials en una experiencia relevante para la Generación Alpha.

La colaboración ofrece una pista sobre cómo las grandes marcas están abordando uno de los desafíos más complejos del marketing contemporáneo: trasladar activos culturales construidos hace décadas hacia consumidores que nunca vivieron ese momento histórico.

En lugar de recurrir únicamente a la nostalgia, Nike y LEGO construyen un puente entre generaciones utilizando el juego, la creatividad y la autoexpresión como lenguaje común.

Nike convierte su legado futbolero en un lenguaje para niños

Durante los años 2000, Nike Football produjo algunas de las campañas publicitarias más influyentes de la industria.

Comerciales como Airport, Secret Tournament, Joga Bonito o Winner Stays ayudaron a construir una identidad asociada con la creatividad, la velocidad, la improvisación y la personalidad dentro del campo de juego.

Sin embargo, gran parte de esa narrativa pertenece a una generación que hoy ronda los 30 o 40 años.

Los consumidores más jóvenes crecieron en un ecosistema completamente distinto, dominado por plataformas digitales, videojuegos, creadores de contenido y nuevas formas de entretenimiento.

La nueva colaboración Nike LEGO parece responder precisamente a esa brecha generacional.

La colección incorpora referencias visuales asociadas históricamente con Nike Football, pero las traduce mediante un lenguaje más cercano al público infantil. Los modelos Jr. Mercurial Vapor Pro y Academy incluyen gráficos inspirados en panteras construidas con bloques LEGO, mientras que el Jr. Tiempo Streetgato traslada esa misma lógica al futbol urbano.

Las prendas de la colección también siguen ese camino. Jerseys, shorts y otros elementos incorporan figuras de animales como jaguares y ranas venenosas reinterpretadas mediante patrones construidos con ladrillos LEGO, reforzando la idea de imaginación, exploración y juego.

Más que recuperar diseños históricos, Nike utiliza la colaboración para actualizar el significado de su patrimonio futbolero.

LEGO como traductor cultural de la nostalgia deportiva

Uno de los aspectos más interesantes de esta estrategia es el papel que desempeña LEGO dentro de la alianza.

En muchas colaboraciones de marcas, cada socio aporta notoriedad o acceso a nuevas audiencias. En este caso, LEGO cumple una función adicional: actúa como un traductor cultural.

Nike posee uno de los archivos más valiosos del marketing deportivo. El problema es que gran parte de ese capital simbólico fue construido antes del nacimiento de la Generación Alpha. Lo que para un adulto representa recuerdos asociados a Ronaldinho, Ronaldo, Thierry Henry o Francesco Totti, para un niño puede resultar una referencia lejana.

LEGO ayuda a resolver esa distancia.

La marca danesa lleva décadas desarrollando un lenguaje universal basado en creatividad, construcción y juego abierto.

Cuando esos códigos se combinan con el universo de Nike Football, el resultado deja de depender exclusivamente de la nostalgia y se convierte en una experiencia comprensible para una nueva generación.

La colección refleja esa lógica en múltiples niveles. Los detalles inspirados en minifiguras, los gráficos construidos con bloques y la estética colorida funcionan como herramientas para reinterpretar una herencia cultural sin necesidad de que el consumidor conozca las referencias originales.

El mensaje es que no es necesario haber visto las campañas clásicas de Nike Football para participar de la historia que la marca intenta contar.

La tendencia que está transformando las colaboraciones de marcas

La colaboración Nike LEGO también refleja un cambio más amplio dentro de las estrategias de marketing.

Durante años, muchas alianzas se construyeron alrededor de la lógica del licenciamiento. Una marca prestaba su identidad a otra para generar visibilidad adicional o impulsar ventas de corto plazo.

Las colaboraciones actuales suelen perseguir objetivos más ambiciosos. En lugar de unir logotipos, buscan combinar sistemas de significado.

Nike aporta atributos relacionados con rendimiento, deporte, aspiración y cultura futbolera. LEGO suma creatividad, imaginación y participación activa. La unión de ambos universos genera una propuesta con mayor profundidad que la simple suma de dos marcas populares.

Este tipo de enfoque resulta especialmente relevante en mercados donde los consumidores jóvenes esperan experiencias más inmersivas y coherentes. La diferenciación ya no depende únicamente del producto físico, sino de la historia que ese producto permite construir.

Por esa razón, muchas de las colaboraciones más exitosas de los últimos años han funcionado como plataformas culturales antes que como lanzamientos comerciales tradicionales.

Del mensaje al comportamiento: la lección para las marcas latinoamericanas

La principal enseñanza de este caso es que la colaboración no se limita a comunicar una idea. También diseña un comportamiento.

Mientras muchas campañas publicitarias buscan transmitir valores de marca, Nike y LEGO construyen una experiencia alrededor de la acción de jugar, crear y expresarse. El futbol aparece como vehículo, pero el verdadero territorio de la colaboración es la imaginación.

Esa diferencia resulta importante para las marcas latinoamericanas que buscan conectar con audiencias jóvenes.

Los consumidores actuales participan más activamente en las historias de las marcas y esperan espacios para personalizar, reinterpretar o apropiarse de esas narrativas.

Nike y LEGO entienden esa dinámica. En lugar de presentar el futbol exclusivamente como competencia o rendimiento, lo convierten en un espacio creativo donde cada niño puede construir su propia identidad.

La colección, que llegará globalmente el 4 de junio a través de Nike.com, LEGO.com y puntos de venta seleccionados, muestra cómo dos compañías con historias muy distintas pueden encontrar un territorio común alrededor del juego.

Más allá de los productos, la alianza demuestra que algunos de los activos más valiosos de una marca no son sus diseños o tecnologías, sino su capacidad para adaptar su legado a las expectativas de una nueva generación.

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Mattel vuelve a apostar por una de sus franquicias más importantes, debido a que la compañía lanzó un nuevo paquete coleccionable de Monster High con los personajes Kieran Valentine y Spelldon Cauldronello, una edición exclusiva que llega en medio del renovado interés por la marca y tras el impacto que han tenido productos vinculados a la cultura pop juvenil, como el fenómeno de K-Pop Demon Hunters.

El nuevo set fue presentado como una edición limitada para coleccionistas y tiene un precio de 1,150 pesos en México.

La empresa informó que la compra está restringida a dos unidades por cliente y que actualmente aparece como agotado en su tienda oficial.

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Mattel apuesta por los coleccionistas de Monster High

Las nuevas figuras recuperan a dos personajes que se habían convertido en favoritos de los seguidores de la franquicia. Kieran Valentine, un vampiro de estilo emo, y Spelldon Cauldronello, hijo de Circe dentro de la historia de Monster High, aparecen juntos en un paquete especial diseñado para exhibición.

Valentine mide aproximadamente 29 centímetros y Spelldon supera los 31 centímetros. Ambos cuentan con 11 puntos de articulación y accesorios temáticos relacionados con una clase de ciencias dentro del universo de Monster High.

Entre los artículos incluidos destacan gafas de laboratorio, libros de pociones, matraces y otros elementos que buscan reforzar la experiencia de colección.

Además, el empaque fue diseñado bajo el estilo “creeproduction”, una presentación que suele ser atractiva para quienes mantienen las figuras cerradas para exhibirlas.

La estrategia apunta directamente al mercado de coleccionistas, un segmento que ha ganado relevancia para fabricantes de juguetes durante los últimos años.

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El mercado de coleccionables sigue creciendo

La industria mundial del juguete mantiene una fuerte demanda de productos dirigidos a consumidores adultos.

De acuerdo con la firma de investigación Circana, las ventas de juguetes para adultos representaron cerca del 17 por ciento del mercado total de juguetes en Estados Unidos durante 2024, convirtiéndose en uno de los segmentos de mayor crecimiento.

Mattel ha aprovechado esta tendencia mediante líneas especiales de marcas como Monster High, Barbie, Hot Wheels y Masters of the Universe. La compañía reportó ingresos por más de 5,380 millones de dólares durante 2025, según sus informes financieros.

Monster High también ha experimentado un resurgimiento gracias a nuevas series animadas, contenido digital y lanzamientos exclusivos dirigidos a fanáticos que crecieron con la marca desde su debut en 2010.

La nostalgia se ha convertido en una herramienta clave para atraer consumidores que ahora cuentan con mayor poder adquisitivo y buscan productos relacionados con personajes de su infancia.

Otras marcas también buscan capitalizar la nostalgia

Mattel no es la única empresa que ha encontrado oportunidades en este mercado. Hasbro ha relanzado figuras clásicas de G.I. Joe y Transformers, mientras que Lego ha desarrollado sets dirigidos específicamente a adultos.

Por su parte, compañías como Funko continúan apostando por ediciones limitadas vinculadas a películas, series, videojuegos y artistas musicales para impulsar las compras de coleccionistas.

Con el lanzamiento de Kieran Valentine y Spelldon Cauldronello, Mattel busca mantener vigente a Monster High y aprovechar el interés que existe por productos relacionados con tendencias juveniles y fenómenos culturales globales.

Aunque el paquete ya aparece agotado, la respuesta de los consumidores confirma que las figuras de colección siguen siendo un negocio rentable para las principales compañías jugueteras del mundo.

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